Cia. De Teatro Atemporal

TEATROS DO MUNDO

2012-01-26T03:43:00.000-02:00

Teatro Ahmanson

O Teatro Ahmanson é um dos teatros que compõem o complexo Los Angeles Music Center (que é um dos três maiores centros de artes cênicas nos Estados Unidos). No local tambem incluem os teatros Fórum Mark Taper, Pavilhão Dorothy Chandler e o Walt Disney Concert Hall.

Através da generosidade do filantropo Howard F. Ahmanson, a construção começou em 9 de março de 1962. O teatro foi inaugurado em 12 de abril de 1967 com uma produção estrelada por Ingrid Bergman, Arthur Hill e Colleen Dewhurst. Desde então o teatro tem apresentado uma grande variedade de dramas, musicais, comédias e revivals dos clássicos.

Sua temporada durante todo o ano começa no início do outono e dura até o fim do verão. Em dezembro de 2006, apresentou a adaptação musical do filme "Edward Mãos de Tesoura" de Tim Burton, dirigido e coreografado por Matthew Bourne.

Reformado em 1994, sua capacidade de assentos foi de 1.600 para 2.100.

Nome do Teatro: Ahmanson Theatre

Localização: Los Angeles, Califórnia - EUA

Pavilhão Dorothy Chandler

O Pavilhão Dorothy Chandler é um dos teatros no Los Angeles Music Center. O Pavilhão tem 3.197 lugares, distribuídos por quatro níveis, com lustres, amplas escadas curvas e sua rica decoração.

Nome do Teatro: Dorothy Chandler Pavilion

Localização: Los Angeles, Califórnia - EUA.

Fórum Mark Taper

Desde que foi inaugurado em 1967 o Fórum Mark Taper, foi homenageado pelo desenvolvimento de novas peças e vozes para o teatro e para o seu compromisso de continuar a servir um público mais amplo possível.

Ele também é um dos quatro importantes teatros no Los Angeles Music Center. Já recebeu praticamente todos os prêmios teatrais, incluindo o Prêmio Tony 1977 especial para a excelência teatral.

Nome do Teatro: Dorothy Chandler Pavilion

Localização: Los Angeles, Califórnia - EUA.

Walt Disney Concert Hall

O Walt Disney Concert Hall é um dos teatros do Los Angeles Music Center e uma das estruturas mais conhecidas dentre as idealizadas e concebidas pelo renomado arquiteto canadense Frank Gehry. O processo de construção do Concert Hall levou 16 anos: de 1987 a 2003.

Em 1987, Lillian Bounds Disney doou cerca de 50 milhões de dólares para a construção de uma casa de espetáculos em homenagem ao seu falecido marido Walt Disney. Após essa doação inicial, a família conseguiu acumular cerca de 100 milhões de dólares em doações.

Walt Disney Concert Hall e o entorno

No ano seguinte, o arquiteto canadense, Frank Gehry foi contratado para projetar a casa de espetáculos e as obras iniciaram-se em 1992, sendo que a garagem subterrânea foi concluída 4 anos depois.

O projeto foi concluído em 2003, 16 anos após o lançamento da pedra fundamental, com um gasto total de cerca de 274 milhões, incluindo a o estacionamento.

Pouco tempo após a inauguração, algumas modificações foram feitas ao exterior do prédio. Enquanto o prédio foi construído com aço, o material utilizado durante as reformas foi algo semelhante a painéis de vidro.

A qualidade reflexiva do vidro gerou várias reclamações de moradores e freqüentadores da região, que alegavam o aumento da temperatura dos prédios. Após várias reclamações, a equipe de Gehry analisou e detectou os alvos das reclamações e os substituíram pelo material original.

Nome do Teatro: Walt Disney Concert Hall
Localização: Los Angeles, Califórnia - EUA.

Barnsdall Art Park

Localizado na crista do monte verde com vista para a cidade de Los Angeles, Barnsdall Art Park teve seu início no início de 1900, quando Aline Barnsdall veio Oeste com planos para desenvolver uma companhia de teatro.

Programas e exposições se tornou uma parte da missão do Parque, os programas que são usados por milhares de membros da comunidade Los Angeles, bem como visitantes de todo o mundo. Programas incluem a adultos e jovens a inúmeros festivais e atividades durante o ano que celebra a diversidade cultural da comunidade.

Nome do Teatro: Barnsdall Art Park

Localização: Los Angeles, Califórnia - EUA.

Teatro de Marionettes Bob Baker

O Teatro de Marionettes Bob Baker, fundado por Bob Baker e Wood Alton em 1963, é o mais antigo teatro infantil empresa em Los Angeles. Em junho de 2009, o teatro foi designado como Monumento Histórico-Cultural de Los Angeles.

Nome do Teatro: Teatro Bob Baker Marionette

Localização: Los Angeles, Califórnia - EUA.

Carthay Circle Theatre

Inaugurado em 1926, o Carthay Circle Theatre foi um dos mais famosos palácios do cinema de Idade de Ouro de Hollywood.

O teatro recebeu as premieres de A Vida de Emile Zola (1937), Romeu e Julieta (1936), a primeira animação de longa metragem de Walt Disney Branca de Neve e os Sete Anões (1937) e Gone with o Vento Levou (1939), entre muitos outros filmes notáveis. Para Disney Fantasia (1940), o mais elaborado sistema de áudio da época foi usado no momento, Fantasound, foi instalado no teatro.

Esta é uma réplica com base no Carthay Circle Theatre, em um dos parques Disney, onde Branca de Neve e os Sete Anões estreou em 1937. Na replica funciona um loja, onde oferece uma grande coleção de canecas, pratos, almofadas quentes, torradeiras, ferros de waffle, potes de biscoito, chá potes, tábuas de corte, forno luvas, cremes e açucareiros, aventais e utensílios de cozinha.

Nome do Teatro: Carthay Circle Theatre
Localização: Los Angeles, Califórnia - EUA.

Teatro Coronet

Inaugurado no dia 2 de novembro de 1949, o Teatro Coronet é um dos muitos mais impostantes e requisitados teatros de Los Angeles, Califórnia (EUA). Grandes filmes como da saga "Star Wars" estrearam no local, sendo um grande sucesso de publico.

Apesar de seu apelo massivo, tela gigante e ótimo sistema de som, o Teatro Coronet foi fechado em março de 2005 e foi demolido no verão de 2007 para uma instalação de um alto-atendimento.

Nome do Teatro: Coronet Theatre

Localização: Los Angeles, Califórnia - EUA.

Teatro El Rey

O Teatro El Rey é atualmente um local de música ao vivo e eventos no Miracle Mile área do Mid-Wilshire, região de Los Angeles, Califórnia (EUA).

O El Rey foi originalmente construído em 1936, como uma sala de cinema de tela única e funcionou como um cinema por quase 50 anos. A partir da década de 1980 e início de 1990 o Teatro El Rey foi um clube de dança de música chamado Wall Street, mas desde 1994 o teatro tem sido um local de música ao vivo.

Possui capacidade para cerca de aproximadamente 700 pessoas e também dispõe de um espaço VIP.

Em em 26 de fevereiro de 1991, o teatro foi designado como Monumento Histórico-Cultural de Los Angeles.

Nome do Teatro: El Rey Theatre

Localização: Los Angeles, Califórnia - EUA.

Teatro Fox Bruin

O Teatro Fox Bruin é um histórico cinema localizado em Westwood, bairro de Los Angeles, Califórnia (EUA). A estrutura foi projetada pelo arquiteto S. Charles Lee e inaugurado em 1937. Foi designado como Monumento Histórico-Cultural de Los Angeles em 1988.

Nome do Teatro: Fox Bruin Theater

Localização: Los Angeles, Califórnia - EUA.

Teatro Fox, Westwood Village

O Teatro Fox, Westwood Village, também conhecido como o Teatro Vila Fox, é um cinema, histórico marco do Westwood Village, Los Angeles, Califórnia (EUA). Hoje é administrado pela Theaters Regency sob o nome Regency Village Theater. O teatro tem sido um dos principais cine teatros onde ocorrem estreias de filmes na história do cinema.

Projetado pelo arquiteto Percy Parke Lewis, a Fox o inaugurou em 14 de agosto de 1931, parte de um amplo programa de construção de cinema realizado por Theatres Fox West Coast. O Teatro Fox tornou-se rapidamente o símbolo mais reconhecível da nova Westwood Village.

O Fox é famoso pelas muitas estreias de filmes hollywoodianos realizados lá e ainda hoje é um dos principais locais para estreias de filmes em Los Angeles.

A capacidade é para aproximadamente 1.400 pessoas. O interior do teatro foi remodelado durante o período do final dos anos 1940 a 1950. O hall de entrada e saídas foram modernizados.

No final dos anos 70 novo equipamento de projeção 70 milímetros foi instalado e uma tela maior acrescentou. O Teatro Fox, Westwood Village tem uma reputação de qualidade de som superior e projeção. A mais recente remodelação foi em cerca de 1998-1999 com o teatro recebendo novas poltronas e carpete.

Em 1988, o Teatro Fox foi designado pela Comissão Patrimonial de Los Angeles, como um Monumento Histórico Cultural do local.

Nome do Teatro: Fox Theater, Westwood Village

Localização: Los Angeles, Califórnia - EUA.

Teatro American Conservatory

O Teatro American Conservatory (American Conservatory Theater) (ACT) é uma grande empresa de teatro sem fins lucrativos na cidade de São Francisco, Califórnia. O Teatro American Conservatory foi fundado em 1965 em Pittsburgh, Pennsylvania em conjunto com o Playhouse Pittsburgh e a Tecnologia Carnegie, pelo encenador e diretor de ópera William Ball. Ball mudou a empresa para San Francisco e surpreendeu o mundo do teatro, apresentando 27 produções totalmente encenadas na rotação do repertório, em dois palcos diferentes, e durante 40 semanas de temporada ocupou o primeiro lugar.

O teatro, que oferece produções de teatro clássicas e contemporâneas, é o homônimo americano, anteriormente conhecido como o Teatro Columbia e, em seguida, o Teatro Geary até ser rebatizado em setembro de 2006.

Nome do Teatro: American Conservatory Theater (ACT)

Localização: São Francisco, Califórnia - EUA.

Teatro Arcata

O Teatro Arcata é uma histórica estrutura localizada na cidade de Arcata, em Humboldt County, California.

George Mann, que controlava os negócios de teatro na área, encomendou ao arquiteto William B. David para projetar o teatro em 1927. Custos de construção original variou entre US$ 40.000 a $ 60.000. A noite de abertura, em 1938, apresentou o filme "Thin Ice", estrelado por Sonja Henie e Tyrone Power.

O teatro foi um sucesso e foi logo oferecendo até seis filmes por semana juntamente com atrações acrescentou, desenhos, como Popeye e Betty Boop, notícias e esportes. Em 1948 o teatro foi reformado, ampliado e uma nova tela cinemascope substituiu a antiga tela. Carpetes, ar condicionado e assentos acochados foram adicionados. Em 1982 o teatro foi vendido para David Phillips, mas para funcionar como uma casa de cinema. O teatro foi vendida em 2000 para Robert White. Os actuais proprietários, Lara e Brian Cox de Arcata, comprou o Teatro Arcata maio 2004. Reabriu como o Salão do Teatro Arcata em abril de 2009.

Nome do Teatro: The Arcata Theatre

Localização: Humboldt County, California - EUA.

Avalon Hollywood

Avalon (ou Avalon Hollywood) é uma clube de noite em Hollywood, Califórnia. Tem sido conhecido como o Playhouse Hollywood, O WPA Federal Theatre, El Capitan Theatre, The Jerry Lewis Theatre, The Hollywood Palace e The Palace. Tem uma capacidade para 2.000 pessoas.

Nome do Teatro: Avalon Hollywood

Localização: Hollywood, California - EUA.

Teatro Azteca

O Teatro Azteca é uma histórico teatro na Chinatown, distrito de Fresno, Califórnia, foi construído por Gustavo Acosta em 1948. O teatro foi a primeira linguagem do cinema espanhol no San Joaquin Valley, atendendo a uma população crescente de mexicanos-americanos na Califórnia do Vale Central.

Conhecida como a Idade de Ouro do Cinema mexicano, Cantinflas, Pedro Infante, María Félix, Agustín Lara, Pedro Vargas, Miguel Aceves Mejía, Pedro Armendáriz, Antonio Aguilar e José Alfredo Jiménez estavam entre os luminares visto no Teatro Azteca.

O Azteca foi fechado no final de 1980 e foi parcialmente reaberto em 1999 com uma galeria de arte e eventos.

Nome do Teatro: Azteca Theater

Localização: Fresno, California - EUA.

Teatro Comunitário Berkeley

O Teatro Comunitário Bakersfield (Berkeley Community Theatre) está localizado em Bakersfield, Califórnia. O BCT é a mais antiga continuidade do teatro comunitário na Califórnia, e o mais velho teatro amador comunitário do oeste do Mississippi.

Criado oficialmente em 1927, ao longo do anos o BCT tem tido uma temporada cheia de peças e musicais de partida.

Embora algumas vezes remodelado o BCT é atualmente capaz de comportar 181 pessoas.

Nome do Teatro: Berkeley Community Theatre

Localização: Bakersfield, California - EUA.

Beverly Hills Playhouse

O Beverly Hills Playhouse é uma das mais antigas escolas de teatro e cinemas em Beverly Hills, California , Estados Unidos.

Nome do Teatro: Beverly Hills Playhouse

Localização: Beverly Hills, California - EUA.

Palácio de Cristal Buck Owens

O Palácio de Cristal Buck Owens (também conhecido como The Palace) é uma sala de música localizada em Bakersfield, Califórnia. Foi construído por Buck Owens, e foi inaugurado em 1996. Basicamente, é um local apresentações para a música country, embora outros gêneros musicais tambem são ouvidos por lá. O local também possui o museu de Buck Owens, que contém itens relacionados à sua carreira. Embora colocado no local uma sala de música, discoteca, bar e restaurante.

O Palácio de Cristal é projetado no estilo ocidental Revival, um estilo que se assemelha edifícios do Oeste americano do século 19. O interior lembra uma cidade americana ocidental desde o mesmo período.

Nome do Teatro: Buck Owens Crystal Palace

Localização: Bakersfield, California - EUA.

Colaboraram: Wikipedia, Cinema Treasures, Wolf Gangpuck, ExperiencingLA.com

TEATROS DO MUNDO

2012-01-01T00:00:00.000-02:00

Teatro Minskoff

O Teatro Minskoff é um teatro da Broadway localizado na 1515 Broadway, no centro de Manhattan, New York, EUA.

Com 1.621 lugares e projetados por Kahn Jacobs, o teatro foi inaugurado em 13 de março de 1973, com o musical Irene, estrelado por Debbie Reynolds. E ao longo dos anos tem recebido uma variedade musicais, espetáculos de dança e concertos.

Em 1981, foi palco do Miss Universo 1981, vencido por Irene Saez da Venezuela.Em 1994, o musical Sunset Boulevard foi um sucesso no teatro. Atualmente musical O Rei Leão foi transferido para o teatro, onde está em cartaz desde 2011.

Nome do Teatro: Minskoff Theatre
Localização: Nova Iorque, Nova Iorque - EUA

Teatro Al Hirschfeld

O Teatro Al Hirschfeld é um teatro situado na Broadway, Manhattan, Nova York. Seu endereço é 302 West 45th Street.Projetado pelo arquiteto G. Albert Lansburgh para o produtor de vaudeville Martin Beck, ele foi inaugurado com o nome de Martin Beck Theatre em 11 de novembro de 1924, com a produção Madame Pompadour e era, em sua época, o unico teatro nova-iorquino que seu proprietário tinha a posse definitva, sem pagamento de hipoteca.

Ele foi construído para ser o mais opulento teatro da época, com vestiários para duzentos atores e tem capacidade para 1.292 lugares para peças e 1.282 para musicais.

Entre os atores e atrizes famosos que por lá se apresentaram encontram-se Basil Rathbone em 1934, Paul Newman em 1959, Elizabeth Taylor em 1981 e Christina Applegate em 2005.Em 21 de junho de 2003 ele foi renomeado como Al Hirschfeld Theatre, em homenagem ao caricaturista famoso por seus desenhos de celebridades da Broadway durante setenta e cinco anos, e foi reinaugurado em 23 de novembro do mesmo ano com uma remontagem de Wonderful Town.

Nome do Teatro: Al Hirschfeld Theatre

Localização: Nova Iorque, Nova Iorque - EUA

Fillmore East

O Fillmore East foi uma casa de shows mantida pelo empresário de rock Bill Graham durante o final dos anos 60 e começo dos 70 na Second Avenue, Nova York.Funcionou de 1968 a 1971, sendo palco para os concertos dos maiores astros de rock da época. Era casa-irmã do Fillmore Auditorium (posteriormente renomeado para Fillmore West), que Graham mantinha em sua base de operações, São Francisco, Califórnia.

O prédio foi construído em 1926 para abrigar um teatro iídiche. Chamado Commodore Theater, foi eventualmente adquirido pela Loew's Inc., que o transformou em um cinema, o Village Theatre. Quando Graham assumiu a administração, o local estava praticamente abandonado.

Reinaugurado como Fillmore East em 3 de março de 1968, tornou-se conhecido como "A Igreja do Rock and Roll", com concertos duplos realizados diversas vezes por semana. Mudanças na indústria musical, que se tornou um negócio multimilionário, e a evolução na organização de concertos, que passaram a ser realizados em estádios, fizeram Graham desistir de manter a casa.

O concerto final foi realizado em 27 de junho de 1971, com The Allman Brothers Band, The J. Geils Band, Albert King, e participações especiais Edgar Winter's White Trash, Mountain, The Beach Boys e Country Joe McDonald, numa apresentação restrita a convidados. Em 1980 o local tornou-se uma boate gay, The Saint. No final da década de 1990, o saguão foi transformado em espaço comercial, enquanto o interior foi demolido e reconstruído como um complexo de apartamentos.

Nome do Teatro: Fillmore East

Localização: Nova Iorque, Nova Iorque - EUA

Teatro Club La MaMa Experimental

O Teatro Club La MaMa Experimental (La MaMa E.T.C.) é um teatro off-off-Broadway de Nova York, Estados Unidos.Fundado em 1961 por Ellen Stewart e nomeado em referência a ela, o teatro surgiu no pequeno porão da butique de moda de Stewart. O espaço da butique servia como teatro para dramaturgos iniciantes na época. Durante os cinquenta anos de sua história, o La MaMa evoluiu como uma importante e renomada mundialmente instituição cultural norte-americana.Em seus primeiros anos, o La Mama era um teatro dedicado à dramaturgia, encorajando jovens escritores e produzindo novas peças. O teatro também atuava como embaixador da dramaturgia existente off-off-Broadway, levando novas peças do Greenwich Village ao exterior.

Ele é o único teatro do núcleo de quatro que iniciaram o movimento cultural existente off-off-Broadway na década de 60 que continua a prosperar até hoje. Hoje, sua missão é apoiar os artistas em vez das peças, como atesta em seu site oficial: "O La Mamma é dedicado ao artista. Desde que foi fundado por Ellen Stewart em 1961, nosso interesse tem sido nas pessoas que fazem arte e é a elas que damos apoio com um teatro grátis e espaço para ensaios, luzes, som, palco e o que mais precisarem para criar e apresentar seu trabalho. Nós queremos que eles se sintam livres para apresentar suas ideias e traduzir isso numa linguagem teatral, que possa se comunicar com qualquer pessoa em qualquer parte do mundo."

Nome do Teatro: La MaMa Experimental Theatre Club

Localização: Nova Iorque, Nova Iorque - EUA

Teatro The Public

O Teatro The Public é uma organização de produção artística localizada na cidade de Nova York, fundada em 1954 por Joseph Papp como 'The Shakespeare Workshop', mais tarde 'New York Shakespeare Festival', com a intenção de exibir obras de artistas e dramaturgos iniciantes.

Localizado na 425 Lafayette Street, East Village, Manhattan, o teatro off-Broadway abriu suas portas como The Public Theatre em 1967, com a estréia mundial do musical Hair como seu primeiro espetáculo, que ali foi exibido por 45 dias. Além deste, o Public também é famoso por ter sido o primeiro teatro de exibição de A Chorus Line, que dali saiu para a Broadway e para o Shubert Theatre, onde ficou por quinze anos consecutivos em cartaz.Enquanto New York Shakespeare Festival, o Public apresentou durante anos peças e trabalhos de William Shakespeare gratuitamente ao público de Nova York, notadamente no Delacorte Theater, um teatro aberto localizado no Central Park.

Nome do Teatro: The Public Theater

Localização: Nova Iorque, Nova Iorque - EUA

Radio City Music Hall

O Radio City Music Hall é um local de espectáculos localizado no Rockefeller Center de Nova Iorque. Conhecido como o Local de Espectáculos da Nação, o Radio City Music Hall abriu ao público a 27 de Dezembro de 1932.

O teatro é também o local onde se realiza o Radio City Christmas Spectacular, uma tradição do Natal de Nova Iorque desde 1933, e onde actua a equipa de mulheres de dança de precisão conhecida como The Rockettes. O teatro é também usado para vários concertos e eventos especiais. Daniela Luján foi a primeira cantora latina a se apresentar na rádio.

Desenhado pelo arquitecto Edward Durrell Stone, o interior do Radio City Music Hall, feito por Donald Deskey, incorpora vidro, alumínio, cromado e ornamentação geométrica. Possui 5,933 lugares para espectadores e é também o local onde geralmente se realizam os MTV Video Music Awards.

Nome do Teatro: Radio City Music Hall

Localização: Nova Iorque, Nova Iorque - EUA

Anfiteatro Gibson

O Anfiteatro Gibson (Gibson Amphitheatre), antigo Universal Amphitheatre é um anfiteatro localizado na Universal City, Califórnia. Foi construído em 1972 como um teatro descoberto, mas foi remodelado em um teatro indoor (fechado) em 1982. O Anfiteatro Gibson tem capacidade para 6 189 pagantes, incluindo 6 089 cadeiras (3 900 no nível principal e 2 189 no andar superior). É o terceiro maior anfiteatro da Califórnia, somente atrás do Shrine Auditorium e do Nokia Theatre, havendo outros dois teatros sem teto em Los Angeles com capacidade superior. O teatro é conhecido por sua excelente acústica e iluminação, sendo considerado um dos melhores anfiteatros dos Estados Unidos.

O Anfiteatro Gibson em preparativos para uma cerimonia do MTV Movie Awards

O teatro foi conhecido como Universal Amphitheatre até ser modernizado em 2005 e seus direitos comprados pela Gibson Guitar Corporation.Grandes eventos aconteceram no Gibson Amphitheatre como o WWE Hall of Fame de 2005, o MTV Movie Awards de 2009. Vários músicos importantes como Sting, Madonna, John Denver, Grateful Dead, Elton John, David Bowie, Frank Sinatra, Bette Midler, Frank Zappa, Eric Clapton, Paramore, No Doubt, RBD e muitos outros, assim como o Teen Choice Awards, que acontece lá anualmente.

Nome do Teatro: Anfiteatro Gibson

Localização: Universal City, Califórnia - EUA

Auditório Shrine

O Auditório Shrine é um importante teatro em Los Angeles, Califórnia, EUA. É também a sede da Al Malaikah Temple, uma divisão da Shriners. Inaugurado em 1926, no Auditório Shrine atual substituiu um anterior Templo Malaikah 1906 Al que havia sido destruído por um incêndio em 11 de janeiro de 1920. O incêndio arrasou o edifício original em apenas 30 minutos, e quase matou seis bombeiros no processo.

O novo auditório foi projetado em estilo mourisco Revival por San Francisco com base em teatro arquiteto Albert G. Lansburgh, com locais arquitetos John C. Austin e Edelman AM associados. Quando construído, o auditório pode acomodar 1.200 pessoas no palco e sede de uma platéia de 6.442. Um engenheiro que consultado sobre o projeto disse que o truss de aço que suporta o balcão foi a maior já construída.

Em 2002, o Auditório passou por uma reforma de US$ 15 milhões que atualizado palco do auditório com state-of-the-art de iluminação e sistemas de cordame, e incluíram telhado novo e ar condicionado para ambos Auditório eo Expo Center, estandes modernizado, banheiros adicionais, repintura do Expo Center, e uma praça nova performance e garagem. Todo o complexo segue um motivo marroquino arquitetônico. O Santuário assentos Auditório aproximadamente 6.300 pessoas (reseated durante a renovação 2002 a partir de 6700 a capacidade original) e tem um estágio de 194 pés (59 m) de largura e 69 pés (21 m) de profundidade.

Nome do Teatro: Shrine Auditorium

Localização: Los Angeles, Califórnia - EUA

Teatro Nokia

O Teatro Nokia faz parte do complexo LA Live, localizado no centro de Los Angeles, Califórnia. O teatro, em sua maioria recebe shows, concertos e eventos.

O Teatro Nokia foi inaugurado em 18 de outubro de 2007, com um concerto com The Eagles e The Dixie Chicks .Teatro Nokia acolheu o MTV Video Music Awards em 2010 e 2011. O local também sediou a final da sétima, oitava, nona e décima temporadas de American Idol em 21 de maio de 2008; 20 de maio de 2009, 26 de maio de 2010 e 25 de maio de 2011, respectivamente.

O teatro já recebeu uma série de eventos do Expo Anime desde 2008. Em 2008 e 2011 o local recebeu as indicações ao Grammy de concertos ao vivo, onde os nomeados para os Grammy Awards foram anunciados.

Gravação do álbum "John Mayer Live in Los Angeles" do cantor John Mayer também foi gravado no local

Nome do Teatro: Teatro Nokia

Localização: Los Angeles, Califórnia - EUA

Hollywood Bowl

O Hollywood Bowl é um anfiteatro em Hollywood, região de Los Angeles, Califórnia, Estados Unidos, que é usado principalmente para performances musicais. Sua capacidade é para 17376 pessoas sentadas.O Hollywood Bowl é conhecido por seu formato de concha, com um característico conjunto de arcos concêntricos que embelezam o lugar desde 1929.

O lugar está do lado oposto aos Hollywood Hills e ao famoso Sinal de Hollywood a noroeste.A "bacia" ("bowl") refere-se ao formato côncavo da encosta do morro no qual o anfiteatro foi construído.

O Hollywood Bowl é propriedade do Condado de Los Angeles, além de ser a sede da Orquestra do Hollywood Bowl, a sede de verão da Orquestra Filarmônica de Los Angeles e o local de centenas de eventos a cada ano.Localiza-se na 2301 North Highland Avenue.

Nome do Teatro: Hollywood Bowl

Localização: Los Angeles, Califórnia - EUA

Teatro Kodak

O Teatro Kodak (Kodak Theatre) é uma sala de espetáculos situada no Hollywood Boulevard, na cidade de Los Angeles na Califórnia, Estados Unidos.

Desde sua inauguração em novembro de 2001, tem sido o local de entrega dos Prêmios da Academia, o Oscar, cerimônia para a qual foi especialmente desenhado, tendo capacidade para 3.400 pessoas sentadas e com um palco de 20 metros de profundidade por 40 metros de largura, um dos maiores do país.É patrocinado pela Kodak, que pagou U$75 milhões para ter seu nome associado à empresa e alugado para a Academia na noite de premiação. As colunas em seu átrio de entrada têm escrito o nome de todos os filmes vencedores do prêmio desde 1928.

No resto do ano, o teatro é usado para shows, concertos, homenagens, óperas, desfiles de moda e também já foi palco de uma entrega especial dos prêmios Emmy.

Nome do Teatro: Kodak Theatre

Localização: Los Angeles, Califórnia - EUA

Teatro Lobero

O Teatro Lobero, fundado por José Lobero, é um edifício histórico em Santa Bárbara. Situa-se na esquina das ruas de Anacapa e Canon Perdido, perto do histórico Presídio de Santa Bárbara. Construído em 1873 como uma casa de ópera, o teatro foi reconstruído pelo arquitecto George Washington Smith para a Community Arts Music Association, no princípio da década de 1920. Desde então continua a promover eventos culturais e artísticos mais de 250 dias por anos.A Academia de Música do Oeste realiza no local vários dos seus concertos de verão.

Nome do Teatro: Lobero Theater

Localização: Los Angeles, Califórnia - EUA

Teatro Congress

O Teatro Congress fica em Chicago e foi construída pela Fridstein and Company em 1926 para a companhia de teatro Bubliner and Trinz, e depois sobreviveu como um cinema. Anos depois passou a apresentar peças e concertos de bandas, de inicio tendo uma capacidade de 2.900 pessoas mas depois ela chegou a suportar mais de 4 mil pagantes. Em agosto de 2008, o anfiteatro foi local da gravação do CD/DVD ao vivo da banda Paramore intitulado The Final Riot!, sendo liberado em novembro de 2008.

Nome do Teatro: Congress Theater

Localização: Chicago, Illinois - EUA

Teatro Chicago

Construído em 1921 o Teatro Chicago, originalmente conhecido como o Balaban e Chicago Theatre Katz, é um marco do teatro mundial localizado em North State Street no loop área de Chicago, Illinois.

A estrutura é de sete andares de altura e preenche quase metade de um quarteirão da cidade. O de 60 pés (18 m) de largura por seis andares de altura arco sobre o State Street fachada é projetada de forma semelhante à l'Arc de Triomphe em Paris. O brasão de armas do Balaban e Katz cadeia e dois cavalos segurando fitas de filme de 35 mm na boca delineada por uma borda de filme bobinas está situado dentro de uma circular Tiffany vitrais no interior do arco. O exterior do edifício é coberto em off-white terracota fornecidos pela da Northwestern Terra Cotta Empresa com Neo-barroco gesso projetos pelos irmãos McNulty.

O interior mostra barroco francês influência do Segundo Império Francês. O grande átrio, cinco andares de altura e rodeado por avenidas galeria no mezanino e varanda níveis, é a influência da Capela Real de Versalhes . A escadaria é modelado a partir de um dentro da Ópera de Paris e sobe para os níveis varanda diversas.

O letreiro todo foi substituído em 1994, mas mantém a aparência de seu antecessor, que não foi parte do projeto original. Em 2004, o letreiro original foi doado ao Smithsonian Institution. O letreiro é destaque em inúmeras filmes e programas de TV set, em Chicago, e seu neon font foi usada no título do filme de 2002 Chicago.

A figura em forma de Y por trás da palavra horizontal Chicago na Rua Estado marquee é emblema municipal da cidade, que simboliza a bifurcada Chicago River em Wolf Point.

Nome do Teatro: Chicago Theatre

Localização: Chicago, Illinois - EUA

Teatro 5th Avenue

O Teatro 5th Avenue (muitas vezes referido apenas como 5th Avenue ou 5th) é um teatro localizado em um prédio histórico na cidade de Seattle, Washington, nos Estados Unidos. Ele já recebeu diversas produções teatrais e filmes desde que foi inaugurado em 1926. O edifício e o terreno é propriedade da Universidade de Washington. O teatro, localizado na 1308 Fifth Avenue, no histórico Skinner Building, é listado no Registro Nacional de Lugares Históricos dos Estados Unidos desde 1978.

Nome do Teatro: 5th Avenue Theatre

Localização: Seattle, Washington - EUA

Teatro Ford

O Teatro Ford (Ford's Theatre) é um teatro histórico em Washington, D.C., utilizado para diversas espetáculos e encenações desde a década de 1860. É também o local do assassinato do presidente estadunidense Abraham Lincoln, ocorrido em 14 de abril de 1865. Após ser baleado em um camarote, o presidente mortalmente ferido foi levado para a pensão Petersen House, situada do outro lado da rua, onde morreu na manhã seguinte.

A edificação foi posteriormente utilizada como depósito e prédio de escritórios, sendo reformada e reaberta como teatro durante a década de 1960. Foi reformada novamente na década de 2000, sendo reinaugurada em 12 de fevereiro de 2009 como parte das comemorações do bicentenário de Lincoln.

A Petersen House e o teatro formam o conjunto "Ford's Theatre National Historic Site", tombado pelo patrimônio histórico dos Estados Unidos.

Nome do Teatro: Ford's Theatre
Localização: Washington, D.C. - EUA

Centro de Artes e Performances John F. Kennedy

O Centro de Artes e Performances John F. Kennedy é um centro de artes localizado na margem do rio Potomac junto ao Complexo Watergate em Washington, D.C..

O centro foi inaugurado em Setembro de 1971 e abriga espetáculos de dança, música, teatro, ópera e outros tipos artísticos. O Complexo foi projetado pelo arquiteto Edward Durrell Stone e é administrado pela Smithsonian Institution.

Desde 1978, o Kennedy Center concede anualmente o Prêmio Kennedy Center (Kennedy Center Honors) a cinco artistas ou grupos, de diferentes áreas, por sua contribuição para a cultura americana e as artes cênicas, incluindo dança, música, teatro, ópera, cinema e televisão. O centro concede também o Prêmio Mark Twain de Humor, desde 1998.

Nome do Teatro: John F. Kennedy Center for Performing Arts

Localização: Washington, D.C. - EUA

Teatro Ambassador

O Teatro Ambassador (Ambassador Theatre) é um legítimo teatro da Broadway, projetado pelo arquiteto Herbert J. Krapp. Sua aparência externa é indistinguíveis de muitas outras casas da Broadway. O edifício foi designado um marco da cidade de Nova York . O teatro é a altura da rede é de 54 pés 9 polegadas (16,69 m).O teatro abriu em 11 de fevereiro de 1921, com o musical The Girl Rose. O Shuberts vendeu a propriedade em 1935, e para as próximas duas décadas, foi usado como um estúdio de cinema e televisão para a NBC ea Rede de Televisão DuMont . Em 1956, o Shuberts assumiu a propriedade novamente e voltou para uso estritamente legítimos.

Nome do Teatro: Ambassador Theatre

Localização: Nova Iorque, Nova Iorque - EUA

Teatro American Airlines

O Teatro American Airlines (American Airlines Theatre) é um teatro da Broadway, Nova Iorque.Originalmente chamado de Teatro Selwyn, foi construído pelos irmãos Selwyn, Edgar e Archie, em 1918. Foi um dos três teatros por eles construídos e controlados na 42nd Street, junto com o Apollo e o Times Square Theatre. Ele foi decorado no estilo da Renascença italiana, e originalmente tinha 1180 lugares. No momento da sua abertura, o projeto teve várias inovações.

Nome do Teatro: Teatro American Airlines

Localização: Nova Iorque, Nova Iorque - EUA

Teatro Brooks Atkinson

Construído em 1926 e originalmente chamado de Teatro Mansfield, o Teatro Brooks Atkinson (Brooks Atkinson Theatre) foi renomeado em 1960 para homenagear o famoso crítico de teatro do jornal The New York Times, Brooks Atkinson. Este teatro íntimo é popular entre os espectadores, por ter abrigado uma longa lista de dramas e comédias distinguido estrelado por talentos como Matthew Broderick, Glenn Close, Richard Dreyfuss, Gene Hackman, Ed Harris, Derek Jacobi, Nathan Lane, Gary Sinise, Kevin Spacey, Jerry Stiller e Marisa Tomei.

Redecorado em 2000, o teatro é mais uma vez iluminada pelo lustre original que havia sido removido há 40 anos. Ele tem 1.069 lugares.

Nome do Teatro: Brooks Atkinson Theatre

Localização: Nova Iorque, Nova Iorque - EUA

Teatro Ethel Barrymore

Projetado pelo arquiteto Herbert J. Krapp e construído pelo Shuberts, o Teatro Ethel Barrymore (Ethel Barrymore Theatre), nomeado em homenagem a atriz Ethel Barrymore, abriu as portas em 20 de dezembro de 1928 com a peça Reino de Deus.

Ao longo dos próximos doze anos, atriz Ethel Barrymore, estrelou os sucessos The Duel Love (1929), a Irmã Mary Scarlett (1930), The School for Scandal (1931), e Um Incidente Internacional (1940).

É o único teatro sobrevivente dos muitos a Shuberts construído para artistas que eram filiados com eles. O teatro tem sido usado continuamente como uma casa legítima, ao contrário de muitos dos teatros mais antigos, que foram usados para uma variedade de propósitos ao longo dos anos.

Nome do Teatro: Ethel Barrymore Theatre

Localização: Nova Iorque, Nova Iorque - EUA

Vamos Conhecer Outros Importantes teatros da Broadway

Teatro Belasco (Belasco Theatre)

Teatro Vivian Beaumont Theatre (Vivian Beaumont Theatre)

Teatro Bernard B. Jacobs (Bernard B. Jacobs Theatre)

Teatro Samuel J. Friedman (Samuel J. Friedman Theatre)

Teatro Booth (Booth Theatre)

Teatro Broadhurst (Broadhurst Theatre)

Teatro Circle in the Square (Circle in the Square Theatre)

Teatro Cort (Cort Theatre)

Teatro Gershwin (Gershwin Theatre)

Teatro John Golden (John Golden Theatre)

Teatro Helen Hayes (Helen Hayes Theatre)

Teatro Hilton (Hilton Theatre)

Teatro Imperial (Imperial Theatre)

Teatro Walter Kerr (Walter Kerr Theatre)

Teatro Longacre (Longacre Theatre)

Teatro Lunt-Fontanne (Lunt-Fontanne Theatre)

Teatro Lyceum (Lyceum Theatre) (Broadway)

Teatro Majestic (Majestic Theatre) (Broadway)

Teatro Marquis (Marquis Theatre)

Teatro Music Box Theatre (Music Box Theatre)

Teatro Nederlander (Nederlander Theatre)

Teatro New Amsterdam (New Amsterdam Theatre)

Teatro Eugene O'Neill (Eugene O'Neill Theatre)

Teatro Palace (Palace Theatre) (Broadway)

Teatro Richard Rodgers (Richard Rodgers Theatre)

Teatro Gerald Schoenfeld (Gerald Schoenfeld Theatre)

Teatro Shubert (Shubert Theatre) (Broadway)

Teatro Neil Simon (Neil Simon Theatre)

Teatro St. James (St. James Theatre)

Studio 54

Teatro August Wilson (August Wilson Theatre)

Teatro Winter Garden (Winter Garden Theatre)

Teatro Broadway (The Broadway Theatre)

Teatro Foxwoods (Foxwoods Theatre)

Teatro Stephen Sondheim (Stephen Sondheim Theatre)

Colaboraram: Wikipedia & OC Sedan

TENDÊNCIAS CONTEMPORÂNEAS DO TEATRO BRASILEIRO

2011-12-25T00:00:00.000-02:00

Se a modernidade do teatro brasileiro pode ser datada de 1943 com a estréiade Vestido de Noiva, talvez o marco da contemporaneidade caiba ser definidocomo o ano de 1978 pelo lançamento de Macunaíma e pelo fim do AtoInstitucional no 5, de 13 de dezembro de 1968. Início da fase do domínio dosencenadores-criadores, a partir da montagem de Antunes Filho para a adaptaçãocênica da Rapsódia de Mario de Andrade, e abrandamento da censura, que levouà mudança da linha da dramaturgia desde o Golpe Militar de 1964.

Costumo afirmar que, didaticamente, certas hegemonias são reconhecíveisno palco brasileiro. Enquanto se realizava, em São Paulo, a Semana de ArteModerna de 22, o atraso teatral ainda determinou, na década de 20 prolongando-se até a de 30, a hegemonia do ator. O fenômeno Vestido de Noiva, que renovoua dramaturgia, com o texto de Nelson Rodrigues, a encenação, com o trabalhode Ziembinski, e a cenografia, com a arquitetura cênica de Santa Rosa, sóproduziu frutos imediatos e mais visíveis no campo das montagens. Prolongandoe consolidando as criações do grupo carioca amador de Os comediantes, o TeatroBrasileiro de Comédia (TBC), criado em São Paulo em 1948, estabeleceu ahegemonia do encenador com o concurso dos diretores europeus, sobretudoitalianos, que também na década de 50 assumiram as rédeas de conjuntos comoo Teatro Popular de Arte (Companhia Maria Della Costa-Sandro Polloni), aCompanhia Tônia-Celi-Autran, o Teatro Cacilda Becker e o Teatro dos Sete.

A hegemonia do autor brasileiro só veio a se dar em 1958 quando o Teatro de Arena de São Paulo lançou Eles não usam black-tie, de Gianfrancesco Guarnieri, abrindo caminho para um grupo de jovens talentos. A política de prestígio ao dramaturgo nacional deixou de ser privilégio do elenco paulista para dominar até os redutos que lhe eram mais adversos.

O florescimento da literatura dramática brasileira tornou-se signo da nossamaturidade artística e eis que o Golpe Militar de 1964 – desastroso em todos ossentidos – trouxe para o palco a hegemonia da censura. Ela não veio de repente,como se houvesse outras prioridades a cumprir. A sobrevivência do teatro tornou-se dificílima com a edição do Ato Institucional no 5 e o advento do governoMedici, que sufocou o que ainda restava de liberdade. No palco só se passou arespirar de novo com a abertura política iniciada no governo Geisel e prosseguidano governo Figueiredo.

A linguagem corrente foi a da metáfora ou, como disse Guarnieri para definir sua produção na década de 70, era possível apenas fazer um “teatro deocasião”. O anseio anônimo de liberdade estimulou os autores a concentrarem-senuma dramaturgia social e política, inimiga das injustiças que advogava a igualdadeentre os brasileiros.

O fim da ditadura criou, sob o prisma autoral, inevitável vazio, já que nãomais se justificava a mobilização dos autores no combate ao arbítrio. Não que eledeixasse de assumir novas formas, sempre condenáveis. O recurso à metáfora éque já não correspondia às necessidades do momento. Tanto que não funcionoupara o público a peça Patética, na qual João Ribeiro Chaves Netto transpôs parao palco, em 1980, a biografia romanceada de seu cunhado – o jornalista WladimirHerzog – assassinado pelos órgãos repressores. Já Campeões do mundo, de DiasGomes, fez em 1979 o balanço do que ocorreu desde o Golpe de 64, sem qualquerartifício exigido pela censura, inaugurando assim nova fase do discurso direto.

Explicação verossímil para um certo declínio da dramaturgia na década de80 é que, desmobilizados os autores na sua faina política, se requeria um temporazoável para se reabastecerem com novos materiais do interesse do público. Amaturação, sob o estímulo da realidade, demanda uma experiência que não seimprovisa. Era natural que o palco cedesse espaço para outras preocupações.

Tais preocupações, por sua vez, não eram gratuitas. No passado, Sófocles,Shakespeare e Molière dirigiram as próprias peças. Mesmo os encenadores modernos,que desde a segunda metade do século XIX renovaram o espetáculoteatral colocando sob a sua batuta o conjunto da montagem, na maioria doscasos diziam estar a serviço do dramaturgo. Chegou-se a proclamar que a melhorencenação se qualificava como aquela que não aparecia. Não obstante algumasliberdades tomadas pelos encenadores que tiveram a sua hegemonia no Brasilnas décadas de 40 e 50, esse era, em síntese, seu ideário estético.

Uma forte tendência do teatro contemporâneo em todo o mundo, comrepercussão entre nós, alterou essas premissas em virtude de novos pressupostosteóricos. O reconhecimento do teatro como arte autônoma, embora devedorade várias formas artísticas, e não mera ilustração da literatura, provocou importantesmudanças práticas. Admite-se hoje que, se o dramaturgo é o autor dotexto, o encenador é o autor do espetáculo. E, pela autoria, compete-lhe assumiruma criação. Criação sui generis, já que fundada em outras, mas que tem o direitode aspirar à plenitude.

Essa criação ora configura-se com maior modéstia, quando o encenadorpreserva o texto integral e apenas troca as vestimentas antigas pelas atuais; oraintervém na peça, reduzindo os diálogos ou juntando outras obras do autor nomesmo espetáculo; ora adaptando, com ou sem auxílio de outrem, literatura degênero diverso para o palco; ora, enfim, assumindo a inteira responsabilidadepor texto e espetáculo. Se o encenador não encontra, em determinado instante,peça pronta que exprima as preocupações do seu universo, é absolutamente legítimoque procure a criação integral.

As referências internacionais mais próximas para o nosso público ou paraos nossos artistas têm sido, no teatro, Victor Garcia, Robert Wilson, Peter Brooke Tadeusz Kantor; na dança, Kazuo Ohno e Pina Baush. Victor Garcia encenouem São Paulo, em 1968, Cemitério de automóveis, que não se limitava ao textode Arrabal com aquele título, mas agregava a ele três outras obras do autor:Primeira comunhão, A oração e Os dois carrascos. Antunes Filho, ao realizar, em1981, Nelson Rodrigues o eterno retorno, sintetizou a sua visão do universo dodramaturgo também em quatro textos: Álbum de família, Os sete gatinhos, Beijono asfalto e Toda nudez será castigada, reduzindo-o, depois, em Nelson 2Rodrigues, a Álbum de família e Toda nudez será castigada.

Em pé, Sandro Polonio (produtor); da esq. para dir., Maria Della Costa, Ziembinsky e Itália Fausta (1948)

Cena de "Vestido de Noiva", de Nelson Rodrigues (1943)

Em sua pioneira trajetória artística, Antunes Filho tem utilizado, segundoas conveniências de cada criação, um dos modelos de intervenção acima resumidos:em Macunaína, a adaptação do romance de Mário de Andrade realizadapor Jacques Thériot e pelo Grupo Pau Brasil, de acordo com as necessidades doespetáculo que concebeu; em Romeu e Julieta, a música dos Beatles em lugar dascomposições da época; em Xica da Silva, peça de Luiz Alberto de Abreu decujas diretrizes divergiu, conservando o nome do autor mas tomando liberdadescom o texto; em Vereda da salvação, enxugando o diálogo de Jorge Andrade;em Paraíso Zona Norte, igualmente enxugando A falecida e Os sete gatinhos deNelson Rodrigues, emprestando-lhes nova ambientação e novas vestimentas; emA hora e vez de Augusto Matagra, dramatizando a narrativa de Guimarães Rosa;em Nova velha história, adaptando sem palavras o conto Chapeuzinho vermelho;e, em Gilgamesh, transpondo para o palco a epopéia do herói do mesmo nome,rei de Uruk, na Mesopotâmia, que precedeu ao menos de um milênio e meio asaga homérica. Cauteloso, Antunes Filho preferiu sempre apoiar-se em obrasliterárias alheias que permitem maior segurança ao seu vôo criador.

Gerald Thomas, outro encenador de talento, soube privilegiar sempre oaspecto visual, a princípio na sua produtiva parceria com a cenógrafa DanielaThomas. Sem sucumbir ao formalismo vazio, o impacto inicial vinha de poderosasimagens articuladas no todo da montagem. Meu primeiro contato com o seutrabalho deu-se no Rio de Janeiro, onde se lançaram Quatro vezes Beckett e umtexto de Heiner Müller, Quartett. A força da dramaturgia conjugava-se perfeitamentecom a originalidade e a precisão dos recursos cênicos empregados. Nãotive a oportunidade de assistir a algumas de suas criações, o que me impede detentar um juízo generalizador. Do que vi, creio que ao utilizar uma dramaturgiasólida sentiu-se mais à vontade para chegar a um resultado artístico pleno. Até natriologia Kafka, O processo, cuja adaptação transpunha a dramaticidade contidano romance original, o rendimento era superior; A metamorfose padecia da poucateatralidade do tema; e Praga não alcançou um universo ficcional definido.Também Flash and crash day não atinge o estatuto de completa obra artística,perdendo-se na brincadeira de que logo se esquece. Está claro que, pela inteligênciae pelo mérito de que já deu mostra, Geraldo Thomas a qualquer momentopode superar suas imperfeições literárias e produzir uma obra-prima de suainteira autoria.

Num instante mais radical de iconoclastia antiacadêmica, Ulisses Cruz aderiua um teatro de imagens que parecia julgar a palavra um apêndice incômodo dofenômeno teatral. Por isso consumiram-se no vazio produções como CândidaErêndira, inspirada em Garcia Marquez. Talvez a fase do exagero prejudicialfosse necessária, para o encenador, não abdicando da própria concepção do espetáculo,retornar a um equilíbrio fecundo. Ele começou a despontar em Desejo,de O’Neill, embora comprometido por desavenças com o elenco. Anjo negro,difícil tragédia de Nelson Rodrigues, mereceu de Ulisses uma leitura de absolutafidelidade e compreensão. E Péricles rejuvenesceu, no mágico espaço cênico deHélio Eichbauer, a trama fantástica da tragédia shakesperiana.

Gianfrancesco Guarnieri contracenando com Miriam Meheler em "Eles Não Usam Black-Tie" (1958)

Neste ponto, reúno alguns dos nomes saídos do atual Departamento deArtes Cênicas da Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo.Em comum, eles têm apenas a circunstância de poderem figurar no grupo dosencenadores-criadores, já que seus caminhos individuais não se confundem. Acreditoque os cursos freqüentados lhes deram base para depois, por conta própria,se entregarem à aventura pessoal.

Cronologicamente, o primeiro encenador a obter êxito amplo foi JoséPossi Neto em 1984, com a montagem da peça De braços abertos, de MariaAdelaide Amaral. Ele soube inocular no palco uma atmosfera mágica, em que aluz dirigia a flexibilidade dos movimentos, evitando os prosaicos pormenoresrealistas, para instaurar a fluência do sonho.

Pena que a morte prematura tenha roubado do teatro Luiz Roberto Galizia– autor do belo ensaio Os processos criativos de Robert Wilson –, que trouxe paraas suas experiências a vitalidade do desempenho. Francisco Medeiros, responsável,a meu ver, pela mais convincente materialização cênica das teorias de AntoninArtaud, não tem trabalhado com a continuidade que seria de desejar. Igual observaçãose aplicaria a William Pereira que, depois de um criativo Leonce e Lenae de êxitos como Uma relação tão delicada e Senhorita Júlia, se especializou nocampo da ópera.

Cacá Rosset, diretor do Ornitorrinco, um dos poucos grupos a ostentar um perfil identificável, vem conseguindo desempoeirar os clássicos, tratados por ele como contemporâneos. De Brecht a Shakespeare a agora de novo ao Jarry,de Ubu – texto que há um século indicava os procedimentos da vanguarda –, eleevitou os riscos museológicos da submissão passiva e escolheu a irreverência quese encontrava no cerne de suas obras, obtendo a cumplicidade franca da platéia.

Diferentemente de Flávio Império, que foi buscar no Teatro de Palladioem Vicenza, na Itália, o modelo para vestir o palco nu recomendado por NelsonRodrigues em A falecida, Gabriel Villela extraiu do texto os signos de seu inventivocenário. No fundo, tacos de sinuca, dispostos à maneira de velas num altar. Nochão, a própria mesa de jogo, e o pano verde, no final, sugerindo o campo defutebol, última jornada do protagonista em desespero. Em síntese admirável,todos os ambientes da tragédia carioca estão contidos no espaço da cena. Emoutras montagens, Gabriel Villela incorporou ao palco reminiscências barrocasde sua Minas natal, fundindo-as na mesma atmosfera mítica. O mambembe,apesar de seus aspectos positivos, entre os quais a mala a simbolizar o título,diluiu a bela construção dramática de Artur de Azevedo, que perdeu a suaorganicidade, sem que entrasse no lugar outro valor palpável.

Antonio Araújo, afinado com uma das vertentes da estética atual, procurafugir dos teatros convencionais e localiza O paraíso perdido – adaptado do poemade Milton – dentro de uma igreja, e o bíblico O livro de Jó – que Luiz Albertode Abreu transformou em peça – nos múltiplos recintos de um hospital. As possibilidadesde exploração do espaço enriquecem sobremaneira o rigor criativo deAntonio Araújo.

Renato Borghi contracenando com Liana Duval em cena de "O Rei da Vela" (1967)

Eduardo Tolentino de Araújo, que havia feito em Viúva porém honestauma das leituras mais originais de Nelson Rodrigues, conduz com mão firme oGrupo Tapa originado no Rio de Janeiro há mais de uma década, e recebe oreconhecimento da crítica ao realizar expressivo panorama do teatro brasileiro.Um juízo superficial o consideraria menos audacioso que outros encenadorescriadores.Basta ver os espetáculos Vestido de noiva e Rasto atrás para concluirque, sob a aparência nada bombástica das duas montagens, surge uma imagemprofunda dos textos. Pela primeira vez a obra de Nelson Rodrigues conseguiudesligar-se, de forma convincente, do fantasma da encenação histórica deZiembinski. O aproveitamento plástico dos espelhos sugeriu, com extrema mobilidade,o intercâmbio permanente entre os planos da realidade, da memória eda alucinação. E o exigente texto de Jorge Andrade, que recorre ao protagonistaem várias idades e, em certas cenas as coloca todas no palco em diálogo simultâneos,não perde em momento algum a clareza. Tolentino teve a coragem deenfrentar verdadeiros tabus da dramaturgia brasileira e imprimir-lhes um tratamentocontemporâneo.

Vários outros encenadores, que vêm de fases de diferente inspiração, nãoperderam a atualidade e continuam forças vivas do nosso palco. Mencionam-se,entre eles, José Celso Martinez Corrêa, Antonio Abujamra, Celso Nunes, FauziArap e Marcio Aurélio. E deixei de lado encenadores mais conhecidos do públicono Rio, entre os quais Aderbal Freire-Filho, Moacyr Góes, Bia Lessa e MarcioVianna, há pouco falecido, que vimos em São Paulo na esplêndida montagem deO futuro dura muito tempo, sobre a tragédia de Louis Althusser.

A par da necessidade de procurar novas fontes, depois da abertura política,há de se entender que a passagem dos encenadores-criadores ao primeiro plano,iniciada com Macunaína, intimidou um pouco os dramaturgos. Em grande parte,sentiram-se desestimulados a cumprir a própria trajetória, que não se ajustavaà tendência todo-poderosa dos diretores. Veja-se o caso de Maria Adelaide Amaral.Era natural que depois do imenso êxito da peça De braços abertos, em 1984,todos os seus textos fossem imediatamente apresentados. No entanto, ela precisouesperar várias temporadas para que subissem à cena Querida mamãe e Intensamagia, que obtiveram também grande sucesso. A falta de resposta imediata àlegítima aspiração de ser encenado obriga o autor a tentar outros veículos, dosquais o mais pródigo é a televisão.

Exceção, nesse quadro, chama-se Nelson Rodrigues. Desde a estréia de Oeterno retorno, em 1981, logo após a sua morte, passou a ser mitificado. Descobriu-se que era um clássico, e os clássicos se prestam às mais controvertidasexegeses, pela riqueza inesgotável de sua obra. Cada encenador pretendeu mostrara sua leitura de Nelson, a ponto de dizerem que os herdeiros deveriam retirálodo mercado de espetáculos, sob pena de o público sofrer uma indigestão. Essetemor felizmente não se confirmou, porque a temporada de 1994 foi das maisfelizes no sentido de oferecer uma reavalização positiva do dramaturgo, em virtudedas montagens de A falecida, por Gabriel Villela; Anjo negro, por UlissesCruz; Senhora dos afogados, por Aderbal Freire-Filho; e Vestido de noiva, por Eduardo Tolentino de Araújo. À semelhança do que sucede a Shakespeare, cadapeça de Nelson deveria ser periodicamente remontada.

Antunes Filho iniciou o processo de relançamento de Jorge Andrade comVereda da salvação, e Eduardo Tolentino secundou-o com Rasto atrás, textoque de forma absurda se encontrava até recentemente inédito em São Paulo,estado natal do dramaturgo. Passado o purgatório a que é condenada a maioriados autores após a morte, terá chegado o momento de sua ascensão ao paraíso?Oduvaldo Vianna Filho, após o êxito extraordinário de Rasga coração e PapaHighirte, também somente lançadas depois do afrouxamento da censura, permaneceuem injusto ostracismo até a recente remontagem de Corpo a corpo, feitapor Eduardo Tolentino. Embora seu teatro empenhado não corresponda ao gostodo dia, os valores perenes que defende deveriam ser sempre ouvidos.

Oduvaldo Vianna Filho, o Vianinha

Cacilda Becker em "A Importância de Ser Prudente" (1950)

Outros dramaturgos, por motivos diversos perderam o interesse dominantepelo teatro. Ariano Suassuna desviou-se, ao menos temporariamente, do palcopela necessidade de exprimir-se no romance, em que se notabilizou com as criaçõesdo Romance d’a pedra do reino e o Príncipe do sangue do vai-e-volta e O reidegolado. Gianfrancesco Guarnieri não tem sido bem-sucedido nas últimas incursõesautorais. Augusto Boal passou a concentrar-se na teoria e na prática doTeatro do Oprimido, a contribuição única de um brasileiro a obter acolhidainternacional.

Dias Gomes, sempre escrevendo para o palco, ao lado da criação regularde telenovelas, sente-se pouco à vontade no atual sistema utilizado para produzirespetáculos, tema que examinarei adiante. Plínio Marcos prossegue na ordem dodia, ainda sem a veemência dos anos 60. Lauro Cezar Muniz e outros nomes têmse dedicado de preferência à televisão, veículo que, aliás, assegura a sobrevivênciade muitos artistas impossibilitados de garanti-la somente no teatro.

Naum Alves de Souza, que nos anos 70 trouxe para a cena uma sensibilidadedelicada, não está conseguindo consolidar a sua dramaturgia nos últimos anos. As dificuldades quase insuperáveis para uma produção séria, hoje em dia, têmsilenciado numerosos nomes promissores.

O espaço aberto pela dramaturgia séria, que não conseguiu articular umanova linguagem ao liberar-se da censura, passou a ser ocupado por um gênerodiferente da comédia e da revista, e que no batismo recebeu o nome muitosignificativo de besteirol. Sobretudo a cena carioca, talvez mais afeita às manifestações ligeiras, depressa entronizou a fórmula fácil, que se espalhou um poucopor toda parte.

Acostumando-me, no decorrer dos anos, a aceitar minhas limitações, confessoque tenho pelo besteirol indisfarçável horror. Por mais que ensaístas respeitáveislhe atribuam uma categoria artística, acho-o apenas o produto de melancólicaalienação, cuja responsabilidade deve caber, em grande parte, aos tristestempos da ditadura. Não há nele o saudável nonsense do absurdo nem outroingrediente apreciável, mas apenas a algaravia que beira a debilidade mental. Épreciso reconhecer que se está mostrando cada vez mais escassa a lamentávelperda de tempo com o besteirol.

É com prazer que registro a recuperação de Mauro Rasi que, depois dapromissora estréia de A massagem, havia aderido ao gênero. Ele reencontrou-seao dramatizar a memória na triologia formada por A estrela do lar, A cerimôniado adeus e Viagem a Forli. O mergulho autobiográfico deu consistência a essaeducação sentimental do autor, a qual acaba de se acrescentar, formando umatetralogia, a peça Pérola, deflagrada pela morte de sua mãe. Ainda um tantoperdido, talvez pela dispersão excessiva a que entrega, Miguel Falabella, principalmente no monólogo Loiro, alto, solteiro, procura..., em que se socorre também de seu real talento de intérprete, parece às vésperas de engrossar a cadeia daboa dramaturgia.

Problemas e Desafios

Sob o prisma artístico, a conclusão é a de que os vários desajustes estãosendo superados. O encenador, passada a ressaca da bebedeira criativa, deseja oequilíbrio com os outros elementos do espetáculo. A harmonia de todas as funçõesé o ideal perseguido. Por isso os diretores mais conscientes estão preocupadosem aprimorar métodos de interpretação, já que a última palavra no diálogocom o público é dada mesmo pelo ator. Os malabarismos da imaginação ficammudos se não se corporificam num bom desempenho. O dramaturgo toma cadavez mais consciência de que precisa escrever para a cena, tendo como mediadoraquele que sabe materializar o seu mundo e o outro que empresta voz à suapalavra.

Não estou desmobilizando qualquer tendência e creio que, vencidos osexcessos, todos contribuirão da melhor maneira para concretizar o teatro dosnossos sonhos, afinal, uma arte coletiva. Os verdadeiros problemas do palco nãose encontram nele, quando se equacionam e se resolvem as divergências estéticas. Talentos maiores e menores o Brasil produz, sem conta. Tivessem eles oportunidadede atingir o público, nossa realidade cênica seria muito mais rica,diversificada e ninguém endossaria a crença segundo a qual o brasileiro não gostade teatro. É verdade que o saudoso Anatol Rosenfeld diagnosticou terem o cinemae a televisão dominado os nossos hábitos, antes que se consolidasse o prazerdo palco, o que não ocorreu na Europa. Penso, entretanto, haver outros motivosque dificultam o entendimento perfeito entre palco e platéia.

O mais grave refere-se às dificuldades para a produção. Mesmo no tempoda ditadura, o Estado subsidiava o teatro. Não importa recorrer a raciocínio deordem moral, havendo os que pensam existir, nas subvenções, tentativa de compradas consciências. Tenho para mim que essa era uma prática já consolidada,que ninguém pensava em alterar. Lembre-se que na França, na Alemanha, naItália e na Inglaterra, entre outros países adiantados, nunca se pôs em dúvida oapoio maciço à cultura. Na Alemanha dividida, a parte ocidental reservava para abilheteria a função de cobrir apenas 20% do orçamento dos teatros oficiais, responsabilizando-se o Estado pelos 80% restantes. Os Estados Unidos, paradigmada livre iniciativa, compreenderam a necessidade de amparar a cultura: o NationalEndowment for the Arts e as fundações colocaram sob as suas asas as iniciativassérias, excluindo somente as de caráter abertamente comercial.

O advento da abertura pôs em circulação no Brasil uma filosofia perversa,como se a proteção à cultura nascesse de um lobby corporativista. O protecionismocampeava nas atividades econômicas que poderiam dispensá-la, ao passo queo Ministério da Cultura ficou reduzido à ridícula verba de 0,04% do orçamentoda União. Evidentemente, com numerário que mal dava para o seu próprio custeio,o Ministério teve de abdicar de uma política de cultura, no que foi acompanhadopelos governos estaduais.

Diante do impasse criou-se a panacéia do recurso às leis de incentivo fiscal,delegando à iniciativa privada o papel de estímulo à cultura, em troca de benefíciosde natureza fiscal. Considero essas leis muito úteis como coadjuvante noprocesso de valorização artística, mas nada justifica, por causa delas, que o Estadose omita. A continuidade da vida teatral não pode se subordinar ao arbítriodos dirigentes de empresas particulares, por mais esclarecidos que sejam.

Fernanda Montenegro, atriz que ocupa posição privilegiada em nossa cena,assim se manifestou sobre o assunto, em matéria publicada em 6 de janeiro, nojornal O Estado de S. Paulo: “Não estou defendendo uma total participação estatalno setor cultural, mas é preciso que exista uma coalizão, porque a empresaprivada está interessada em outros resultados. Quando se pede um patrocínio, aempresa quer um nome famoso e um texto sem compromisso. Dias felizes foge àregra, mas não é comum que uma empresa se interesse por Beckett”.

No mesmo jornal, em 20 de janeiro, Renato Borghi foi mais incisivo: “Naépoca da ditadura, você se apresentava previamente para o Deops e agora tem dese apresentar para o Café Caboclo, para a Phytoervas. O produto tem de corresponder ao que muitos apoios esperam de você como retorno. Então, essapalavra retorno, que é quantitativa, passa a exercer um fascínio. Dizem: ‘Te douo vinho tal durante a temporada, mas tenho que assistir antes a tua peça’. Ouseja, estou sendo julgado por firmas de vinho, café, maquiagem etc. Jogar acultura para o patrocínio privado e o Estado se isentar completamente é umapolítica equivocada e uma traição para com a sociedade, que paga tributos e querver atuantes as secretarias de cultura dos governos. A arte é essa coisa maluca,insubordinada. E, de repente, tem de ficar domada, relacionada a esse retornoquantitativo”. Um possível patrocinador do atual espetáculo de Renato Borghi –Édipo de Tabas – perguntou se o protagonista não poderia se eximir de furar ospróprios olhos, anulando a beleza e o significado da lenda e da tragédia sofocleana.

Seria injusto omitir que a atual administração do Ministério da Culturaestá ciente da insatisfação provocada pela ausência de uma política específica deartes cênicas e pretende em breve implementá-la. Tomara que ela atenda aoreclamos do pessoal de teatro. E que seu exemplo seja seguido pelos organismoscongêneres dos estados e dos municípios.

Cumpre admitir que outra dificuldade para o desenvolvimento harmoniosodo teatro vem de sua insatisfatória divulgação. Utilizarei minha longa experiênciana imprensa como comprovante das alegações. A partir de 1950, no DiárioCarioca, eu mantinha uma coluna diária, preenchida com críticas, noticiário,reportagens e entrevistas. No jornal O Estado de S. Paulo, em que Décio deAlmeida Prado se demorava na análise fundamentada dos espetáculos, criei, em1954, uma coluna diária de informações teatrais, de cerca de 100 linhas, secundadapor colunas sobre música erudita e artes plásticas. A partir de 1956 eu faziasemanalmente, no Suplemento Literário, um longo comentário alusivo a quaisquertemas de teatro. Os empresários obtiveram da direção do jornal um descontosubstancioso no anúncio dos famosos tijolinhos, e a publicidade, assim,não pesava no orçamento das companhias. Naquele tempo, a televisão e a músicapopular, de qualquer gênero, não tinham a honra de figurar no noticiário.

Os custos da produção jornalística elevaram-se, o espaço passou a ser disputadopor maior número de eventos e o teatro perdeu, no decorrer das últimasdécadas, a condição de arte privilegiada. Durante algum tempo, por exemplo, oJornal da Tarde publicava uma seção semanal de teatro, substituída nos outrosdias por seções semelhantes das demais artes, e todas foram suprimidas, enquantose divulga uma seção diária de gente de tevê. Por múltiplos caminhos, o teatrose elitiza, o que na prática redunda em redução de espectadores e desestímulo aopreparo de maior número de montagens.

A década de 50 conheceu verdadeira explosão imobiliária, que acarretou oaparecimento de numerosas casas de espetáculos. Outros bairros continuam asurgir, mas ao crescimento demográfico não corresponde à construção de novosteatros. Ao contrário, a inviabilização econômica tem determinado o fechamentode vários espaços. Não se trata de perseguição ao teatro: o trabalho está cadavez menos disponível, num país que decidiu adotar um modelo equivocado.

Num sistema que privilegiaria a iniciativa privada, paradoxalmente os proprietáriosparticulares são forçados a se desvencilhar de seus teatros. Os custos demanutenção inviabilizam a continuidade. Por sua vez, por falta de verbas orçamentárias, desviadas para outras supostas prioridades, o Estado deixa em abandonoas salas que construiu ou resolveu arrendar. Em São Paulo, a maioria dosbons teatros pertence a entidades: Sesc, Sesi, Aliança Francesa, Círculo Italiano,Hebraica. Advirto que, a prevalecerem as restrições que se pretende impor aalguns desses serviços, as iniciativas louváveis que eles desenvolvem, como oCentro de Pesquisa Teatral e o Teatro Popular, passam a correr sérios riscos.

É forçoso lembrar, por último, o incalculável dispêndio de energia a que sesubmete o pretenso espectador, numa megalópole, para sair de casa. Não sechega aos lugares em tempo razoável, as vias de acesso estão freqüentementebloqueadas e não se tem segurança no trânsito. Entende-se, nesse quadro, apreferência por ligar a televisão, que ademais é de graça. Tudo parece conspirarcontra a sobrevivência do teatro.

Há de se convir que os problemas o transcendem e sua solução dependede estratégias que desafiam os governantes. Uma verdade parece insofismável:sejam quais forem as tendências contemporâneas do palco brasileiro, a perenidadedo teatro está assegurada pelo insubstituível diálogo dentre o ator e o público.

Escrito Por SÁBATO MAGALDI

Sábato Magaldi é crítico, historiador e professor de teatro. Deu aulas na Sorbonne (Universidadede Paris III) e na Universidade de Aix-en-Provence. Em julho de 95, tomouposse na Academia Brasileira de Letras. É autor de vários livros, entre eles Panorama doteatro brasileiro, Iniciação ao teatro, Nelson Rodrigues: dramaturgia e encenação e Otexto no teatro.

ESPECIAIS DO BLOG

2011-12-19T01:04:00.000-02:00

O ano de 2011 chega ao fim e o Blog da Cia. De Teatro Atemporal chega com seu especial de Natal e novidades para o ano de 2012!

Desde 2008, o Blog vem sendo grande referencia, para os grandes admiradores da arte do teatro, não somente no Brasil, mas dos EUA, Espanha, Angola, dentre outros países do mundo.

Depois do sucesso do grande especial de Natal "A Magia da Broadway" de 2010, no Natal deste ano o nosso Blog trará para você, um grande especial sobre o "TEATRO BRASILEIRO"! Um material incrível escrito pelo crítico, historiador e professor de teatro, Sábato Magaldi.

Artistas como Cacilda Becker, Gianfrancesco Guarnieri, Ziembinsky, Miriam Meheler, Oduvaldo Vianna Filho, Renato Borghi, Liana Duval e peças históricas como o fenômeno Vestido de Noiva de Nelson Rodrigues, Macunaíma, Rapsódia de Mario de Andrade e Eles Não Usam Black-Tie, são algumas das muitas referências citadas por Sábato Magaldi.

Este belíssimo especial de Natal, será publicado aqui no Blog no dia 25 de dezembro de 2011!

E para começar 2012 no mundo dos teatros, embarcaremos outra vez e de vez, na mega série de estudos e matérias sobre os TEATROS DO MUNDO, onde no ano de 2009, iniciamos a primeira parte de nossa viagem nos teatros antigos do mundo e na segunda parte, conhecemos os teatro modernos do mundo. A série teve de ser interrompida por motivos pessoais, no fim de 2009, mas agora ela volta com tudo! E lhe mostrará os principais teatros modernos da atualidade! Esta série, é magnifica e simplesmente imperdível!

TEATROS DO MUNDO retorna ao Blog em primeiro de janeiro de 2012!

Então, voce que é apaixonado por Teatro, não deixe de conferir, essas e outras grandes novidades de nosso Blog! Contamos com você e com seus amigos!

Um ótimo Natal e um maravilhoso ano de 2012!

Fotos: Marina Freire, Elizabeth Henreid e Ziembinski em"O Banquete" e Theatres (Divulgação)

MUNDO ATEMPORAL

2011-12-18T01:51:00.000-02:00

Eu reconheço que me precipitei, de maneira gravíssima, em no dia primeiro de janeiro de 2011, ter anunciado de maneira oficial o fim da Cia. De Teatro Atemporal e de seus termos veiculados. Venho aqui pedir perdão por essa minha atitude indevida, a qual gerou tamanho descontentamento em nossos amigos atemporais.

Quando achamos que chegamos ao limite, o que vem a nossa cabeça é: Aqui é o limite, é o fim. Mas se dermos ouvidos a DEUS, ELE nos diz que: para tudo, não há limite, não há fim.Pela incompreensível misericórdia de DEUS, a Cia. De Teatro Atemporal continuará viva para sempre, mesmo com apenas um integrante, eu, Clemente.

Há um grande projeto para que a nossa companhia retome os trabalhos de teatro em um futuro próximo. Para isso, teremos de ter, um conjunto renovado, humilde, qualificado, sólido e consistente, para fazer com que o mundo inteiro possa apreciar espetáculos “atemporais” como nossa a companhia e a arte do teatro realmente são.

Desejo a você, um ótimo Natal e um espetacular 2012!

ESCREVER É A MINHA VIAGEM

2011-11-28T00:00:00.000-02:00

Quando paro diante da tela em branco do meu computador, pronto para começar mais uma história, tenho a certeza, mesmo que ainda não saiba e nem tenha a mínima idéia sobre o quê eu vou escrever, que vou entrar numa grande viagem, pois toda vez que inicio uma nova história, viajo como nunca. Escrever é definitivamente o meu barato.

Escrevo porque quero, porque gosto e porque me faz muito bem. Sempre foi assim. Escrever histórias me faz ver coisas que no dia-a-dia passam meio que batido pela minha vida. Adoro poder inventar situações, criar conflitos, atar e desatar nós, experimentar minhas experiências em cada um dos personagens que me visitam a cada história.

O que me basta é poder escrever a minha história e neste momento, pouco me importa, aliás, na verdade, nem me interessa, se vou receber críticas, se vão gostar, até se um dia alguém vai se dispor a ler minha história. A viagem de escrever a história é maior. Poder viajar nas dores e nas delícias de cada ser e brincar com a sorte de cada um é uma sensação inexplicável, só quem viaja pelas palavras pode compreender.

Ás vezes, tenho a sensação que a viagem é tão intensa e que a história flui de uma tal maneira que parece ser soprada. Tudo vai saindo, sem sinopse, sem argumento, sem escaleta e sem qualquer outra ferramenta teórica que ensina a melhor maneira de escrever uma narrativa. A idéia vem e a viagem é tanta, que só paro no ponto final. Aí sim, vou lê-la.

Não saber aonde a história vai me levar é a grande adrenalina que alimenta a minha viagem. Ter a folha em branco e uma idéia na cabeça me estimula a colocar no papel tudo que de uma forma ou de outra chegou a mim. Tudo dá uma história e viajar por cada uma delas é a melhor recompensa que alguém que se dedica a escrever, pode receber. Elogios são bons, mas na maioria das vezes todos tem uma segunda intenção.

Viajar na história que escrevo, me regenera, pois, como todo mundo, não é fácil agüentar os problemas da vida moderna e quando fico cansado de nadar contra a correnteza das dificuldades da vida é chegada a hora de criar asas e voar na minha imaginação, sentar em frente ao computador, olhar firme para aquela tela em branco e começar a minha viagem.

Bom, preciso parar por aqui, pois o dia não foi nada fácil, os braços já estão cansados de tanto nadar contra a corrente e é chegada a hora de criar asas e alçar novo vôo para mais uma viagem inesquecível. Se um dia alguém vai ler o que o vou escrever, não sei. Quem sabe? Mas qualquer hora dessas, eu conto como foi mais essa viagem.

Escrito por Paulo Sacaldassy

Colaborou: Oficina de Teatro; Foto: Bastidores do espetáculo "Réquiem" fotografado em Maio de 2009 em São Paulo.

ENSAIAR É PRECISO

2011-11-21T00:00:00.000-02:00

Não é de hoje que ouço comentários de diretores e de alguns atores mais experientes, sobre a dificuldade que há de se reunir pessoas para montagem de um espetáculo teatral. Mas se tem tanto jovem querendo fazer teatro, por que tanta dificuldade? Estranho, não é mesmo? Só que esta, eu mesmo respondo: É que essa galerinha que chega ao teatro, quer logo de cara entrar em cena.

Ora! É preciso que eles saibam que a montagem de um espetáculo teatral não é tão simples assim. É certo que muitos, vindos de experiências em montagens escolares e, portanto, achando-se plenamente capacitados a assumir qualquer papel que lhes for designado, não aceitam qualquer coisa. Pura bobagem. O que precisa ficar claro é que tornar-se um ator e manter-se como tal, demanda tempo e estudo.

Eu até entendo a ansiedade dessa galerinha que quer ver aquilo que está escrito e decorado, ganhando corpo e se tornando um espetáculo, mas se ela não se dispor a ensaiar, o espetáculo não saí. E alguns, por pura preguiça, largam produções pela metade, por acharam um saco ficar ensaiando, ensaiando e ensaiando.

Só que ter o texto decorado na ponta da língua, ou fazer gracejos sobre um palco, ou ainda brincar de faz-de-conta, não é nada em termos de teatro. Antes de reunir condições para assumir a responsabilidade de interpretar qualquer papel, o aspirante precisa entender que é fundamental e necessário, ensaiar, ensaiar e ensaiar, quantas vezes forem necessárias. Às vezes, se leva mais tempo ensaiando, do que o tempo que as apresentações ficam em cartaz.

Aliás, a vida de um ator é ensaiar, se exercitar, ensaiar, estudar, ensaiar, interpretar e ensaiar. Uma roda vida sem fim que faz com que a cada dia, o ator apure mais e mais o seu talento, lapidando cotidianamente a sua arte de interpretar. Teatro não é uma arte que se faz de supetão. Não é apenas lendo e decorando o texto que se é capaz de interpretar.

Se vocês repararem bem nas “interpretações” de grandes figurões das artes cênicas que estão em cartaz nas várias novelas na atualidade, vão perceber o quanto a falta de ensaio faz falta. Nem mesmo a experiência de anos é capaz de sustentar uma boa interpretação. Como na TV é tudo rápido, sem tempo de ensaiar, é possível ver “interpretações”, se dá para chamar assim, que dão nos nervos.

Por isso, se você quer mesmo fazer teatro, mesmo que ainda não queira seguir carreira profissional, precisa ter a consciência de que se faz necessário muito ensaio antes de se colocar um espetáculo em cartaz. Não tenha tanta pressa em aprender, pois se você seguir a profissão, vai precisar fazer isso diuturnamente. E não interessa qual papel você for interpretar, seja o papel principal, ou apenas uma florzinha estática que compõe o cenário, vai precisar de ensaio, ensaio e ensaio.

Escrito por Paulo Sacaldassy

Colaborou: Oficina de Teatro; Foto: Bastidores do espetáculo "Réquiem" fotografado em Maio de 2009 em São Paulo.

A INTENSIDADE É QUE FAZ A DIFERENÇA

2011-11-14T00:00:00.000-02:00

Muitos atores clamam por oportunidades para demonstrarem os seus talentos, mas quase sempre se sentem frustrados ao saírem dos testes ou de ensaios. O que lhes acontece? A soberba por se achar auto-suficiente e perfeitamente capaz de encarar qualquer papel, desde que este seja de certo destaque, pode ter o atrapalhado? Pode sim! Mas, e se ele tem a humilde suficiente para reconhecer que está sempre aprendendo, o que lhe faltou?

Anos de estudos e preparo, talento nato, desprendimento e desenvoltura, talvez realmente não sejam suficientes para ganhar um papel, talvez o que lhes falte é uma coisa bem mais simples que possa parecer. Falta-lhes a intensidade. Aprendi que nas artes cênicas, tudo que está em cena tem importância e contribui para o desenvolvimento da história, mesmo que isso seja uma árvore e esta árvore seja eu.

Encarar com intensidade a cena, como se ela fosse a última cena da sua vida, mesmo que seja apenas a primeira, pode fazer a diferença na hora de se escolhido. A superficialidade que muitas vezes é dada ao personagem que se faz, deixa claro, que por mais talento, desenvoltura e desprendimento que a pessoa tenha, se ela não for intensa, será apenas mais uma querendo mostrar que pode ser artista.

Embora as artes cênicas seja a arte do faz-de-conta, um ator jamais pode brincar de faz-de-conta quando está em cena. Não importa qual o tamanho de seu papel, se tem ou não alguma fala, o que importa é que se ele está ali, dentro daquela história é porque ele tem importância para história. Nunca desdenhe das oportunidades, pois nas artes cênicas não existe papel pequeno.

Aquele que se sente inferiorizado, ou ainda se “acha” muito maior que o papel que lhes querem dar e não o aceita, precisa rever os seus conceitos sobre a arte que pratica. Precisa aprender que fazer o seu papel com intensidade o fará ser notado, e quem sabe assim, não tenha o seu talento reconhecido e, então, seja chamado para um outro papel de maior destaque numa outra história?

São através de chances pequenas, papéis de menores destaques nas histórias, que os grandes atores abocanham suas oportunidades, pois vivem cada chance com toda a intensidade, como se lhes fossem dada, a última oportunidade para mostrar que podem sim, serem artistas de verdade. Por isso, se você quer mesmo se ator ou atriz, prestem atenção nas chances que lhe são dadas e encare cada oportunidade com toda a sua intensidade.

Escrito por Paulo Sacaldassy

Colaborou: Oficina de Teatro; Foto: Espetáculo "Espía a Una Mujer Que Se Mata" (2007)

O TEATRO É POP, OU NÃO É?

2011-11-07T00:00:00.000-02:00

Nos cadernos de cultura de todo jornal, nos noticiários da televisão, ou pelas ondas do rádio, falar de teatro não deve dar IBOPE nenhum. Pelo menos é o que parece, pois sempre quando se fala de teatro, a notícia é quase sempre dada assim: de "an passam". Mas como explicar tamanho interesse pelo fazer teatral? E não venham me dizer que não!

Diariamente em meu blog posso constatar as inúmeras buscas por textos teatrais, teatro adulto, comédias, monólogos, etc, etc e etc. Isso é um claro sinal que a arte do teatro é vivíssima na vida das pessoas, não é preciso estar na mídia para seduzir, o teatro por si só, já seduz. Então, não me venham dizer que o Teatro não é pop. É pop, sim senhor!

Cada vez fica mais claro que o teatro não precisa de exposição na mídia, de notícias de meia página, ou espaços em rádios. O caminho que o teatro optou, ou melhor, o caminho por onde ele foi levado, tem germinado bem mais frutos. Bendita seja a hora em que alguém resolveu levar o teatro aos bancos escolares, às periferias, ao povo.

Mesmo com a complexidade dos clássicos, com a invariável insanidade dramatúrgicas de algumas histórias absurdas, com as metáforas e as ironias, e até com espetáculos de díficil compreensão pelo grande público, que por vezes, fazem às salas de teatro ficarem vazias, o teatro vai entrelaçando as suas mãos sedutoras e conquistando mais e mais pessoas.

Hoje, o Teatro que sempre foi uma arte marginal e marginalizada, corre solto pelas cidades do interior, pelas periferias, pelas escolas e, cada vez mais popular. Em qualquer cidade, por menor que seja, lá está o teatro, popularizando o seu "fazer". Está certo, que por vezes, com risos fáceis, com histórias rasas e repertórios muito aquém dos adoráveis clássicos gregos. Mas, a arte de representar está ali, da forma mais pop.

Pouco importa as campanhas de popularização de teatro, com ou sem elas, o teatro vais se fazer presente sempre. A arte de representar está na alma deste povo, já vem de berço. Não interessa se a mídia vai dar espaço ou não, o teatro vai lá e conquista seu espaço na marra. Mesmo porque, qual novela não quer ter um bom ator representando um papela em sua tela? Isso é ou não é ser pop?

Escrito por Paulo Sacaldassy

Colaborou: Oficina de Teatro; Foto: Espetáculo "Lipstick Station" (2010)

O TEATRO SEMPRE SERÁ LÚDICO

2011-10-31T00:00:00.000-02:00

A rigidez da vida moderna que nos obriga a acompanhar, mesmo que ás vezes a contragosto, a velocidade do dia-a-dia e que nos torna cada vez mais isolados no meio da multidão de contatos e amigos e não amigos virtuais, que temos nas diversas redes sociais, nos afasta cada vez mais uns dos outros. Estamos sempre sem tempo para nada e muitos, acabam vendo a vida passar ao largo.

Estamos cada vez mais impacientes, mais intolerantes, mais desrespeitosos, mais egoístas e cada vez mais perdidos em meio as nossas vontades e anseios. Muitos, já esqueceram o lado bom da vida e só enxergam problemas, carregando no rosto uma aparência carrancuda e reclamam, reclamam e reclamam. Mas o que o teatro tem a ver com isso? Bem, vamos lá!

Não é de hoje que o teatro, uma das sete artes, é usado como o mais eficaz instrumento de representação da vida humana. É através do teatro que contamos as mazelas da humanidade, as comédias da vida alheia e pelo qual fazemos o ser humano colocar o pensamento em movimento para debater e questionar a sua verdadeira condição.

É fato que a maioria não dá ao teatro toda a importância que a grandeza desta arte merece. Penso ser por conta desta vida atribulada, onde os compromissos urgentes são maiores que os importantes, tornando as pessoas mais acomodadas com suas vidas minuciosamente planejadas e despreocupadas com o que os outros pensem ou possam pensar delas.

Na minha opinião, o teatro, e só o teatro, tem condições de fazer que reconheçamos as nossas imperfeições, pode até parecer loucura, mas o poder daquela caixa mágica é realmente extraordinário, e não apenas para quem faz uso da arte de interpretar, quem tem a oportunidade de experimentar a experiência de se deixar levar pelo lúdico do teatro, abre a mente para o mundo.

As pessoas precisam olhar para as artes de uma maneira geral, como algo que só tem a acrescentar às suas vidas, e o teatro com o seu poder lúdico, que faz qualquer um viajar em uma história que não seja a sua, que faz qualquer um rir de uma vida que não seja à sua e que faz qualquer um pensar melhor a sua vida, só pode fazer bem.

É por essas e por outras que o teatro sempre será lúdico e encantará que estiver disposto a enfrentar, desarmado, todas as suas faces, pois aquele que aceita se ver diante do espelho, com certeza, será um ser humano cada vez melhor e terá condições de transformar o mundo em que vive.

Escrito por Paulo Sacaldassy

Colaborou: Oficina de Teatro; Foto: Espetáculo "CARDENIO" (2009)

A CRIAÇÃO ARTÍSTICA NA ALÇA DE MIRA

2011-10-24T00:00:00.000-02:00

Há tempos atrás, a criação artística era a expressão exata daquilo que um artista pensava quando escrevia um texto, quanto rodava um filme, quando compunha uma música, quando dirigia uma cena, quando representava um papel, mas hoje em dia às coisas andam muito diferentes, a criação artística está na alça de mira.

Agora, antes mesmo de exercer a plenitude de sua criação artística, o artista precisa examinar minuciosamente todas as possibilidades da sua obra, analisar se tal coisa não vai ofender fulano, ou se tal comentário não vai expor sicrano, ou ainda se garantir que não há nada que venha a desagradar beltrano. Isto está ficando muito chato.

A arte está perdendo o seu poder de seduzir, de encantar, de emocionar, de contestar, de protestar, de se indignar, por conta de um pensamento mesquinho e reacionário, preocupado em usar a força da censura para inibir e cercear o que o artista tem de mais sagrado, a sua criação. Não consigo entender, que após anos de ditadura, ainda insistam em querer calar o pensamento.

É certo que há excessos que precisam ser reprimidos, mas a liberdade de criação deve ser respeitada e quem deve tomar essa decisão do que serve ou não serve é o povo. É óbvio também, que manifestações de ofensas e que denigram e exponham o ser humano no seu direito garantido na Constituição, devam ser punidas na forma da lei, mas na forma da lei e não com a força da tesoura da censura.

Podemos está perdendo o bonde da história e deixarmos de realizar a maior revolução cultural que esse país já presenciou, por conta de pensamentos ultrapassados e pontos de vistas equivocados, pois com a movimentação das camadas sociais, onde pessoas estão tendo um maior poder de compra e se mostrando consumidores contumazes, ao invés de se oferecer cultura de verdade, abre-se espaço para essa cultura descartável, mas que não fere os princípios da tradição, família e propriedade.

Tolher a criação artística usando como justificativa a preservação do que para alguns representa o que seja politicamente correto ou ainda querer induzir o que seria o melhor para tal idade ou para tal horário é caminhar na direção contrária do que realmente faz uma nação, o conhecimento, pois é ele que dá o poder de discernimento para que se escolha o que serve, o que não serve, o que agride, do que não agride.

Mas, ainda espero que o artista na grandiosidade de sua infinita capacidade de manifestar sua criação artística, consiga vencer os problemas das patrulhas, dos politicamente corretos, da censura e transmita ao povo cultura suficiente, para que este povo, que hoje tem seu direito de opinião subjugado, absorva cultura suficiente para dizer: Basta de Censura! Basta de Controles, Basta!

Escrito por Paulo Sacaldassy

Colaborou: Oficina de Teatro; Foto: Espetáculo "Espía a una mujer que se mata" (2007)

A AVERSÃO AO NOVO

2011-10-17T00:00:00.000-02:00

Pode parecer até um paradoxo, mas a coisa é assim mesmo. Embora muitos clamem pelo surgimento de novos nomes, principalmente quando o assunto é teledramaturgia, existe uma aversão danada para qualquer novidade na área. O novo, sempre tem um pré-julgamento, até mesmo antes que sua obra seja apresentada. E é invariavelmente recebida com um pé atrás.

Antes mesmo que sejam apontados os pontos positivos que o novo se propõe a apresentar na sua obra, os pontos negativos do que ele está fazendo é sempre carregado de tinta. Qualquer deslize, por menor que ele seja, ele é impiedosamente atacado, ás vezes de tal forma, que o novo jamais conseguirá uma outra chance.

É certo que não é por ser novo que trabalhos sejam feitos sem qualidade, mas algumas deficiências são inerentes à condição de novo, e só com muita experiência e exercitando seguidamente o seu talento, é que o novato reunirá condições de consolidar o seu nome. Quem quer apostar no novo, tem que ter a consciência das imperfeições iniciais, pois, até mesmo os mais experientes, volta e meia, escorregam em seus trabalhos.

Quando se trata de teledramaturgia, e não me restrinjo só às novelas, também incluo, séries, minisséries, seriados, e qualquer outro trabalho de Dramaturgia na TV, o funil é por demais estreito e esta aversão ao novo, só contribui ainda mais para as dificuldades de uma renovação. Sempre que há tentativas de incluir um novo roteirista à frente de alguma produção, a batalha é árdua.

Ás vezes, esta aversão ao novo, parte até mesmo de roteiristas iniciantes que no afã de alcançarem as suas oportunidades, saem logo apontando erros, defeitos e deslizes, no trabalho daqueles novatos que conseguiram a tão sonhada chance para mostrarem o seu trabalho, e o fazem sem pensar, pois, com certeza, iniciantes que são, certamente também cometeriam os mesmos erros, defeitos e deslizes.

Por outro lado, a crítica especializada, reforça ainda mais essa aversão, fazendo cobranças infindáveis nos trabalhos dos novatos, contribuindo para que o público, de uma forma geral, rechace qualquer tentativa de novidade na TV. E ás vezes, por mais talento, criatividade e habilidade que o novato tenha para contornar a situação, ela se torna insustentável e a conseqüente queda de audiência detona o trabalho que tinha tudo para ser um sucesso.

É ou não é um paradoxo? Ao mesmo tempo que se cobra a inclusão de novos no mercado da teledramaturgia, do outro lado, a aversão ao novo é cada vez mais contundente e desencoraja quaisquer emissoras de TV, que na dúvida, preferem apostar um pouco mais na experiência. E o novo? Bom... o novo tem de continuar apostando no seu talento, esperar e se preparar cada vez mais para enfrentar a temida aversão ao novo.

Escrito por Paulo Sacaldassy

Colaborou: Oficina de Teatro; Foto: Espetáculo "Kamchàtka" no FIT-Rio Preto (2010)

A INTERAÇÃO NO TEATRO INFANTIL

2011-10-12T00:00:00.001-03:00

O teatro infantil tem uma característica diferente do teatro adulto, mas nem por isso deve ser encarado como algo inferior. O que acontece é que diferentemente do espetáculo adulto, onde texto e interpretação são pontos chaves, no teatro infantil, a magia do espetáculo como um todo, acaba fascinando o público mirim que enxerga ali, muito da magia e da brincadeira de faz de conta que ele conhece apenas através dos livros.

E quando de repente, sem que esse público espere, ele se vê sendo convidado a participar do espetáculo, não apenas como um simples espectador, mas como parte integrante da história, a magia se torna completa e o fascínio é ainda maior, o público acaba se entregando de corpo e alma. Mas essa interação pode ser perigosa para quem está em cena.

Não é raro ver espetáculos infantis usando o expediente da interação como alavanca para aproximar a platéia, na maioria das vezes, a resposta é positiva e a criançada adora, pois é levada a participar do espetáculo. Mas, vale lembrar que sempre existe o risco de se perder o fio e aquilo que se pretendia ser uma interação pura, passa a ser brincadeira de animação e neste momento, o teatro infantil sai de cena.

Por conta de alguns espetáculos que escorregam nesse tipo de interpretação, baseada no princípio da interação, onde o público acaba sendo fundamental para apresentação, muitas pessoas ainda têm a idéia de que o teatro infantil é apenas brincadeira para distrair criança e não pode ser levado tão a sério.

Não que seja contra quem usa esse expediente, acho até interessante, pois aproxima a criança do teatro, levando muitas delas a quererem freqüentar cursos para um dia estar do outro lado do palco. Só me incomoda quando aquilo que devia ser uma interação, descamba para a balburdia e os atores deixam de ser personagens de uma história, para se transformarem em animadores de festas infantis em cima de um palco.

É óbvio que existem histórias que até levam automaticamente a interação com a platéia e outras, que de tão boas, acabam conduzindo a platéia a uma interação espontânea com os atores, afinal de contas, no teatro infantil a interação está sempre presente e é sadia, pois é a demonstração sincera de quanto aquele público mirim está se envolvendo com a história que é contada.

Mas, como não estou aqui para julgar ninguém, muito menos para criticar o trabalho de quem o faz com dedicação, tentando passar de alguma forma, a magia do teatro, que cada qual descubra a medida certa entre a interação e a interpretação, visando sempre levar ao público mirim, a magia de uma boa história e assim, manter viva a chama do teatro infantil.

Escrito por Paulo Sacaldassy

Colaborou: Oficina de Teatro; Foto: Espetáculo Musical Infantil "O Cravo e a Rosa" (2006)

E SE FOR CLICHÊ? ...PACIÊNCIA!

2011-10-05T00:00:00.000-03:00

De uns tempos pra cá sempre que eu penso em escrever alguma nova história, um bichinho fica me azucrinando no ouvido: – Cuidado para não ser clichê? – Olha lá, acho que isso é clichê?– Nossa! Isso está muito clichê! Mas como não ser clichê? Não sei se esse bichinho azucrina os ouvidos de meus colegas militantes da escrita, mas só sei que de tanto ele me azucrinar os ouvidos, resolvi escrever este artigo. Dizem que quando a gente fala do problema, mais fácil fica para resolvê-lo, não é mesmo?

Então, para começar, vou logo atacando o eixo do meu problema: eu não consigo entender muito bem, qual o problema de ser ou não ser clichê. Se o público se identificar com o que eu escrevo, se a história, mesmo mostrando um lugar comum já trilhado outras tantas vezes, seduzir as pessoas, que mal tem? Por acaso o óbvio é um caminho proibido?

Dizem que usar o que outros tantos já usaram é falta de criatividade, deixa o seu texto mais pobre, não acrescenta nada, e blábláblá, blábláblá, mas agora me expliquem uma coisa: Quer coisa mais clichê de que uma novela? E qual o problema? A estrutura melodramática das novelas acaba levando para algumas situações clichês, não há como fugir. E só por isso, seus atores são menores, ou piores? E por que apesar de ser clichê, o povo vê?

Vejam só quantos questionamentos esse bichinho que fica me azucrinando as idéias não consegue me responder? Acho que tudo isso passa pela questão do gosto pessoal de cada um. Se eu gosto do jeito que o autor conta a sua história, mesmo que ele trilhe caminhos já conhecidos, eu vou prestigiá-lo. E se ele usa a sua criatividade para, mesmo se utilizando de clichês, contar a sua história? É, realmente não devo dar muito ouvidos para esse bichinho, viu?

O engraçado, é que quando comecei a escrever, nem dava bola para esse tipo de preocupação, aliás, nem ligava, ou melhor, nem pensava nisso, escrevia a minha história, do jeito que eu achava que ela deveria ser e pronto. Por que agora vou me incomodar com isso? Será que por ter a certeza que só as gavetas leriam as minhas histórias, esse bichinho não me dava o ar da sua graça? Ai, ai, ai, ai, ai! Pode ser isso! Será?

É, parece que vou ter que aprender a conviver com esse bichinho que azucrina os meus ouvidos, ou melhor, aprender a ignorá-lo, pois diante de tantos questionamentos, dúvidas e exemplos de que ser clichê na verdade não quer dizer que o seu texto seja ruim ou bom, vou optar em permanecer fiel ao meu estilo de escrever. E se um dia, assim por um acaso, uma hora ou outro, eu for clichê, paciência!

Escrito por Paulo Sacaldassy

Colaborou: Oficina de Teatro; Foto: Espetáculo "Espía a una mujer que se mata" (2007)

O TEATRO E A ESCOLA

2011-09-28T00:28:00.000-03:00

Sempre penso como seria possível popularizar o teatro, já que não é nada fácil contar com espaços para divulgação e nem tão pouco, levar um espetáculo teatral a qualquer canto, mas vejo com bons olhos a iniciativa de alguns professores que levam até os seus estudantes, o universo do teatro, mesmo que alguns estudantes não se dêem contam da oportunidade que estão tendo.

Não importa se no começo tudo é apenas uma grande brincadeira, se o figurino é improvisado, se a peça é encenada na sala de aula, se alguns sentem vergonha e outros apenas querem rir dos colegas, o que importa mesmo é a iniciativa de levar o teatro para as escolas, pois é esse primeiro contato que vai fazer o teatro se propagar.

Mesmo que sejam pequenas iniciativas e que sejam encenações complementares sobre matérias do currículo escolar, assim, de pouco em pouco, de maneira despreocupada, vai se mostrando aos jovens a arte de interpretar e, quando se percebe, a sementinha do teatro já fincou raiz e muitos deles serão multiplicadores da arte do Teatro.

Mais louvável ainda são as iniciativas de algumas instituições de ensinos que realizam festivais internos de teatro, estimulando mais ainda o interesse dos estudantes e contribuindo de maneira mais incisiva na propagação da arte de interpretar e na popularização do Teatro. A integração escola-teatro também contribui para uma maior interação entre os alunos e isso, é fato.

Não podemos desestimular as poucas iniciativas daqueles que acreditam que o Teatro pode ser, além de uma ótima ferramenta de apoio pedagógico, uma maneira de manter os estudantes ocupados com outras coisas e isso, nos tempos de hoje, tem um peso muito grande, pois como diz o velho ditado: cabeça vazia, oficina do diabo.

Portanto, sempre que posso, dou a minha contribuição para essas iniciativas, autorizando a utilização dos meus textos para as encenações dos estudantes, pois acredito que desta forma, mais e mais pessoas terão contato com o teatro, e, por certo, novos entusiastas se juntarão para tornar o teatro mais e mais popular. E, quem vai dizer que não?

Para encerrar este artigo, quero deixar bem claro que todas as iniciativas que envolvam estudantes e o Teatro, terão sempre o meu apoio, pois acredito que a Escola juntamente com o Teatro, pode fazer muito mais pela educação dos jovens e estes jovens pela popularização da arte de interpretar. E é assim que penso.

Escrito por Paulo Sacaldassy

Colaborou: Oficina de Teatro; Foto: Apresentação de um espetáculo do Grupo Nativo de Natividade para os alunos do Colégio Estadual Francisco Portella (2010)

POR ONDE ANDA A OUSADIA DO ARTISTA?

2011-08-31T03:19:00.002-03:00

Os anos eram de chumbo, vivia-se uma ditadura violenta, a censura calava qualquer tentativa de manifestação contrária ao regime, mas apesar disso tudo, ainda havia quem pregasse a paz, o amor, buscasse a união em comunidade. e o artista, reunido em grupos, tinha a coragem de ousar, provocar, contestar e enfrentar àqueles que tentavam calá-lo. Por onde anda a ousadia do artista?

Hoje vivemos tempos de plena democracia, mas, uma ditadura velada, com uma censura tão ou mais ferrenha de que outrora, nos vigia com olhos de doberman e, além disso tudo, não existe mais respeito com as diferenças, busca-se sempre o conflito ao invés da conciliação, e o indivíduo se tornou mais importante que a comunidade, vivendo por status e poder. Por onde anda a ousadia do artista?

Outrora o artista provocava a sociedade careta e covarde que se escondia por trás de uma ditadura, hoje, o artista se esconde dos caretas desta sociedade politicamente correta. Por onde anda a ousadia do artista? Até quando o artista vai agüentar calado que falsos moralistas determinem e calem a manifestação artística? Logo o artista, que sempre andou a frente de seu tempo, não pode entregar os pontos assim, tão calmamente.

Já está mais do que na hora de ousar, provocar, cutucar, tirar a máscara desta sociedade que prega uma coisa e nos porões de suas vidinhas medíocres, prega justamente o contrário. O artista precisa ser a voz, a força para desmascar essa hipocrisia que nos ronda. A criatividade do artista tem de ser a arma contra tudo isso que vivemos hoje em dia. Retomemos a provocação, a ousadia de enfrentar os “nãos” da sociedade e vomitemos sobre ela, todo o nosso amor pela vida.

Não é possível, que pessoas de almas vazias, preocupadas em tecnologia e no seu próprio bem estar, levantem bandeiras contra tudo aquilo que vai de encontro ao que eles não querem ver exposto. Não é possível, que pessoas de comportamento reacionário, preocupadas em ganhar dinheiro e no que deixarão de ganhar por certos comportamentos, venham interferir na criatividade do artista.

O artista sempre se posicionou contra a caretice social, contra os bons costumes de uma sociedade hipócrita, sempre andou na contramão do que seria o certo para a maioria, por que, de uma hora para outra, perdeu sua ousadia? Por que tanto medo de enfrentar os reacionários desta sociedade careta e covarde de hoje em dia? O artista pode mais do que eles, pois só o artista é capaz de mostrar exatamente como eles são.

Ou o artista sai de trás de suas trincheiras e volta a provocar, a ousar, a contestar, a cutucar e a incomodar de fato essa sociedade careta e covarde que se esconde atrás do chamado politicamente correto, ou vai ser apenas encarado como um passatempo e uma diversão para aliviar o estresse desses hipócritas após mais um dia de trabalho.

Escrito por Paulo Sacaldassy

Colaborou: Oficina de Teatro; Foto: Espetáculo "Uma Vez, Nada Mais" (2010)

ARTISTA OU CELEBRIDADE?

2010-12-27T00:00:00.002-02:00

As coisas hoje em dia estão de tal forma, que até parece que tudo está de pernas para o ar, ou fora da ordem, mesmo! Há uma confusão enorme entre o que é ser um artista e ser uma celebridade, principalmente essas instantâneas que pipocam de tempos em tempos e tomam conta de toda mídia.

Celebridade, qualquer um pode se tornar, seja lá participando de programas de “reality shows”, casando com alguém influente, armando barracos, correndo atrás de jogador de futebol, até político vira celebridade. Tem até certos artistas, que se acham mais celebridades do que artistas. Bem, esses, na verdade, não sabem direito o que querem: se o difícil sacerdócio da arte, ou os reluzentes holofotes das câmeras.

É certo que essa coisa de ser famoso, se tornar conhecido por um grande número de pessoas, ser popular, está no ser humano, todo mundo quer aparecer e ser conhecido, mas tem gente que é capaz de tudo. É uma loucura, loucura, loucura, como diz Luciano Huck. Só que muitas dessas celebridades, as instantâneas, principalmente, surgidas em programas de “reality shows” e que usufruem da grande popularidade alcançada, de uma hora para outra acham que são artistas, pode?

O pior é que muitos compram essa idéia e é aí que se faz a confusão. Quem até então era celebridade instantânea, vira artista revelação, e vai fazer teatro, vai fazer cinema, vai fazer televisão e o que se vê, em termos de qualidade artística, é deprimente! Jogam a arte de interpretar na lata no lixo. E não me venham dizer que fulano tem talento e é esforçado, pois isso não se sobrepõe aos anos de estudo e dedicação que um artista tem de ter.

Acho que não deviam misturar as estações. Uma coisa é uma coisa, outra coisa é outra coisa: celebridade é celebridade e artista é artista. A diferença é tão clara, se pode ver à olhos nus. Celebridade só quer uma coisa, está na mídia, quanto mais, melhor, seja lá fazendo o quê e do jeito que for! Já o artista nem sempre precisa aparecer, o reconhecimento de sua obra, muitas vezes, já basta!

Não se pode quer ser artista se lançando na mídia como uma celebridade, o caminho é justamente o contrário. É o trabalho de um grande artista, que de tão reconhecido, o faz se tornar uma celebridade, não apenas pelo que ele é, mas também pelo que ele faz. A arte dele o faz tão imenso que a mídia tratará de torná-lo popular, tão e mais, como qualquer uma dessas celebridades que pipocam volta e meio no mundo artístico.

Ser artista é uma coisa muito séria, que demanda muitos sacrifícios, muitos degraus a subir, um caminho longo a percorrer, muita abdicação, muito estudo e muito trabalho, por isso, tem-se que prestar muita atenção e saber separar o joio do trigo, pois artista tem alma e celebridade tem apenas um corpo ou uma carinha botina, e nada mais.

Escrito por Paulo Sacaldassy

Colaborou: Oficina de Teatro; Foto: Espetáculo "O Grande Cerimonial" (2010)

A MAGIA DA BROADWAY

2010-12-25T00:00:00.033-02:00

Quando se visita Nova Iorque pela primeira vez, torna-se imprescindível visitar a Broadway, o símbolo mundialmente famoso da magia do teatro. Antes dos espectáculos começarem, acendem-se milhões de lâmpadas que transformam a noite em dia; nessa hora, a Broadway torna-se verdadeiramente um local encantado.

Em plena Manhattan, nesse bairro dos teatros e cinemas encontram-se mais de 30 casas de espectáculos, localizadas a Leste e Oeste da longa avenida em diagonal chamada Broadway, entre as ruas 41 e 53. Um passeio por essas ruas equivale a percorrer a história do teatro. Por exemplo, no Nederlander, na rua 41, outrora chamado National, Orson Welles, então com 22 anos, encenou em 1937 a sua controversa produção do Julius César, na qual os soldados de César envergavam uniformes fascistas.

Grande parte da mística da Broadway deriva da lendária rua 42, exaltada no musical de 1980, do mesmo nome. Essa comédia musical, de ritmo contagiante, apresentava a Broadway como o objectivo máximo daqueles que aspiravam tornarem-se estrelas do palco. Praticamente todos os anos, jovens desconhecidos tornam-se famosos. Há mais de meio século, um jovem cantor magrinho fez sua grande estreia cantando no show de Benny Goodman, no agora desaparecido Paramount Theater, na rua 43. O seu nome, evidentemente, era Frank Sinatra.

E a corista de The Pajama Game, de 1954, que era suplente de Carol Haney, a protagonista número dois? Carol adoeceu, a corista entrou em cena e dançou e cantou maravilhosamente bem. Ela chamava-se Shirley MacLaine; havia um produtor cinematográfico assistindo ao espectáculo, e foi assim que ela se tornou uma grande estrela do palco e da tela.

A Times Square nasceu em 1904, quando o New York Times edificou o prédio e mudou o nome da praça, que dantes se chamava Long Acre Square; é ali que a Broadway bifurca com a Sétima Avenida. Para Oeste, ficava naquele tempo a chamada «Cozinha do Inferno» (Hell's Kitchen), desordeiro bairro operário frequentemente retratado nos melodramas de Jimmy Cagney. A um quarteirão para Leste, ficava a linha férrea elevada da Sexta Avenida. Passado pouco tempo, na Times Square e nas ruas vizinhas foram construídos novos e elegantes teatros, com os elaborados letreiros de néon que deram à Broadway o cognome duradouro de «Grande Caminho Branco» (The Great White Way).

Em 1908, Florenz Ziegfeld, produtor das famosas Ziegfeld Follies, colocou o maior painel luminoso jamais visto até então (com 24 m de comprimento e 14 m de altura) na fachada do seu New York Theater. Continha 2.973 m2 de vidro, pesava oito toneladas e levou 18 km de fio eléctrico. Em torno das suas letras gigantescas, um desenho em ziguezague de raios faiscantes parecia explodir, num irromper de chamas que lambiam o título da peça, Miss Innocence, e o nome da estrela, Anna Held, famosa por banhar-se em leite como a lendária Cleópatra.

Se a Times Square é o coração da Broadway, então uma estátua de George M. Cohan na sua extremidade norte simboliza o seu pulsar. Este extraordinário empresário, compositor, director, cantor e bailarino morreu em 1942, mas continua presente; é conhecido no mundo inteiro através de um filme de Hollywood, Yankee Doodle Dandy, e de um musical da Broadway, George M.! Os que nunca conheceram o verdadeiro George M. Cohan viram Jimmy Cagney, Joel Grey ou Mickey Rooney no papel dele.

A rua 44 é uma das ruas da Broadway preferidas por muitos turistas, onde têm lugar as lendárias festas de estreia no Sardi's, «a renomada sala de jantar das artes do teatro». Há seis teatros na rua 44, incluindo o Helen Hayes, uma sala internacional, o Majestic, cenário de 42nd Street, o Broadhurst, onde a comédia de Neil Simon, Broadway Bound, muito naturalmente conquistou a Broadway. E há o Shubert, onde A Chorus Line, uma exaltação aos musicais da Broadway, esgotou lotações durante vários anos.

A maravilhosa continuidade do teatro mundial está ilustrada na rua 45. Aqui fica o Booth Theater, assim baptizado em honra ao grande actor do século XIX, Edwin Booth, cujo Hamlet esteve em cena durante 100 representações consecutivas. John Barrymore estreou no Hamlet em 1922, mas já falava em abandonar o papel após umas 60 actuações. Uma delegação de personagens do teatro pressionou-o para desistir ao fim da 90.a actuação, pois ninguém devia bater o recorde de Booth. "Cavalheiros", replicou Barrymore. "Parem de viver no passado. Representarei o Hamlet exactamente 101 vezes." E assim fez.

No Imperial, Drood, a versão musical do romance que Charles Dickens deixou inacabado ao morrer, mostrava uma abordagem inglesa de music-hall ao enredo gótico do romance, rematada por um número irresistível: a cena era interrompida em plena actuação para assinalar o ponto em que ficou o romance de Dickens. Os actores dirigiam-se então ao público, solicitando uma votação para determinar quem era o assassino e, consequentemente, qual seria o fim. "A atmosfera do teatro", disse o Times, "Fica tão divertida como se se tratasse de uma audiência composta exclusivamente por ginasiais."

Uma marca de qualidade da Broadway são os bons elencos. Em 1986, Arsenic and Old Lace, uma comédia acerca de duas velhinhas que serviam vinho envenenado aos seus hóspedes, esteve em cena no Teatro da rua 46, com Jean Stapleton, a Edith Bunker da televisão. Quando estreou, em 1941, o papel do sobrinho louco e homicida das velhas foi desempenhado por Boris Karloff, o monstruoso Frankenstein do famoso filme de 1931. Isso deu a Karloff, 10 anos mais tarde, uma deixa imortal: "Matei-o porque ele disse que eu era parecido com Boris Karloff."

O Biltmore, o Atkinson, o Edison, o Barrymore e o Palace estão na rua 47. Para aqui têm vindo grandes peças de todo o mundo. Da França, Red Claves, de Jean-Paul Sartre, protagonizada por Charles Boyer, veio para o Mansfield, cujo nome foi substituído em 1960 em homenagem ao crítico de teatro do New York Times, Brooks Atkinson. No Edison estiveram duas peças do dramaturgo sul-africano Athol Fugard, Sizwe Banzi is Dead e The Island.

O Barrymore deve o seu nome a Ethel, que com os seus irmãos Lionel e John formou um formidável trio de actores. Isso porque os irmãos Shubert prometeram a Ethel dar o seu nome a um teatro, se ela assinasse um contrato com eles. Ela assim fez, e eles cumpriram o prometido; Ethel inaugurou o teatro a 20 de Dezembro de 1928, com The Kingdom of God. O recorde do teatro, porém, foi detido de 1947 a 1979 pela peça de Tennessee Williams, A Streetcar Named Desire (Um Bonde Chamado Desejo), que estreou a três de Dezembro de 1947, com Jessica Tandy, Kim Hunter, Karl Malden e Marlon Brando, que tinha na época apenas 23 anos, num inesquecível desempenho como Stanley Kowalski. (Em 1979, este recorde foi finalmente batido pelas 872 representações de I Love My Wife.)

Há 55 anos, o Palace arriscou em Judy Garland, que estava com 29 anos e tinha sido despedida pela MGM, pois as suas depressões nervosas haviam atrasado demasiados filmes. Judy tentara suicidar-se, e os seus amigos não estavam seguros de que ela tivesse suficiente autoconfiança para voltar ao palco. Mas o Palace passou a ter lotações esgotadas em todas as sessões; os fãs de Judy estavam decididos a encorajá-la, com vibrantes aplausos.

O último dia de Judy Garland no Palace, 24 de Novembro de 1951, foi um momento alto na história da Broadway. Judy terminou o espectáculo cantando A Couple of Swells, de Irving Berlin, vestida de mendiga, exactamente como cantara com Fred Astaire no filme Easter Parade. Chamada a bisar, sentou-se simplesmente na beira do palco e cantou Over the Rainbow. Houve momentos em que chorou, e momentos em que foi o público quem se emocionou até às lágrimas. Foi três vezes chamada ao palco pelos aplausos, mas mesmo assim a plateia não se ia embora. Judy estava manifestamente exausta, de modo que alguém gritou: "Agora somos nós que vamos cantar para Judy!" Com a orquestra tocando Auld Lang Syne, os espectadores começaram a cantar, com a voz de ouro do grande tenor lírico Lauritz Melchior soando acima das outras todas. Numa sala apinhada, 1.686 pessoas, incluindo muitas que adoravam Judy Garland desde os tempos em que ela era a Dorothy do filme O Feiticeiro de Oz, aplaudiam e soluçavam abertamente.

No Teatro Cort, na rua 48, a peça »O Diário de Anne Frank», em 1957, transportava-nos instantaneamente àquele sótão em Amesterdão, onde uma adolescente de 12 anos e a sua família se escondiam dos nazistas. Nessa história verídica, os nazistas conseguem descobri-los, é claro, e levam Anne, cujo papel era desempenhado por Susan Strasberg, para um campo de concentração, onde ela morre. Quem não se lembra de Joseph Schildkraut no papel do pai de Anne, lendo a sua derradeira anotação no diário: «Apesar de tudo, continuo acreditando que as pessoas no fundo são boas.», mas «Ela me deixa envergonhado.» O rio Mississippi foi evocado no palco do Teatro Eugene O'Neill, na rua 49, em Big River, peça baseada no Huckleberry Finn, de Mark Twain. Show Boat, o melhor musical sobre o rio Mississippi, estreou em 1927, mas foi constantemente levado novamente à cena inúmeras vezes. Basta dizer «He just keeps rollin' a!ong» e o mundo inteiro saberá que se está falando de «Ol'Man Riven».

No inverno de 1986-1987, a peça de Bernard Shaw, You Never Can Tell esteve em cena no Circle In The Square, na rua 50. A presença de Shaw na Broadway data de Arms and the Man, de 1894. Em 1957, My Pair Lady, adaptado do Pigmaleão, de Shaw, no Mark Hellinger Theater, na rua 51, foi outra peça que esteve em cena e que fez igualmente grande sucesso. Quando se visita pela primeira vez Nova Iorque, deve-se visitar obrigatoriamente o American National Theater and Academy (ANTA), na rua 52. Neste local emblemático, passaram peças como: Our Town, com Henry Fonda no papel de director de cena, e Harvey, com James Stewart como Elwood P. Dowd e Helen Hayes como Veta Louise Simmons.

Também no teatro da Broadway na esquina da rua 53, a peça Les Miserables, versão musical do romance clássico francês de Victor Hugo, que fora o sucesso londrino de 1986, ao estrear nos Estados Unidos da América em Março de 1987, primou por um sucesso extremo. As suas vendas adiantadas de entradas, que totalizaram uma soma de 11 milhões de dólares, registaram o maior recorde de todos os tempos da Broadway. Todas as noites, multidões de espectadores reuniam-se sob a bandeira tricolor francesa, gigantesca e esfarrapada, suspensa na entrada do teatro, e entravam na fila para ver as barricadas de rua e os esgotos de Paris, evocados num palco da Broadway. Também no começo da década de 1980, estava em cena aqui, a peça Evita, com Patty LuPone cantando, noite após noite, Don't cry for me, Argentina ...

Mas para visitar aquele que é, por muitos, considerado como a quintessência dos teatros da Broadway, dever-se-á visitar o Winter Garden, no nº 1634 da Broadway. Al Jolson inaugurou-o a 20 de Março de 1911. Nesse palco, abriu ele inúmeras vezes os braços, com as mãos calçadas de imaculadas luvas brancas, e gritou a frase histórica: «Pessoal! Vocês ainda não ouviram nada!

Na década de 1980, o Winter Garden tornou-se palco de um belíssimo musical britânico da autoria de Andrew Lloyd Webber, extraído de Old Possum's Book of Practical Cats, de T. S. Eliot. O musical chama-se Cats, e a Broadway chorava, bem como os diversos locais do mundo por onde esta peça tem passado, quando a gatinha maltratada, chamada Grizabella, pára diante do holofote e principia a sua canção. Com Cats, chega ao fim este breve artigo dedicado às cerca de três dezenas de salas de espectáculos numa dúzia de ruas, que no seu conjunto se chamam Broadway. É aqui o mundo dos sonhos!

AMADOR OU PROFISSIONAL?

2010-12-20T00:00:00.003-02:00

Na maioria das vezes, as pessoas são apresentadas ao teatro ainda na escola. Muitos nem se dão contam que um dia podem se tornar atores ou atrizes de sucesso. A aula, regada a uma peça de teatro, acaba sendo uma grande “brincadeira”, mesmo que o exercício seja levado a sério, pois alguns mais tímidos e outros nem tanto, usam a apresentação para se provocarem durante o ano.

Passada essa fase escolar, onde se é apresentado ao teatro sem compromisso algum, sempre tem alguém no grupo que leva aquela “brincadeira” um pouco mais a sério, e resolve procurar um grupo de teatro de verdade, pois sua alma foi tocada pelo bichinho do teatro.

São muitos os grupos que de uma maneira amadora conseguem fazer teatro de uma forma competente, mesmo com todas as dificuldades inerentes ao teatro, como a falta de espaço para ensaios, a falta de verba e as dificuldades de espaços para apresentação. Muitos são de muito bom nível, e são deles, que saem quase sempre, os atores e atrizes que chegarão a televisão.

Quando se está em um grupo amador, onde se faz teatro por amor e não se ganha nada por isso, tem-se a chance de aprender de verdade e na prática, as dificuldades de se fazer teatro em nosso país. Muitos optam por essa vida de teatro amador por toda a sua existência, mas outros, querem fazer desta arte o seu meio de subsistência, e é aí que depara-se com um grande dilema. Fazer teatro de uma forma amadora apenas para alimentar a alma artística ou partir de vez para uma carreira profissional e enfrentar todas as suas dificuldades?

Muitos jovens que atuam em grupos amadores, e vêem outros jovens fazendo sucesso na televisão, querem também fazer parte deste mundo, o quanto antes, melhor, e isso não é de hoje, pois, quem gosta de teatro de verdade, vive ou viveu um dia esse dilema. Mas quase sempre, o peso das responsabilidades, acaba interrompendo carreiras brilhantes, e muitas vezes, o teatro deixa de conhecer talentos que, ou não tiveram, a coragem suficiente para enfrentar as dificuldades, ou optaram por não correr riscos, e continuar apenas o seu teatro de forma amadora.

Acho que não se pode condenar, nem um, nem outro, cada qual deve escolher para a sua vida o que realmente quer no momento em que vive, as vezes, não á a hora de embarcar em uma aventura, e se jogar no mundo do teatro de uma forma desesperada, pois corre-se o risco de vender a alma ao diabo, e se perder na essência de sua alma de artista. As vezes é melhor trabalhar com o teatro amadorísticamente, mas consciente de estar preparado, para na oportunidade certa, encarar o desafio de viver profissionalmente do teatro.

A escolha é difícil, ainda mais quando se é jovem, por isso, não há a necessidade de precipitação, pois a história mostra que o teatro está cheio de atores e atrizes que tinham uma outra profissão, e no momento certo, deixaram o amadorismo para serem profissionais do teatro. E na maioria das vezes, com muito sucesso.

Escrito por Paulo Sacaldassy

Colaborou: Oficina de Teatro; Foto: Espetáculo "Parada 400: Convém Tirar os Sapatos" da Santa Estação Cia de Teatro, de Porto Alegre – RS. Fotografado no Espaço Parlapatões, São Paulo – SP.

O TEATRO MUSICAL

2010-12-13T00:00:00.000-02:00

Está aí um gênero das artes cênicas que hoje em dia me causa certo espanto, pois sem nenhuma tradição em nossos palcos, pois passa longe do que foi o Teatro de Revista e, somente a custa de remontagens de espetáculos consagrados da “broadway”, o Teatro Musical vem ganhando a simpatia tanto da mídia, quanto da crítica. Da até a impressão de que esse gênero é algo superior à arte do teatro.

É claro que reconheço a complexidade e a dificuldade de se montar um espetáculo musical, pois reunir artistas que possuam potencial para cantar, dançar e ainda interpretar não é nada fácil. Encontrar alguém que só interprete já anda tão difícil! Sem contar que montar um espetáculo desse gênero não é para qualquer um. É coisa para peixe grande.

São espetáculos caros, que precisam de grandes patrocinadores, grandes cotas de incentivos, é muito dinheiro em jogo. Talvez esteja aí a razão de tanta popularidade de um gênero que ganhou notoriedade nos palcos de Nova York. O teatro musical feito hoje no Brasil, aliás, importado pelo Brasil é muito mais uma questão de negócio, do que uma questão de teatro.

Sem contar que os espetáculos desse gênero são elitistas, pois não é qualquer um que pode desembolsar a exorbitante quantia para pagar os seus ingressos. A mídia o tem sempre como a melhor opção de entretenimento entre todos os espetáculos teatrais em cartaz e o povo, ora, o povo!...

Se o teatro infantil é o patinho feio das artes cênicas, o teatro musical vem ganhando ares de filho perfeito. Como espetáculo, não há o que questionar. As trilhas são bem cuidadas, os figurinos, lindíssimos, os cenários, monstruosos, tudo para encantar os olhos do público. Pena que é tudo importado e sempre muito caro.

Longe de mim, desmerecer o gênero musical, o acho até bem interessante, quando levamos em conta a questão da formação do ator. Cantar, dançar, interpretar é tudo que um bom ator precisa aprender. Quisera todo ator ter a oportunidade de desfrutar da prática de tamanho exercício artístico. Quisera todo o povo ter a oportunidade de desfrutar do glamour de assistir a um espetáculo musical.

Esse Teatro musical pode até encantar os olhos, pode até conter elementos da arte do teatro, mas sempre será um gênero das artes cênicas, a arte do Teatro será sempre maior, mesmo que a mídia teime em vender um espetáculo musical como Teatro. Teatro é Sófocles, Eurípidis, Shakespeare, Nelson Rodrigues. Teatro musical é apenas um espetáculo de entretenimento.

Escrito por Paulo Sacaldassy

Colaborou: Oficina de Teatro; Foto: Espetáculo "Lipstick Station" da Santa Estação Cia de Teatro, de Porto Alegre (RS). Fotografado durante a mostra de repertórtio do grupo no Espaço Parlapatões, São Paulo (SP).

O PALHAÇO

2010-12-10T00:00:00.002-02:00

O dia amanheceu chuvoso e frio, o que por si só já estimulava uns minutos a mais de sono. Mas, aquele cidadão já idoso, que era tentado a permanecer mais um pouco embaixo dos lençóis, não podia se dar esse direito. A labuta de todo dia lhe chamava a cumprir suas obrigações. Mesmo com o passar dos anos, ainda se fazia necessária. Como é com outros tantos trabalhadores.

Só que ele não era um trabalhador comum. Nem seu trabalho era comum. Aliás, muitos, na verdade, nem consideram que seja um trabalho, mas é! Acho até que o melhor de todos os trabalhos. Só que sem direito a folgas, sem direito a lágrimas, sem direito a adoecer, nem mesmo ficar triste, por mais tristeza que possa sentir. Mas, apesar de todas as adversidades e condições, ele se pôs de pé e saiu para mais um dia de trabalho.

Com andar vagaroso de quem já correu muito, ele seguiu calmamente até chegar em seu pequeno Camarim. Sim, aquele velho cidadão era um artista! Mas não um artista qualquer, ele era o verdadeiro artista. Calmamente, como tudo que ele fazia, trocou sua roupa de cidadão comum e vestiu o seu figurino de cores vivas e alegres. Nada condizente com toda aquela melancolia estampada em seu rosto.

Os cabelos esbranquiçados, o olhar cansado, o rosto marcado, aos poucos iam se transformando em frente ao velho espelho. Cada cor pintada em sua face tinha o poder de rejuvenecê-lo e dar um novo brilho ao seu olhar. Na ponta do nariz enrugado, uma bola vermelha, nos pés, um par de enormes sapatos e sob os cabelos esbranquiçados, uma embaraçada peruca. E refletido no espelho, um enorme sorriso. Um riso de quem irradia felicidade.

Então, ele adentrou ao picadeiro, lépido e fagueiro como quem tem uma juventude eterna, meio que destrambelhado, com toda certeza, propositada-mente, pois, sabia que as gargalhadas não demorariam a encher todo o ambiente. E dito e feito. Não demorou muito para que o único som ouvido fosse o som de enormes gargalhadas, sem composturas e desavergonhadas. Pareciam todos, crianças inocentes. Ah, como foi bom!

Saciados de felicidades, todos que gargalhavam, deixavam o local com as almas lavadas, ávidos para retornarem o mais breve possível. Enquanto do outro lado, no pequeno camarim, em frente ao velho espelho, quem fez a alegria de tantos, se desfazia do figurino, da maquiagem, e da alegria e voltava a sua vida comum.

Escrito por Paulo Sacaldassy

Colaborou: Oficina de Teatro; Foto: Espetáculo "Sessenta Minutos Para o Fim"

ARTE DÁ TRABALHO

2010-12-06T00:00:00.003-02:00

Durante muito tempo eu achei que para realizar uma obra de arte perfeita, ou perto disso, o empenho e trabalho não faziam tanta diferença. Achava que certas obras só eram possíveis graças ao gênio de seus criadores, que eram capazes de criar genialidades sem se esforçar. Mas quando eu também comecei a participar da criação, seja no teatro ou no cinema, no meu caso, percebi que é a dedicação e empenho que fazem toda a diferença.

É claro que os gênios existem. Mas aquela história de 10% inspiração e 90% transpiração é muito verdade. Porque até para os gênios é preciso trabalho. Muito trabalho. É a dedicação a uma obra que fará dela boa ou ruim. E mesmo que haja talento, sem trabalho não basta.

Há alguns meses atrás eu acompanhei os ensaios de uma peça de teatro. Uma peça com elenco famoso e de talento reconhecido em sua maioria. Acompanhei os ensaios até a pré-estréia e estréia. E nas apresentações o que eu via nos ensaios se confirmou. O empenho por parte da maioria do elenco não era grande. Como se o fato de só serem eles mesmos bastasse para que a peça fosse boa. Mas o que ocorreu não foi isso. E o resultado foi a meu ver e de muitos outros, insatisfatório.

Eu acredito muito no trabalho árduo na criação. E falando das artes dramáticas, sou um defensor dos ensaios e principalmente, da imersão naquele texto e mundo que será retratado. Quanto mais propriedade o ator tiver sobre a obra e mesmo a equipe que fica atrás do palco ou câmera, maior a chance do resultado final ser mais convincente e envolvente para o espectador.

Nesse nosso mundo muitas vezes vemos atores serem escalados por seu talento. Mas muitas dessas vezes, o ator, apesar de bom, não se encaixa bem no personagem. Ou o pior, é uma pessoa muito difícil de lidar. E isso não vale só para os atores e sim para qualquer pessoa de uma equipe. Uma pessoa considerada talentosa, mas que traz muitos problemas de convivência, é uma pessoa que não considero recrutar. E quem já passou por uma situação dessas talvez me entenda melhor.

Creio que os malefícios acabam sendo maiores que os benefícios. E mesmo que o desempenho desse profissional seja muito bom, pode afetar o desempenho dos outros envolvidos. E isso tem a ver também com a dedicação e dessa experiência teatral que citei anteriormente. Há muitos atores que já têm certa notoriedade e que por isso acham que não têm que se esforçar mais. Que qualquer coisa que apresentem já valerá. Mas isso não poderia ser mais equivocado.

Afinal, os grandes gênios das artes são reconhecidos também por sua total imersão em seus trabalhos. Toda aquela genialidade passa a não ser tão sobrenatural aos nossos olhos quando conhecemos o processo do artista e vemos a quantidade de tempo dedicada à obra.

Talento há. Alguns têm mais, outros menos. Mas não se deixe enganar. O que pode fazer toda a diferença é o seu empenho. Tendo talento ou não.

Escrito por Felipe Fonseca

Colaborou: Oficina de Teatro; Foto: Bastidores da temporada paulistana do Théâtre du Soleil, em 2007.

SELO VENTOS NA PRIMAVERA

2010-12-02T04:55:00.000-02:00

O gigante da poesia, Arnoldo Pimentel, nos concedeu o selo official de seu Blog o "Ventos na Primavera". A Cia. De Teatro Atemporal está muito honrada e lisonjeada, com o tamanho reconhecimento e admiração de Arnoldo Pimentel e de todos que se alimentam do que a arte tem de melhor, aqui em nosso Blog.

SELOS POR ARNOLDO PIMENTEL

2010-12-02T04:46:00.000-02:00

Arnoldo Pimentel, nosso queridíssimo e fiel amigo do Blog "Ventos na Primavera" presenteou o Blog da Cia. De Teatro Atemporal com os selos acima. Muito obrigado, Arnoldo! Parabéns e muito sucesso!

UM DESAFIO PELA DAGUI

2010-11-27T05:43:00.002-02:00

Com muita honra o Blog da Cia. De Teatro Atemporal recebeu um desafio da Dagui, do Blog "Amigos do Mania Colorida". Agradecemos, de coração, a nossa querida Dagui, pelo desafio e pelo lindo carinho por nós. Agradecemos também a todos que admiram o Blog de nossa companhia teatral. Procuramos sempre, oferecer a todos o que a arte do teatro pode oferecer de melhor.

1ª O que te levou a criar um Blog?

Criamos este Blog com a finalidade de divulgar os nossos espetáculos, agenda, todo o processo de produção e pós-produção de nossos espetáculos. Além de podermos fazer novas amizades, novas parcerias, promover grandes promoções, como sorteios e concursos para os nossos internautas. Em nosso Blog também postamos grandes artigos e noticias relacionadas a cultura, em especial o teatro. E tem sido muito gratificante, pois o carinho das pessoas para com o nosso Blog é simplesmente excepcional!

2º O que te tira do Sério?

A falta de reconhecimento, oportunidade e burocracias; que os artistas, companhias e grupos de teatro, dança, música, capoeira... sejam profissionais ou amadores, encontram atualmente. é simplesmente lamentável...

3º Você tem alguma mania ou vício?

Uma mania de nossa companhia é ser muito aplicada e dedicada nos trabalhos de nossas produções teatrais.

4º Qual a sua melhor lembrança?

Foi em um ensaio no dia 5 de junho de 2008 ter sido, em acordo com todos os componentes, o nome "Atemporal" ter sido concedido a nossa companhia.

5º Qual o seu maior sonho?

Nós desejamos a Salvação, para cada um de nós, para cada uma das pessoas que nos admiram, nos odeiam e para todos que um dia trabalharam conosco.

6º Se fosse um dinossauro, como se chamaria?

A nossa companhia se chamaria "Tiranossauro Rex" (risos)

7º Qual a personagem de desenho animado gostaria de ser?

Gostariamos de ser o "Doug"

8º Cite uma peça que não pode faltar no seu guarda-roupa e outra que já mais usaria:

O que não pode faltar é a camisa oficial de nossa companhia. O que jamais usariamos... não temos, somos artistas e não podemos fazer nenhhum tipo de restrição de figurino em nosso guarda roupa. (risos)

9º Um lugar que amo:

Amamos o palco.

10º Um Ídolo:

O SENHOR JESUS.

11º Que filme vc amou e recomenda?

Amamos muitos, mas muitos filmes... dentre um que amamos e recomendamos é "Pearl Harbor", de 2001.

12º Qual o último livro que leu?

Varios... Destacamos: "Orixás, Caboclos e Guias: Deuses ou Demônios" do Bispo Macedo.

13º Qual palavra te define?

Fé.

14º. Quantas horas diárias dedica ao blog?

Varia... programamos o nosso Blog para publicar as postagens automaticamente, mas geralmente em média de três a quatro horas diárias, isso umas duas ou três vezes na semana.

15º Quais são seus planos para 2011?

Em 2009 os trabalhos de teatro em nossa companhia foram encerados. Até o momento apenas o nosso Blog está em atividade.

Havia um projeto para que futuramente os nossos trabalhos de teatro retornassem, mas esse projeto foi cancelado neste ano de 2010.

Em 2011, o nosso Blog ficará inativo. E como despedida, publicaremos o fim da serie de estudos e matérias sobre os "Teatros do Mundo", uma matéria especial sobre a "Broadway" e promoções.

16º Se pode-se fazer uma pergunta ao primeiro ministro do teu país o que perguntavas?

Sabe, não perguntariamos nada, apenas diramos para que o primeiro (a) ministro (a) de nosso país colocasse o DEUS vivo no controle de tudo, pois "Feliz a nação cujo Deus é o SENHOR".

DO PAPEL AO PALCO

2010-11-22T00:00:00.002-02:00

Quando começo a escrever um texto, seja ele adulto ou infantil, o processo desde a concepção da idéia até o ponto final no texto pronto, sempre é diferente, a única coisa que não é diferente é o trabalho que dá, muito embora para mim, seja por demais prazeroso. A complexidade de se contar uma história através de diálogos, não é nada fácil.

Depois de muito trabalho e algumas noites mal dormidas, visto que, o sono, volta e meia é atrapalhado pelos conflitos dos personagens e pelo rumo que a história deve tomar, consigo pôr o ponto final.

Pronto, mais um texto terminado. Nada disso! Agora vem a principal parte para mim, a leitura do texto. Minha esposa é a primeira leitora, e que tanto ler e reler meus textos, se tornou a principal crítica deles, e confesso: ela pega pesado. Pois bem, depois de várias leituras, muitas folhas imprimidas e rasgadas, e inúmeras correções ortográficas e de estrutura cênica, tenho o texto pronto, lido e relido. Enfim, mais um trabalho concluído.

Mas, e daí? O que adianta ter o texto concluído sem ter como encená-lo? Pois, texto de teatro só é teatro em cima do palco, de outro modo, não passa de Dramaturgia, não é mesmo? Para quem faz parte de um grupo de teatro, a tarefa acaba sendo facilitada, já para quem não faz, como fazer para ver sua história em cena?

Durante anos, não tinha como divulgar meus textos, apenas mostrava-os para alguns amigos, está certo que sempre tive um certo medo de expor o que eu escrevia, hoje já superado, graças a Deus. Com a internet e os sites de relacionamentos consegui enfim, ter um bom espaço de divulgação para os meus textos, e através desses canais de comunicação, inclusive esse site, pude ver montados dois de meus textos e espalhar o meu trabalho Brasil a fora.

Acontece que me deparei com um dilema que até então não havia dado conta, ceder gratuitamente os direitos de meus textos para vê-los encenados ou cobrar pela cessão desses mesmos direitos? Durante muito tempo, o que eu mais queria era ver meus textos no palco, isto já me bastava, mas, com o tempo, refleti: se quero viver da minha dramaturgia, necessito ter um mínimo de valorização, pois escrever um texto é um trabalho árduo e como tal, merece ser remunerado.

É certo que as dificuldades de se montar um espetáculo são grandes e os incentivos quase nenhum, e que muitas pessoas despendem o seu tempo para fazer teatro em grupos amadores, apenas pela divulgação da arte, e posso atestar que conheço muito bem esse universo, pois por um bom tempo fiz parte de um. Só que acho não haver nenhuma dificuldade em se pagar pelos direitos autorais, pois os mesmos, quase sempre, são pagos através da bilheteria, sem onerar em nada o espetáculo. Então, por quê alguns insistem em não pagar? É claro, que cada caso é um caso, e é certo, que não só eu, mas como outros dramaturgos, não se negarão a liberar a cobrança dos direitos autorais para projetos sociais.

Acredito que, por menor que seja a remunaração pelos direitos autorais, ela é justa e representa um estímulo para todos que se dedicam a dramaturgia, uma arte quase marginal. E contrapondo um ditado popular, nem só de arte vive o homem, ele necessita do pão. E o caminho entre o papel e o palco é longo, difícil e quase sempre sem oportunidades.

Todos nós, que de alguma forma estamos ligados ao teatro, vivemos pela arte, mas seria melhor se todos conseguissemos viver da arte que se faz.

Escrito por Paulo Sacaldassy

Colaborou: Oficina de Teatro; Foto: Espetáculo "Manifiesto de Niños" (2008)

VALE TUDO POR UM PÚBLICO?

2010-11-01T11:44:00.000-02:00

Cada vez mais, as comédias escrachadas, os espetáculos chamados "besteirol", os "stand-up comedy" e coisas do tipo vão ganhando força e angariando cada vez mais público. É fato que o público de hoje em dia anda ávido por comédia, quer o riso fácil. Diz que de tristeza, basta a vida! Mas, será que vale tudo por um público?

Essa é uma dúvida que sempre pairará na hora de se produzir um espetáculo teatral. Optar por um clássico ou algo extremamente dramático ou partir para algo do tipo comédia da qual o público sempre estará disposto a assistir? Afinal de contas, é preciso garantir o leitinho das crianças, não é mesmo? Isso acaba pesado na hora da decisão de quem vive de arte. Que atire a primeira pedra, aquele que nunca teve de realizar um trabalho apenas pelo dinheiro, ignorando a qualidade artística do projeto.

Talvez, o ideal seria conseguir encontrar o equilíbrio e apresentar uma comédia que causasse o riso fácil e tivesse um texto com um pouco mais de profundidade, mas, nem sempre se encontra algo assim. Acontece que tem hora que é bem mais fácil ir na certa e garantir a bilheteria, porque tem vezes que desanima fazer apresentações com diálogos profundos e fazê-las para meia dúzia de gatos pingados.

O fato é que não cabe ficar aqui julgando que quem está certo é quem opta por apresentar comédias escrachadas ou quem prefere clássicos, teorias filosóficas e melodramas. A questão é saber se o artista está disposto a se "vender" para atender a vontade do público. Cada um deve saber o seu preço e o que quer do Teatro.

Por mais que muitos roguem pragas, desconjurem e queiram exorcizar aqueles que preferem " vender" a alma para o capitalismo selvagem, precisa-se medir sem preconceitos, o contexto do trabalho. Não é porque se trata de uma comédia, que não pode ser legal. Radicalismo não faz bem para nenhum dos lados.

É certo que essa questão causa e causará discussões infindáveis e que cada lado tentará mostrar a qualidade de sua arte, muito embora, todos sabemos que tem coisas por aí que chamam de arte, que pelo amor de Deus!... Mas isso é assunto pra depois.

O que não pode ser esquecido é que a opção também é do público. É ele quem está atrás das comédias escrachadas, dos "besteiróis", dos "stand-up comedy". O problema não é único e exclusivo do artista, talvez o público prefira mesmo "emburrecer" ou simplesmente se entreter sem maiores questionamentos e reflexôes.

A verdade sobre esse assunto é que os "don quixotes" do teatro continuarão correndo atrás dos seus moinhos de vento, alguns não tão radicais sobre essa questão, tentarão encontrar um meio termo e outros tantos, que pensam a arte como um simples produto de entretenimento, estarão sempre dispostos a venderem suas almas ao diabo, para poderem contar com o teatro entupido de gente.

Escrito por Paulo Sacaldassy

Colaborou: Oficina de Teatro; Foto: "Greta Garbo Quem Diria…" (2010)

ARTISTA POR COMPLETO

2010-10-25T00:00:00.001-02:00

Vocês hão de concordar comigo que é sempre bom assistir a um espetáculo onde os atores, além de mostrarem uma boa interpretação, são capazes de cantar e dançar com a mesma desenvoltura. Mas, uma coisa eu não consigo entender. Por que é que existe um certo preconceito com quem tenta flutuar entre duas artes, como interpretar e cantar, por exemplo?

São raros os artistas que não sofrem críticas quando resolvem transitar entre uma arte e outra, mesmo mostrando talento e condições para desenvolvê-las com grande desenvoltura.

É sabido que muitos artistas, que não estão preparados para executar uma arte diferente da sua, se aventuram em executá-la, recebendo muitas vezes, até elogios por suas atuações. Mas sabemos também, que muitas vezes, essa troca de arte, como um cantor interpretando, ou um ator cantando, são simples participações para garantir a audiência de certos programas, pois um artista completo que realmente leva a sério ás várias artes que domina, não consegue a mesma exposição.

Quando um ator sem grande expressão, tenta se lançar com um cantor, muitos torcem o nariz, pois duvidam de sua capacidade. O mesmo acontece ao inverso. Quando um cantor sem tanta popularidade, quer enveredar pelo caminho da interpretação, chovem críticas. É esse preconceito que acho estranho. Os artistas populares, podem tudo, mas o artista completo, não pode se dar a esse direito.

Ora, se o artista é completo, não interessa em que arte ele tenha maior visibilidade. O que interessa é que se ele tem talento suficiente para transitar entre várias artes, que o faça. O que podemos fazer é simplesmente aplaudir tamanha desenvoltura e talento.

Por isso, abaixo ao preconceito. Artista completo deve ser respeitado, pois ele não se fecha em torno de apenas uma arte. Não que quem não faça isso seja inferior. Um artista por completo, não tem limites para expor suas emoções, por isso necessita de várias manifestações artísticas. E cá entre nós, um espetáculo feito por um artista completo é muito melhor de assistir, não é mesmo?

Escrito por Paulo Sacaldassy

Colaborou: Oficina de Teatro; Foto: Bastidores do espetáculo "Réquiem" do dramaturgo israelense Hanoch Levin. Fotografado em Maio de 2009 em São Paulo.

O QUE VOCÊ QUER DO TEATRO?

2010-10-18T00:00:00.002-02:00

Muita gente anda procurando o teatro como um meio de conseguir um lugar na televisão, acho isso até interessante, pelo menos é uma forma de aprender um pouco sobre o que se quer fazer. O problema é que muitos já chegam querendo fazer o papel principal, mas não duram mais do que quatro ou cinco ensaios, isto quando não desistem assim que o diretor lhes dá um papel que para eles seja de pouco destaque.

Acho que muitos jovens andam equivocados com a questão do “fazer” teatro, pois, muitos vão atrás de algo que dificilmente encontrarão fazendo teatro. É óbvio que quem tem talento, se sobressai, e consegue até ter uma certa fama, obtendo o respeito e a admiração da classe.

Só que o interesse pela fama, tem causado grandes dificuldades para quem quer fazer teatro. Estou cheio de histórias de diretores que não conseguem realizar um trabalho por falta de elenco, principalmente no meio amador, e isso se deve por conta de algumas pessoas, que simplesmente, querem do teatro, somente a oportunidade de poderem inflar seus egos e mostrar-se perante a alguns amigos, mas, não hora do vamos ver, correm do pau.

Tenho notícias que algumas cidades estão passando por uma crise, principalmente com os grupos amadores de teatro, com muitos mostrando uma enorme falta de qualidade, e um total despreparo de algumas pessoas envolvidas, que acham que só porque já subiram em um palco, são demais! E até se arriscam a dirigir, a escrever e a atuar, sem ter um mínimo de noção do que estão fazendo.

É louvável que muitas pessoas até se esforcem para fazer um trabalho digno, mas o problema, está no propósito. O que você quer do teatro? Com certeza, muitos não saberão responder essa pergunta, e com isso, o que se apresenta como teatro, não passa de um arremedo de caras e bocas, e de uma tentativa frustrante de se mostrar algo que não é merecedor de ser visto.

E quem sofre? Quem realmente leva o teatro a sério, pois acaba sendo colocado do mesmo balaio de gatos, sofrendo as conseqüências, como as críticas generalizadas, a falta de público, até o desdém da população sobre a arte que se faz com todo empenho e dedicação.

Vocês hão de concordar comigo, que não temos como impedir isso, porque cada qual é livre para fazer o que quiser, então, que pelo menos, as pessoas que se acham as tais, procurem obter um pouco mais de informação, se interessem um pouco mais em aprender, e nos façam acreditar naquilo que eles fazem, pois aquele que acha que já sabe tudo, nunca saberá o quanto deixou de aprender.

Ah, quanto o que eu quero do teatro, bom, eu quero no mínimo, poder sentar em um teatro e assistir um espetáculo de verdade, e não, brincadeiras de faz de conta.

Escrito por Paulo Sacaldassy

Colaborou: Oficina de Teatro; Registro de uma das 5 partes de “Os Sertões – O Homem II”, do Teatro Oficina, em sua temporada no Rio de Janeiro. Fotografado no Rio Cena Contemporanea, 2007.

A IMPORTÂNCIA DO TEXTO INFANTIL

2010-10-11T00:00:00.001-03:00

Muito mais do que conter e contar fábulas, um texto infantil para teatro, tem uma função ainda pouco explorada, ou pelo menos, não se vê muita divulgação de sua utilização para esse fim: o de servir como um forte instrumento de apoio pedagógico, auxiliando na educação da criança.

Enfatizar apenas o lado lúdico que o teatro, com toda sua magia, é capaz de passar, é muito pouco para um texto infantil de teatro. Ele pode ser muito melhor explorado, do que ser apenas uma parte de um espetáculo infantil oferecido à criança como passeios em datas festivas.

Utilizar o texto infantil de teatro na sala de aula, servindo-se de suas histórias para trabalhar de maneira mais lúdica, assuntos por vezes difíceis de lidar, até mesmo pela complexidade do tema, a princípio pode parecer que não, mas é sim, um diferencial para a educação infantil.

A pedagogia precisa se ater a esse detalhe, pois o teatro como arte pura e o seu texto infantil utilizados como instrumentos multiplicadores de idéias e, acima de tudo, como facilitadores para trabalhar ações e sentimentos, só tem a acrescentar na melhoria da educação, seja ela de forma informal, ou de forma didática.

Mais e mais fica claro, que não bastam apenas os métodos ortodoxos de educação para ensinar a criança dos dias de hoje, e cada vez mais é preciso se buscar um diferencial para estimular a criança á aprender. E a utilização do texto infantil de um espetáculo teatral caminha neste sentido.

É claro que não é sempre que se pode se utilizar de textos infantis, mesmo porque, ainda são raros, ou de pouco conhecimento, textos que possam servir de fato, como apoio pedagógico. E também, não se deve incorrer no mesmo erro de outrora, forçando a criança a ler vários textos infantis, assim como se fez, e se faz com a literatura, pois assim, corre-se o risco de se obter o efeito contrário.

O texto infantil se faz importante quando ele é usado na medida certa entre o que é lúdico e o que é didático, servindo de estimulo, instigando a investigação, apoiando a pedagogia no dia-a-dia e trazendo para sala de aula, a magia existente no teatro de uma forma natural, para que todos possam usufruir de cada pedacinho da história.

Escrito por Paulo Sacaldassy

Colaborou: Oficina de Teatro; Foto: "A Tempestade e os Mistérios da Ilha" de William Shakespeare, em uma montagem voltada para o público infantil. Porto Alegre em Cena, 2007.

PROGRAMA ATEMPORAL

2010-10-08T04:23:00.002-03:00

O escritor espanhol Juan Mayorga conquistou o prêmio Max de Melhor Autor Teatral pelo texto Hamelin, de 2005. No Brasil, a obra já ganhou algumas adaptações para o teatro e agora reestreia no Rio de Janeiro, no Teatro Glaucio Gil. Hamelin explora o tema da pedofilia. A peça possui direção de André Paes Leme e atuação de Vladimir Brichta, Alexandre Mello, Oscar Saraiva, Cláudia Ventura, Patrícia Simões e Alexandre Dantas.

A trama se desenvolve a partir de uma acusação de abuso infantil. O juiz do caso está determinado a provar que um importante membro da sociedade é culpado pelo ato contra uma criança. Entretanto, ao passar da investigação, ele se depara com a dificuldade de distinguir o bem do mal.

A montagem revela a impotência da sociedade em proteger a inocência das suas crianças e a impossibilidade de se chegar a uma única conclusão quando as palavras são tudo o que se tem para apurar a verdade.

Ficha Técnica

Espetáculo: Hamelin

Elenco: Vladimir Brichta, Alexandre Mello, Oscar Saraiva, Cláudia Ventura, Patrícia Simões e Alexandre Dantas

Texto: Juan Mayorga

Tradução: Patrícia Simões e António Gonçalves

Direção: André Paes Leme

Foto: Divulgação

Serviço

Temporada: Até 31 de outubro de 2010.

Horário(s): Sexta e Sábado, às 21:00hs; Domingo, às 19:00hs.

Local: Teatro Glaucio Gil

Endereço: Praça Cardeal Arcoverde s/n - Copacabana - Zona Sul - Rio de Janeiro, RJ.

Telefone(s): (0**21) 2547 7003

Ingresso(s): R$ 20,00

O espetáculo Comício Gargalhada leva ao palco um verdadeiro comício eleitoral. Em cartaz no Centro Cultural Anglo Americano, a comédia é interpretada pelo ator Rodrigo Sant´Anna, que atua no humorístico Zorra Total, da rede Globo.

Em seu primeiro monólogo, o ator vive sete personagens diferentes, que tentam conquitar o voto do "eleitorado": Adimílson, Adelaide - a favelada, Vanderley das Almas, Sara-menininha, Frango de Padaria, Homossexual Obeso e São Jorge.

Entre um personagem e outro, Rodrigo ainda encontra espaço para histórias engraçadas de sua vida, no estilo stand-up comedy. O ator escreveu, dirigiu e atuou na peça Os Suburbanos, que fez sucesso no Rio em 2005.

Serviço

Temporada: Até 31 de outubro de 2010.

Horário(s): Sexta e sábado, ás 21h30hs; aos domingos, ás 20h30hs.

Local: Centro Cultural Anglo Americano

Endereço: Avenida das Américas, 2603 - Barra da Tijuca - Zona Oeste - Rio de Janeiro, RJ.

Telefone(s): (0**21) 2439-8002

Ingresso(s): R$ 30,00

Até o dia 10 de outubro, o Teatro Municipal do Jockey apresenta A Devolução Industrial, do grupo brasiliense Circo Teatro Udi Grudi. A peça mescla música e engenhocas criativas para contar a evolução do mundo e da raça humana.

A direção é de Leo Sykes e o elenco é formado pelos atores Luciano Porto, Marcelo Beré e Joana Abreu. A montagem está em cartaz no Teatro do Jockey até domingo, depois de ter passado por Brasília, Goiânia, Porto Alegre e São Paulo.

Serviço

Temporada: Até domingo, dia 10 de outubro de 2010.

Horário(s): Sábado e domingo, ás 18h30hs.

Local: Teatro Municipal do Jockey

Endereço: Av. Bartolomeu Mitre, 1110 - Leblon - Zona Sul - Rio de Janeiro, RJ.

Telefone(s): (0**21) 2540-9853

Ingresso(s): R$ 20,00

EXPOSICÃO

Chão, Parede e Gente

A exposição do artista plástico carioca Raul Mourão, apresenta esculturas pela primeira vez no Rio quatro esculturas cinéticas em aço da recente série Balanço. Nesta série o espectador é convidado a mexer nas formas geométricas criadas pelo artista e modificar o formato delas, sempre equilibrando-as.

Toda a mostra é inspirada em um espetáculo acrobata da companhia carioca Intrépida Trupe, que em um de seus espetáculo interage com esculturas. Cada obra exposta, quando acionada, tem um tempo específico de movimento. Essa série foi iniciada em 2009 e já teve obras expostas em individuais em Porto Alegre e em São Paulo.

Raul Mourão, artista que produz desenhos, esculturas, vídeos, fotografias, textos, instalações e performances, nasceu em 1967 e estudou na Escola de Artes Visuais do Parque Lage. A exposição estará em cartaz até 29 de outubro, na galria Lurix Arte Contemporânea.

Exposicão: Chão, Parede e Gente

Local: Galeria Lurixs Arte Contemporânea - Rio de Janeiro/RJ

Endereço: Rua Paulo Barreto, 77 - Botafogo - Rio de Janeiro/RJ

Datas: Até 29 de outubro de 2010.

Horário(s): Segunda a sexta, 14h às 19h; sábado, 14h - mediante agendamento prévio por telefone

Telefone(s): (0**21) 2541-4935

Ingresso(s): GRATUITO

OS DONOS DO TEATRO

2010-10-04T00:00:00.001-03:00

Sempre se pregou a popularização do teatro, o que já está mais do que na hora de acontecer, pois não pode ser admissível uma arte tão popular ser de tão difícil acesso para as pessoas mais carentes. E não é só isso. Como pode pessoas que fazem do teatro um sacerdócio, não conseguirem verbas para realizarem seus projetos?

Uma pena, não é mesmo? Hoje o teatro até tem um espaço maior da mídia, principalmente a televisiva, mas somente meia dúzia de produtores capitalistas tem acesso às verbas para seus projetos teatrais. Não me parece ser esse o melhor modelo de popularização, certo?

Mesmo porque o teatro não tem dono e não pode ficar nas mãos de meia dúzia de pessoas que na verdade, não estão interessadas, de fato, no bem do teatro, ou na importância que o teatro tem, pensam eles, somente em lucros, lucros e lucros.

Dizem pois, que eles se beneficiam da lei, sorte que a lei está sendo revista. Torcemos que seja para melhor. Que contemple mais os quatro cantos deste país imenso e não só as capitais, mesmo porque no interior também se faz teatro, e dos bons. E o que é pior, sem verba nenhuma.

O teatro sempre foi uma arte para ser compartilhada com todas as camadas sociais. O que adianta se fazer um teatro popular desse jeito? Produções grandiosas com ingressos altíssimos e lucros ainda maiores. Tudo produzido com verba pública, mas povo, ó!

Teatro se faz nas escolas, nas comunidades carentes, de forma amadora. Teatro é feito na raça, é feito de graça, é feito sem verba. Teatro é feito para entreter, é feito para educar, é feito para formar. E mesmo sem recursos e sem apoios, ele se fará presente.

O teatro não precisa de donos. Teatro precisa de verbas divididas igualmente à todos os artistas. Do Oiapoque ao Chuí. De Corumbá a Vitória. Não precisa destes poucos produtores capitalistas, pseudo-interessados na arte. Mesmo porque, o teatro não precisa de migalhas, pois quem faz teatro, sempre come o pão que o diabo amassou para colocar seu espetáculo em cartaz.

Escrito por Paulo Sacaldassy

Colaborou: Oficina de Teatro; Foto: "Aqueles Dois" Adaptação da Cia. Teatral Palhaços Noturnos para o conto de Caio Fernando Abreu. Fotografado no FIT Rio Preto, 2008.

PROGRAMA ATEMPORAL

2010-10-01T03:08:00.002-03:00

Comemorando 25 anos de sua vida com atriz, Ana Beatriz Nogueira estrela a peça Tudo o que eu queria te dizer, baseada no livro homônimo de Martha Medeiros, em cartaz no Centro Cultural Correios.

Com direção de Victor Garcia Peralta, a trama mostra como a comunicação estabelecida por meio de cartas, em tempos atuais, é algo quase extinto. A reflexão e os estímulos à comunicação por correspondências manuscritas compõem o espetáculo, a partir da interpretação de cada uma das cartas.

Seis cartas publicadas no livro de Martha Medeiros servem de mote para o ínicio da trama. Em cena, o público acompanha as entradas e saídas de cada personagem, o relato de pessoas que nunca se viram e nem vivem na mesma cidade, mas que possuem em comum o fato de carregarem uma bagagem muito parecida, constituída por dores de cotovelo, mágoas, medos e vontade de mudar de vida.

Serviço

Temporada: Até 24 de outubro de 2010.

Horário(s): Quinta a domingo, às 19:00hs.

Local: Centro Cultural Correios

Endereço: Rua Visconde de Itaboraí, 20 - Centro - Rio de Janeiro, RJ.

Telefone(s): (0**21) 2253-1580

Ingresso(s): R$ 20,00

Em Mordendo os Lábios, uma aeromoça aposentada, amiga fiel e mãe de FELIX, seu filhinho querido, que é namorado de ELEONORA, uma garota descolada e grande amiga de seu pai SAMUEL, um bom chefe de família e um sedutor advogado. Duas famílias que se encontram, duas gerações de cariocas da gema, pai X mãe e filho X filha tomam conta da cena, enquanto a platéia morde seus lábios.

Ficha Técnica

Espetáculo: Mordendo os Lábios

Elenco: Hamilton Vaz Pereira, Lena Brito, Bianca Comparato e Ivan Mendes

Texto, música e direção: Hamilton Vaz Pereira

Foto: Divulgação

Serviço

Temporada: Dia 2 e 3 de outubro de 2010.

Horário(s): Sábado, ás 20:00hs e domingo, às 19:00hs.

Local: Teatro Municipal Raul Cortez

Endereço: Praça do Pacificador, s/nº - Centro - Duque de Caxias, RJ.

Telefone(s): (0**21) 2771-3062

Ingresso(s): R$ 20,00 (INTEIRA), R$ 10,00 (MEIA) E R$ 5,00 (ANTECIPADO)

A peça Os Sonhos de Tom e Théo conta a história de dois irmãos que aprenderam a se divertir dentro de seus próprios sonhos. A trama acontece em torno do fato de que toda criança já sentiu vontade de vivenciar seus sonhos e pesadelos.

Na medida em que Tom e Théo descobrem como podem vivenciar as experiências dos sonhos, eles passam a conviver com diversos personagens, como o Rei e a Rainha, o Homem da Capa Preta e um misterioso Mapa do Tesouro. Esse espetáculo promete levar muita magia, encantamento e diversão para todas as crianças.

Ficha Técnica

Espetáculo: Os Sonhos de Tom e Théo

Elenco: Bruno Zukoff e Joanna Justen

Texto: Arnaldo Miranda

Direção: Filippe Néri

Foto: Andrea Rocha

Serviço

Temporada: Até 31 de outubro de 2010.

Horário(s): Sábado e Domingo, às 16h.

Local: Teatro Sesi

Endereço: Avenida Graça Aranha, 1 - Centro - Rio de Janeiro, RJ.

Telefone(s): (0**21) 2563-4163 / 2563-4168

Ingresso(s): R$ 20,00

EXPOSICÃO

Keith Haring - Selected Works

A exposição fica em cartaz na galeria 3 da Caixa Cultural até o dia 28 de novembro de 2010. A mostra traz 94 obras inéditas do artista no Brasil.

Após o em São Paulo, onde cerca de 38 mil pessoas foram à exposição ao longo de 5 semanas, a estimativa é de que 50 mil pessoas possam ver as criações dentro de oito semanas.

A exposição, que tem produção e ciradoria da norte-americana Sharon Battat, revela a obra de um dos ícones da cultura underground da Nova Iorque dos anos 80. No total são 55 serigrafias, nove gravuras, 29 litografias e uma xilogravura feitas por Keith.

Haring já esteve no Brasil em diversas ocasiões, tendo participado da Bienal Internacional de São Paulo em 1983. Além da exposição, acontece uma série de workshops de pinturas e desenhos para crianças com artistas locais.

Keith Haring se destacou por suas criações fortes, democráticas e despretensiosas, cheias de mensagens de vitalidade e união. Seu trabalho é facilmente reconhecido pelas linhas grossas, cores vibrantes e figuras características. Antes de falecer, no início da década de 1990 após contrair o vírus do HIV, Keith criou uma fundação, ajudou programas infantis e utilizou seu nome para divulgar alertas sobre a prevenção da doença.

Exposicão: Keith Haring - Selected Works

Local: Caixa Cultural - Rio de Janeiro/RJ

Endereço: Avenida Almirante Barroso, 25 (Próximo à estação Carioca do Metrô) - Centro - Rio de Janeiro/RJ

Datas: Até 28 de novembro de 2010.

Horário(s): De terça a sábado, 10h às 22h; aos domingos, das 10h às 21h.

Telefone(s): (0**21) 2544-4080 / 2544-7666

Ingresso(s): GRATUITO

CASA DA ARTE DE EDUCAR

2010-09-30T04:53:00.001-03:00

O Grupo Capoeira Cultura Viva esteve na Casa da Arte de Educarm no bairro da Mangueira, Zona Norte da cidade do Rio de Janeiro para conferir de perto o belo trabalho que eles desenvolvem junto as 240 crianças (da Mangueira e de Vila Isabel) com faixa etária de 06 e 16 anos. A Casa da Arte foi fundada e formalizada entre 2004 e 2005 pela Sra Suelí de Lima.

O grupo ficou muito contente e encantado com tudo o que viu e ouviu por lá! O carinho e o respeito que a Instituição tem com as crianças, e até com o Capoeira Cultura Viva que estive por lá o dia inteiro ( fotografando, filmando e colhendo depoimentos ) foi simplesmente fantástico! Por isso todos nós estamos satisfeitos em ver que a capoeira pode e deve fazer parte de projetos como este, e poder observar mais uma vez de perto a alegria e o encantamento das crianças com a arte capoeira.

Além da capoeira a Casa da Arte oferece também as crianças apoio escolar e uma gama de outros benefícios culturais.

A Instituição recebe o apoio do:

Ministério da Cultura

Secretaria da Cultura

UNESCO

UNICEF

Rede Globo / Criança Esperança

Para saber mais sobre a Casa da Arte, acesse:

http://www.artedeeducar.org.br/mangueira.html

"Instrutor Kong e a Coordenadora do Projeto Casa da Arte da Mangueira"

"O nosso Projeto é um trabalho continuado em busca da educação das crianças, a Casa da Arte ensina, educa busca fornecer o lazer fazendo com que a criança sinta vontade de estar aqui, arte e educação.

A capoeira entra como desafio, colocar a capoeira no projeto como a arte que educa.

O Carlos (Instrutor Kong do Grupo Capoeira Cultura Viva) merece nota 10 e consegue chegar ao objetivo esperado pela nossa instituição, estamos muitos satisfeitos com ele aqui."

Rose Carol, ou Carol como é chamada pelas crianças do projeto é moradora da comunidade Mangueira e demonstrou muito orgulho disso ao nos levar até a sua casa, em seu terraço para tirar a foto para o Blog. Ela disse que se era para tirar foto, que fosse então com a imagem das casas da comunidade ao fundo, dando um grande sorriso para a foto! Parabéns, Rose Carol! Pela simpatia e pelo trabalho realizado, é de pessoas como você e a Fundadora Sueli de Lima que o Brasil precisa!

Confira alguns depoimento dos alunos do Instrutor Kong beneficiados pelo Projeto:

"Faço capoeira para ocupar meu tempo, a minha mente e desenvolver a saúde do meu corpo, eu gosto muito de capoeira! O Kong é legal, e quando está explicando e a gente não entende, ele explica de novo, e faz isso brincando. E a Carol é muito legal também me ajuda na escola, arruma passeios para irmos, -Lugares que eu nunca fui e acho que nem iria, e graças a ela eu fui e conheci. Ela tem projetos pensando no nosso futuro!" - Samara Limeira da Silva, 11 anos.

"Faço capoeira porque gosto, me ajuda a movimentar o corpo, coordenação. O Kong é muito legal, o modo de ensinar é bacana, a capoeira é um pouco difícil mais se eu continuar a treinar um dia vou achar fácil.(Risos). E a Carol é muito boa, faz muita coisa para nos ajudar ela é carinhosa!" - Amanda Domingos Antonio, 12 anos.

Da esquerda para direita Emerson P. Santos, 11 anos, Vinícius M. de França, 12 anos e Lorran K. S. dos Santos, 11 anos.

Emerson: "A capoeira ajuda a minha saúde, eu gostou muito mesmo, e fico treinando em casa tudo que o Kong passa na aula, e pretendo ficar velho jogando capoeira! E a Carol é quem ajuda a aprender mais, quando tenho dúvidas na escola ela explica até entender, eu gosto muito dela."

Vinícius: "A capoeira me ajuda na escola também, disciplina, o Kong é maneiro tem paciência e sempre tem novidades, e a Carol está sempre pensando em todos e eu agradeço a ela por tudo!"

Lorran: "A capoeira representa muita coisa boa para mim, vou continuar na capoeira até quando puder... O Kong tem muita paciência e nos deixa feliz! A Carol é bacana mais também é muito exigente, mais é para o nosso bem, e ela tem sempre muitas idéias!"

A foto acima com o olhar desta criança nem precisa de comentários! Lindo!

Se você deseja trazer a arte de capoeira para sua escola ou instituição, envie um e-mail para: capoeiraculturaviva@gmail.com para maiores informações.

Material cedido gentilmente pelo Grupo Capoeira Cultura Viva á Cia. De Teatro Atemporal, para divulgação.

Texto e fotos: Luciane Santiago

O MEDO DA REPETIÇÃO

2010-09-27T00:00:00.011-03:00

Quem escreve, uma hora ou outra, acaba vivendo esse grande dilema: Por mais criatividade que se tenha, sempre parece que algo está se repetindo. Mesmo que tenha ali toda a sua verdade, sempre fica a sensação de "déjà-vu". E é aí que bate aquele baita medo da repetição. Então a gente se pergunta: Será que perdemos a mão para coisa?

Como falar sobre o mesmo assunto que já foi dito e feito de frente para trás e de trás para frente e de inúmeras formas? E quando você já escreveu várias histórias? Parece até que a coisa fica ainda pior. O medo da repetição não se resume apenas ao texto, até a maneira de contar a história, as personagens, os diálogos e o formato, tudo assusta.

A cada início de uma nova aventura, ou melhor, antes mesmo de começar a escrever a primeira linha, esperando usar toda a criatividade com o propósito de contar uma história que valha a pena ser contada e seja ao mesmo tempo singular, apesar de nada mais ser novidade, o fantasma se coloca ao nosso lado e, dar o pontapé inicial é uma luta.

É..., a vida de escritor não é nada fácil. Talvez muito mais difícil que alguém possa imaginar. Quem vê o espetáculo pronto, nem imagina o quanto sacrificante foi á criação daquele texto. Quantas barreiras tiveram de ser transpassadas até o seu ponto final. E, se não bastasse todo o processo criativo, ainda tem essa luta incansável com o medo da repetição. E depois, ainda vem um crítico de arte e diz: "O texto é cheio de clichês". As favas com a opinião da crítica.

Eu quero é, a cada nova história, vencer esse meu medo da repetição e procurar acima de tudo, contar a cada história cujo tema já tenha sido exaustivamente tratado, da maneira mais criativa possível e dentro da mais absoluta entrega. Procurando passar, da minha maneira, o que minha experiência pode filtrar. Esperando transmitir a minha visão, independente do que possam achar, mas torcendo para atingir o meu objetivo.

É certo que o meu jeito de escrever, de contar, de organizar as idéias, é único, e vai estar sempre em todas as minhas histórias, quer eu queira ou não. Só que isso não pode ser tratado como repetição, e sim, representar o meu estilo, a minha marca. Todo escritor tem o seu jeito de escrever. E nem comigo e com ninguém, vai ser diferente. Por isso, eu digo: Xô! Medo da repetição!

Ufa!... Parece que tirei um peso das minhas costas. Pronto! Passado esse momento em que exorcisei esse fantasma que andava me incomodando nos últimos dias, posso voltar a escrever o meu novo texto infantil: A caixinha de Dora. Aguardem!

Escrito por Paulo Sacaldassy

Colaborou: Oficina de Teatro; Foto: "A Tempestade e os Mistérios da Ilha" de William Shakespeare, em uma montagem voltada para o público infantil. Porto Alegre em Cena, 2007.

SELO

2010-09-22T02:44:00.007-03:00

A Cia. De Teatro Atemporal recebeu mais um maravilhoso selo da Bela, Vanessa Monique do Blog "Altos Babados!" A companhia está honrada e muito, muito feliz com tamanha lembrança e carinho desta bela menina, que é fantástica! Obrigado a você, Vanessa e a todos que admiram o Blog da Cia. De Teatro Atemporal. Neste selo, a companhia deve dizer 9 coisas sobre ela:

Nossa companhia começou no segundo semestre de 2007, na Escola Municipal Juliano Moreira, no bairro do Pechincha, Jacarepaguá/RJ;
Para nomear a companhia, o nome "Atemporal" foi sugerido por Serginho Clemente, em um ensaio da mesma no dia 5 de junho de 2008, a idéia surgiu após Clemente ter ouvido algumas vezes a música "Atemporal" da Banda Catedral;
O nome Atemporal nos faz de fato sermos Atemporais, que significa: Que transitamos no tempo sem necessariamente pertencer ao passado, futuro ou presente;
Trabalhamos com todos os gêneros teatrais, desde a pantomima ao infantil;
Odiamos a expressão "merda" no teatro;
Temos fãs, admiradores e amigos, em todos os continentes do mundo;
Defendemos o Meio Ambiente;
Apoiamos o Instituto Ressoar e a Rede Record de Televisão;
Os trabalhos da Cia. De Teatro Atemporal pararam no final de outubro de 2008, porém muito em breve, a companhia retomará os seus trabalhos.

MARGINAL OU POPULAR?

2010-09-20T00:00:00.002-03:00

O teatro sempre foi considerado uma arte marginal. Um ambiente freqüentado por desocupados, prostitutas, homossexuais e ébrios boêmios, onde, aos filhos de uma sociedade, não lhes era permitido freqüentar. E, por muito tempo, fazer parte de um grupo de teatro, dava este rótulo para quem o fazia.

Passava longe das cabeças de uma sociedade pequeno burguesa, que teatro fosse algo maior, algo que engrandecesse o ser humano como pessoa, e que a arte de interpretar podia ser algo desfrutada por todos. E na esteira deste rótulo de marginalidade, o teatro seguiu e, resistente como ele só, aos poucos, foi vencendo as barreiras do preconceito.

Hoje em dia, é certo que, muito por conta do sucesso das telenovelas, essa imagem do teatro deixou de ser assim, tão marginal, pois, interessados no sucesso como futuras celebridades de uma próxima novela, pais incentivam os seus filhos a freqüentarem o ambiente do teatro, dando-lhe então, um caráter cada vez mais popular.

Mas, a essência marginal permanece nos arredores de alguns poucos grupos, que ainda preferem que seu teatro seja reconhecido pela sociedade como uma arte marginal, mesmo que entre os seus freqüentadores, não circulem mais, nenhum dos estereótipos de outrora, pois a idéia de fazer um teatro popular acaba indo de encontro a alguma de suas convicções.

Pontos de vista diferentes para uma mesma arte, marginal ou popular, o que deve sim ser deixado de lado, é essa coisa preconceituosa de que teatro de verdade tem que ser marginal. A arte de interpretar tem que ser o “x” da questão, a forma pela qual cada um vai se dispor a passar sua mensagem, pouco importa.

Nos tempos de agora, burgueses e marginais, cada qual sabe muito bem o quão o teatro é importante como instrumento enriquecedor da alma humana, e não cabe tratar com desdém, nem o lado “A”, nem o lado “B” de uma mesma arte, pois já bastou todo o preconceito enfrentado por aqueles que encararam os olhares tortos de uma sociedade, para fazerem do teatro, uma arte realmente popular, na verdadeira concepção da palavra.

O teatro é a arte do povo, seja ele marginal ou não, pois, em cima do palco, pouco importa a origem do ator.

Escrito por Paulo Sacaldassy

Colaborou: Oficina de Teatro; Foto: Registro do ensaio aberto de "Bandidos" do Teatro Oficina Uzyna Uzona em 1 de julho de 2007.

PROGRAMA ATEMPORAL

2010-09-17T03:48:00.000-03:00

Novo projeto do Teatro Trupiniquim, o premiado texto da baiana Cláudia Sampaio Barral conta a história de um amor num sertão margeado pelo “Velho Chico”, o Rio São Francisco; "Sob o céu que torna tudo uma possibilidade".

A história das irmãs Teresa, Carminha e Madalena é contada pela trupe, trazendo o riscado do destino destas mulheres, seus segredos e seus amores... que seguem com as águas do rio.

O jogo teatral e toda a proposta visual emergem da cultura popular do sertão, seus festejos, suas danças típicas, seus cordéis e da figura do brincante.

Ficha Técnica

Espetáculo: Cordel do Amor Sem Fim

Elenco: Bruno Peixoto, Karol Schittini, Lita Sahun, Márcio Sam, Renata Andrade

Músicos: Antonio Escobar, Antonio Moreira, Daniel Ilê, Flávia Marina, Vinicio Andrade

Direção de Cena: Aline Fontenelle

Direção de Arte: Alexandra Arakawa

Fotos: Alexandra Arakawa

Serviço

Temporada: Sábado, dia 18 de setembro de 2010

Horário(s): Ás 16hs

Local: Centro Cultural Parque da Ruínas

Endereço: Rua Murtinho Nobre, 169 - Santa Teresa - Centro - Rio de Janeiro/RJ

Telefone(s): (0**21) 2252-1039

Ingresso(s): GRATUITO.

O espetáculo A Caolha é o novo musical da Cia. Dramática de Comédia e foi baseado no conto homônimo de Júlia Lopes de Almeida, escritora, abolicionista, conferencista e uma das pioneiras na defesa dos direitos femininos.

A peça é inspirada nos melodramas circences do início do século 20 e conta a história de uma mulher e de seu filho Antonico. A personagem central da trama é deficiente, discriminada e cria sozinha seu filho.

Com composições de João Batista em parceria com Marcelo Alonso Neves, A Caolha destaca a mulher que, por seu aspecto, causava medo nas crianças e repulsa aos adultos. Na trama, conforme vai crescendo o pequeno Antonico substitui o amor que sente pela mãe por sentimentos de repugnância e revolta, após ficar conhecido como "o filho da caolha".

Ficha Técnica

Espetáculo: A Caolha

Elenco: Sonia Praça, Giselda Mauler, Cleiton Rasga, Péricles Amim, Julia Deccache, Leonardo Miranda, Conrado Cavalcante

Texto: Júlia Lopes de Almeida

Adaptação e Direção: João Batista

Direção Musical: Marcelo Alonso Neves

Foto: Divulgação

Serviço

Temporada: Até 26 de setembro de 2010.

Horário(s): De quinta a domingo, às 21h.

Local: Teatro Municipal do Jockey

Endereço: Rua Bartolomeu Mitre, 1110, Gávea - Zona Sul - Rio de Janeiro/RJ

Telefone(s): (0**21) 2540-9853

Ingresso(s): R$ 20,00.

Céu e Branca são dois jovens que se parecem muito um com o outro e, apesar de estudarem na mesma sala e no mesmo colégio, nunca haviam se visto antes. Um dia, porém, se trombam no corredor da escola e finalmente percebem a incrível semelhança.

Deste encontro, surge uma longa e agradável conversa, onde os personagens se dão conta de que têm muitas coisas em comum. Inevitável: entre um assunto e outro, nasce uma grande paixão.

O problema está exatamente aí. Apaixonada por Céu, Branca tenta fugir do rapaz, temendo que ele lhe faça sofrer. No enredo, o expectador é transportado a uma emocionante experiência com muita música, romance e diversão.

Serviço

Temporada: De 17 de setembro á 14 de novembro de 2010.

Horário(s): Sexta e sábado, ás 21h; Domingo, ás 19h30.

Local: Centro Cultural Anglo Americano

Endereço: Avenida das Américas, 2603, Barra da Tijuca - Zona Oeste - Rio de Janeiro/RJ

Telefone(s): (0**21) 2439-8002

Ingresso(s): R$ 40,00.

EVENTO

EncontrArte

Começou no dia 15 e vai até o dia 25 de setembro de 2010 o Encontro de Artes Cênicas da Baixada (Encontrarte), evento que terá dezesseis montagens apresentadas ao público gratuitamente, nesta que será a nona edição de um dos mais importantes eventos culturais da Baixada Fluminense do Rio de Janeiro.

Ciente do desafio, os realizadores defendem a importância dessa iniciativa voltada para as companhias teatrais e para a democratização do acesso à cultura. As entradas serão gratuitas, e as apresentações ocorrerão no Teatro do SESC de Nova Iguaçu e no Espaço Cultural Sylvio Monteiro.

Nos últimos nove anos, o EncontrArte teve a participação de 70 espetáculos de grupos da Baixada Fluminense, 64 espetáculos das demais regiões do estado do Rio de Janeiro e quatro grupos de outros estados do Brasil. Em sua última edição, ano passado, mais de 10 mil pessoas assistiram às peças.

Evento: EncontrArte

Local: Espaço Cultural Sylvio Monteiro - Nova Iguaçu/RJ

Endereço: Rua Getúlio Vargas, 51 - Centro - Nova Iguaçu/RJ

Datas: Até 25 de setembro de 2010.

Horário(s): Diariamente ás 10hs, 16hs, 19hs e 20hs

Produção: Claudina Oliveira, Éverton Mesquita, Fábio Mateus, Mário Marcelo e Tiago Costa.

Telefone(s): (0**21) 2698-1601

Ingresso(s): GRATUITO

SELOS

2010-09-14T02:28:00.001-03:00

Amor e Amizade de Silviah Carvalho, do Blog Um coração que ama!

Prêmio Blog de Ouro - Eu Admiro Este Blog de Malu Medeiros, do Blog Apenas um Cadinho de Poesia ...

O PESO DA INTERPRETAÇÃO

2010-09-13T00:00:00.001-03:00

Ao abrir as cortinas do palco, nem sempre a surpresa é agradável, pois não é sempre que temos a felicidade de nos deliciarmos com a magnitude de uma boa interpretação. Sendo o teatro a arte do ator, o peso de uma interpretação é tudo.

Pouco importa o excelente figurino, o cenário deslumbrante, um texto primoroso, o que interessa é ver a entrega do ator em cena. E também, pouco importa se o espetáculo é um drama, uma comédia, ou um espetáculo infantil. O ator tem de ser pleno e absoluto em cena.

O ator tem de se entregar de corpo e alma, ser visceral, buscar nas entranhas, a melhor parte que a personagem solicitar. Não bastam caras e bocas, jeitos e gestos estereotípicos e micagem em cima do palco, nada disso convence e, põe a perder qualquer excelente produção.

A interpretação é a parte mais importante dentro de um espetáculo, pois é ele que conta a história, que sente a história, que vive a história, por isso, precisa mergulhar até o fim do poço a fim de conhecer o seu personagem. O ator deve e tem de colocar o seu peso na interpretação, assim é que se conhece um bom ator.

Tudo tem de ser meticulosamente cuidado, a voz, o andar, o falar, o jeito de se vestir... tudo isso, junto e misturado, vai construir a personagem que sustentará qualquer história, mesmo aquelas rasas e sem pretensões. E isso vale para qualquer ator que esteja em cena.

Não cabe a justificativa pífia de que por ter apenas duas ou três falas em cena, não é preciso todo esse emprenho, muito pelo contrário. Há situações que essas duas ou três falas fazem a diferença de uma história. E imagine você: A grande chance de mostrar o seu potencial está em duas ou três falas, e você, talvez por se achar mais do que seja, desperdiça?

O ator é uma profissão que precisa ser levada a sério, até mesmo nos ensaios, aliás, é nos ensaios que um ator precisa se dedicar e caminhar em busca da melhor interpretação, pois, é nos ensaios que ele vai conhecendo pouco a pouco, o quanto o peso ele terá no espetáculo. Para aí sim, quando se der o abrir das cortinas, faça da sua interpretação um motivo de admiração.

Escrito por Paulo Sacaldassy

Colaborou: Oficina de Teatro; Foto: Registro do ensaio aberto de "Bandidos" do Teatro Oficina Uzyna Uzona em 1 de julho de 2007.

PROGRAMA ATEMPORAL

2010-09-10T01:19:00.002-03:00

Nova comédia estrelada por Cláudia Jimenez, Mais Respeito Que Sou Tua Mãe é inspirada no blog do jornalista argentino radicado em Barcelona Hernán Casciari. Publicado em formato de novela na internet, o diário virtual ganhou notoriedade ao ser eleito em 2005 o melhor blog do mundo pelo canal de TV Deutsche Welle International.

A trama se passa em uma casa modesta do subúrbio, onde mora a esforçada dona de casa Esmeralda Silva. A peça retrata a briga da mulher com a crise econômica. Com 50 anos de idade, Esmeralda anda preocupada com o desemprego do marido, com o sogro que planta maconha em casa e com os três filhos adolescentes às voltas com a puberdade.

Ela ainda tem que lidar comos sintomas típicos da menopausa e com os embates domésticos que tantas vezes surgem entre quatro paredes.

Ficha Técnica

Espetáculo: Mais Respeito Que Sou Tua Mãe

Elenco: Cláudia Jimenez, Ernani Moraes, Henrique César, Frank Borges, Gabriel Borges, Sara Freitas, Séfora Rangel

Texto: Hernan Casciari

Versão Teatral: António Gassala

Direção: Miguel Falabella

Produção: Sandro Chaim

Cenografia: José Dias

Figurinos: Sônia Soares

Trilha Sonora: Leandro Lapagesse

Serviço

Temporada: Até 19 de dezembro de 2010.

Horário(s): De Quinta a sábado, 21h; Aos domingos, 20h.

Local: Teatro do Leblon - Sala Marília Pêra

Endereço: Rua Conde Bernadote, 26, Leblon - Zona Sul - Rio de Janeiro/RJ

Telefone(s): (0**21) 2529-7700

Ingresso(s): R$ 70,00 (quinta e sexta); R$ 80,00 (sábado e domingo).

Estréia hoje no Teatro Solar de Botafogo o espetáculo Os Dragões, adaptação de Fernanda Boechat e Renato Farias para o livro Os Dragões Não Conhecem o Paraíso, de Caio Fernando Abreu. Com este monólogo dramático, a Companhia de Teatro Íntimo comemora cinco anos de atividade.

A trama apresenta uma personagem mergulhada em memórias que reflete sobre o amor e suas correlações com o sexo, a morte, o abandono, a alegria, o medo e a loucura. A proposta do grupo é de fazer uma teatro intimista.

Para consolidar esse aspecto, a atriz expõe a intimidade dos seus sentimentos, lida com a verdade do que fala e se expressa com extrema sinceridade. A trilha sonora original é elemento marcante da peça e é toda produzida pelo baterista e produtor musical Pupillo, integrante da banda Nação Zumbi.

Ficha Técnica

Espetáculo: Os Dragões

Texto: Caio Fernandes de Abreu

Adaptação: Fernanda Boechat e Renato Farias

Direção: Renato Farias

Cenário: Melissa Paro

Figurino: Tânia Oliveira

Trilha Sonora Original: Pupillo

Iluminação: Jathyles Miranda

Preparação Vocal: Jorge Luis Cardoso

Realização: Cia. do Teatro Íntimo

Foto: Carol Beiriz

Serviço

Temporada: De 10 de setembro a 17 de outubro de 2010.

Horário(s): Sexta e sábado, 21h; domingo, 20h.

Local: Teatro Solar de Botafogo

Endereço: Rua General Polidoro, 180, Botafogo - Zona Sul - Rio de Janeiro/RJ

Telefone(s): (0**21) 2543-5411

Ingresso(s): R$ R$ 30,00.

Até domingo (12/09/10) o teatro Nelson Rodrigues, na Caixa Cultural, recebe a peça Casting, que foi inspirada na obra de Aleksandr Gálin. A montagem lida, de forma bem-humorada, com questões do meio artístico e dilemas morais.

A história se passa em uma província russa, onde são anunciados testes para mulheres com habilidades artísticas para um espetáculo produzido em Cingapura. Tais atividades se desenrolarão em um cinema abandonado, onde as moças e seus maridos descobrirão que tal montagem não é tão inocente quanto pensavam.

Dirigido por Marco Antônio Rodrigues, o elenco conta com o ator global Caco Ciocler, além de Aline Moreno, Bete Dorgam, Bia Toledo, Flávio Tolezani, Heitor Goldflus, Nani de Oliveira, Natalia Gonsales, Nicolas Trevijano, Ricardo Oshiro e Selma Luchesi.

Ficha Técnica

Espetáculo: Casting

Autor: Aleksandr Gálin

Tradução: Aimar Labaki e Elena Vássina

Direção: Marco Antonio Rodrigues

Direção Musical: Dagoberto Feliz

Direção Geral de Produção: Alexandre Brazil

Cenografia: Ulisses Cohn

Iluminação: Davi de Brito

Figurinos: Cássio Brasil

Serviço

Temporada: Até domingo, dia 12 de setembro de 2010.

Horário(s): Sexta, sábado e domingo, 19h30.

Local: Teatro Nelson Rodrigues - Caixa Cultural

Endereço: Avenida República do Chile, 230 Conjunto Cultural da Caixa Cultural, Centro - Rio de Janeiro/RJ

Telefone(s): (0**21) 2262-8152

Ingresso(s): R$ 20,00.

Na segunda-feira uma boa pedida é a peça Palácio de Neve, que reconta a história de um poeta chamado Ka, que após 12 anos de auto-exílio na Alemanha, retorna para a Turquia para o enterro de sua mãe e resolve ir a uma pequena aldeia para investigar uma série de suicídios de jovens mulheres.

Durante sua visita ao vilarejo, o poeta, interpretado por Raphael Andrade, fica isolado na cidade por conta de uma tempestade de neve e se vê como protagonista involuntário de uma série de episódios, inclusive de um golpe político. Ao mesmo tempo, ele inicia uma relação amorosa com uma antiga colega de universidade.

No elenco, também estão Dinah Cesare, Marcus Fritsch, Carlos Tonelli, Carol Caju, Juan Carlos e Joana dos Santos. A dramaturgia foi construída ao longo do processo de criação do próprio espetáculo.

A história é é retirada do livro Neve, de autoria do escritor turco Orhan Pamuk, que recebeu o prêmio Nobel de Literatura em 2006. A trama foi adaptada para o teatro por Celina Sodré, diretora do Studio Stanislavski.

Ficha Técnica

Espetáculo: Palácio de Neve

Elenco: Carol Caju, Carlos Tonelli, Dinah Cesare, Joana dos Santos, Juan Carlos, Marcus Fritsch e Raphael Andrade

Texto Original: Orhan Pamuk

Dramaturgia: Celina Sodré, Henrique Gusmão e Marcus Fritsch

Direção: Celina Sodré

Assistência de Direção: Clara Choveaux

Espaço Cênico: José Dias

Figurino: Celina Sodré e Thais Medeiros

Luz: Paulo César Medeiros

Serviço

Temporada: Até 27 de setembro de 2010.

Horário(s): Segunda, 21h.

Local: Instituto do Ator

Endereço: Rua da Lapa, 161, Lapa - Centro - Rio de Janeiro/RJ

Telefone(s): (0**21) 2221-8040

Ingresso(s): R$ 20,00.

EXPOSICÃO

Rocinha - Arquitetura e Cotidiano

Está em cartaz, até o dia 26 de setembro, a exposição Rocinha - Arquitetura e Cotidiano, do fotógrafo Rodrigo Queiroz. A mostra acontece no Centro Cultural da Justiça Federal, no Rio de Janeiro.

A exposição traz 34 imagens selecionadas pelo fotógrafo e pretende mostrar um retrato do cotidiano de uma das maiores comunidades do mundo, diferente do que é reproduzido pela mídia e sem enfatizar a miséria. O trabalho do artista prima muito pela diversidade de cores.

As fotos foram feitas por Rodrigo entre novembro de 2008 e setembro de 2009 e o que mais influênciou o artista foram as edificações e as infinitas soluções criativas que os moradores encontram para resolver problemas arquitetônicos.

O objetivo desta ação é realizar uma integração social, promover o resgate e a elevação da auto-estima dos moradores e fortalecer os vínculos sociais entre as diferentes camadas. Além da exposição, os visitantes poderão contar também com eventos paralelos como palestras e visita guiada.

Rodrigo Queiroz é brasileiro, formado em jornalismo e começou a fotografar profissionalmente em 1993, para o Jornal dos Sports. Trabalhou também como correspondente, no Rio de Janeiro, do Diário de São Paulo e foi editor de fotografia do Núcleo de Alto Consumo da Editora Abril; hoje trabalha como editor na Editora Globo - revista Quem Acontece.

Exposicão: Rocinha - Arquitetura e Cotidiano

Local: Centro Cultural Justiça Federal - Rio de Janeiro/RJ

Endereço: Avenida Rio Branco, 241, Centro - Rio de Janeiro/RJ

Datas: Até 26 de setembro de 2010.

Horário(s): De terça a domingo, das 12h às 19h.

Telefone(s): (0**21) 3261-2550

Ingresso(s): GRATUITO

POR QUÊ SER ATOR?

2010-09-06T00:00:00.004-03:00

Com o forte investimento que vem sendo feito em Dramaturgia pelas grandes redes de televisão, mais e mais pessoas tem procurado cursos de teatro com o intuito de conseguir uma formação mínima que lhes dê condições para disputar uma vaga no concorrido mundo dos atores de televisão. Muitos fazem isso, impulsionados pelo anseio de se tornarem uma celebridade.

Muitos até decidem serem atores por modismo, para fazerem sucesso com as meninas, para passarem imagem de culto e intelectual, para fazerem parte de uma turma legal e acham que a qualquer momento vão ser guindados a um papel de uma telenovela. Não que isso não possa acontecer.

Só que muitos não tem uma resposta clara sobre o porquê querem ser atores. Minto, a maioria sabe sim. Quer ser ator para fazer a novela das nove. A idéia de fama e sucesso contamina de tal forma, que uma cortina de fumaça encobre o rosto e distorce o verdadeiro sentido do que venha a ser um ator e o porquê se tornar um.

É claro que todo mundo tem o direito de fazer da sua vida o que bem entender, mas ao resolver se tornar um ator, esta pessoa precisa ter a consciência e a certeza da sua escolha, pois qualquer celebridade instantânea ou não, pode participar de uma telenovela, mas raramente será um ator.

Quando se resolve se tornar um ator, é preciso entender o porquê desta deci-são e ela deve estar pautada, além de uma certeza de vocação, na consciência do papel que o ator tem, de ser um veículo e um instrumento que conta a evolução de uma sociedade, pois é através da interpretação de um ator que a sociedade é vista, revista e reinventada.

Ser ator não é apenas subir no palco, conhecer as teorias de Stanislavski, é preciso ser um investigador da alma humana, dos conflitos sociais, do mundo que nos cerca. É ser um observador do comportamento humano, dos anseios e vontades dos homens do nosso tempo, saber que servirá de filtro para que uma sociedade se reconheça. E, acima de tudo, contribuir para a constante evolução em que vive o ser humano.

Você pode ainda decidir ser ator para crescer como pessoa, entender os seus limites, compreender até que ponto suas ações como cidadão comum, podem interferir num contexto global na sociedade em que você vive. E fazer isso tudo centrifugar dentro de você e devolver tudo em forma de interpretação.

Então, quando você decidir se tornar um ator tem que saber o porquê, pois só assim fará sentido todo o sacrifício que a arte vai lhe impor.

Escrito por Paulo Sacaldassy

Colacorou: Oficina de Teatro; Foto: Espetáculo "Cardenio" (2009)

PROGRAMA ATEMPORAL

2010-09-03T11:11:00.000-03:00

Após dez anos de sucesso no Paraná e com mais de 500 apresentações em todo o Brasil, a comédia Nem Freud Explica está em cena no Rio de Janeiro, no teatro Glauce Rocha. No palco, João Luíz Fiani, que assina o texto e a direção da peça, e Marino Jr apresentam a montagem baseada no teatro do absurdo, fazendo graça com diversas teorias psicanalíticas, de Freud a Jung, passando pelo behaviorismo.

A dupla leva ao palco a história de Frederico, homem atormentado por um problema incomum: todos que olham para ele morrem de rir. O espetáculo satiriza as tradicionais sessões de terapia e, de forma bem-humorada e inteligente, coloca em discussão as diversas vertentes da psicanálise.

Ficha Técnica

Espetáculo: Nem Freud Explica

Elenco: Marino Jr e João Luiz Fiani

Texto e direção: João Luiz Fiani

Iluminação: Glaudiane Krull

Sonoplastia: Marco Novack

Figurino: Thamis Barreto

Música: Carlos Careca

Foto: Divulgação

Serviço

Temporada: Até 25 de setembro de 2010.

Horário(s): Sexta e sábado, ás 19h.

Local: Teatro Glauce Rocha

Endereço: Avenida Rio Branco, 179, Centro - Rio de Janeiro/RJ

Telefone(s): (0**21) 2220-0259

Ingresso(s): R$ 10,00.

Estreia hoje, dia 3 de setembro de 2010, no Espaço Sesc, em Copacabana, o espetáculo Estragaram Todos os Meus Sonhos, Seus Cães Miseráveis!. A peça tem texto inédito de uma das maiores expoentes da nova geração de dramaturgos nacionais: Daniela Pereira de Carvalho.

Tudo gira em torno das dificuldades vividas por três irmãos: André, Mariana e Caio. Os dois últimos ainda vivem às custas do pai; Já André tornou-se um bem sucedido corretor de investimentos financeiros, entretanto, perde todo o dinheiro da família e dos clientes após decisões equivocadas.

No momento em que seus planos estão prestes a desabar, seus pais desaparecem durante uma viagem no mar e a situação, que antes era desesperadora, se transforma em uma verdadeira catástrofe.

Trancados em casa, sem informações e sem um tostão, os três irmãos decidem elaborar um plano contra o mundo que está se voltando contra eles. A partir daí os personagens tomam atitudes drásticas, expondo a incapacidade de um grupo da atual geração de 30 em lidar com as consequências de seus atos.

Ficha Técnica

Espetáculo: Estragaram Todos os Meus Sonhos, Seus Cães Miseráveis!

Elenco: Alexandre Varella, Carol Portes, Pedro Osório e Vitória Frate

Texto: Daniela Pereira de Carvalho

Direção: Pedro Neschling

Assistente de Direção: Karla Dalvi

Cenografia: Fernando Alexim

Iluminação: Adriana Ortiz

Figurino: Ana Roque

Coordenação de Movimento: Toni Rodrigues

Trilha Sonora: Marcello H e Pedro Neschling

Direção de Produção: Diga Sim Produções - Miçairi Guimarães e Sandro Rabello Produtores Associados: Pedro Neschling e Pedro Osório

Realização: Nesch Produções

Foto: Divulgação

Serviço

Temporada: De 3 a 26 de setembro de 2010.

Horário(s): De quinta a sábado, às 21h; domingo, às 19h30.

Local: Espaço Sesc Copacabana

Endereço: Rua Domingos Ferreira, 160, Copacabana - Zona Sul - Rio de Janeiro/RJ

Telefone(s): (0**21) 2548-1088

Ingresso(s): R$ 16,00.

A partir de 10 de julho, o espaço Oi Futuro abriga o espetáculo infantil Ludi na Revolta da Vacina. Uma Odisséia no Rio Antigo, adaptado da obra premiada de Luciana Sandroni e dirigido por Augusto Madeira. No conto, a personagem Ludi é a filha mais nova da família Manso.

A aventura se passa no Rio de Janeiro, na época em que o cientista Oswaldo Cruz acompanha a luta popular contra a vacina obrigatória, enquanto o prefeito Pereira Passos reurbaniza o centro da cidade e inaugura a Avenida Barão do Rio Branco. O cenário remete a lembranças como a Confeitaria Colombo, a Praça XV, um típico cortiço e o bonde.

Ficha Técnica

Espetáculo: Ludi na Revolta da Vacina. Uma Odisséia no Rio Antigo

Elenco: Alexandre David, Amora Pêra, Claudio Mendes, Marianna MacNiven, Pedro Rocha e Thais Tedesco

Texto: Luciana Sandroni

Adaptação e direção: Augusto Madeira

Músicas originais: Ronaldo Mota

Cenários: Fernando Mello

Figurinos: Ronald Teixeira

Direção de Produção: Thais Tedesco e Mônica Behague

Serviço

Temporada: Até 31 de outubro de 2010.

Horário(s): Sábado e domingo, 16h.

Local: Oi Futuro - Flamengo

Endereço: Rua Dois de Dezembro, 63 (Antigo Museu do Telefone), Flamengo - Zona Sul - Rio de Janeiro/RJ

Telefone(s): (0**21) 3131-3060

Ingresso(s): R$ 10,00.

EXPOSICÃO

Manuel Caeiro - Upside Down

O espaço Lurixs: Arte Contemporânea apresenta até o dia 17 de setembro, a exposição Up Side Down, com obras inéditas do artista português Manuel Caeiro. O artista vive em Lisboa e está no Rio de Janeiro desde o dia 18 de julho, para produzir obras para esta mostra.

Nessa exposição, o artista apresentará quatro pinturas, de 180 x 180 cm, da série Trompe-l´oeil e a escultura Twins. Manuel Caeiro aproveita seus passeios pela cidade para inspirar suas criações. Seus novos trabalhos possuem mais luz, nuances de cor e tem uma perspectiva diferente do que em obras anteriores.

O nome da exposição, "de cabeça para baixo" - em inglês - , tem a ver com o fato de que as telas podem ser viradas de ponta-cabeça, invertendo seu plano e sua perspectiva; suas pinturas podem ser consideradas abstratas ou figurativas. O artista cria suas pintura diretamente nas telas de linho, usando apenas um caderno para anotar suas ideias. Outro diferencial de suas criações é que a tela é presa diretamente na parede e só depois de pronta é colocada no chassi.

Apesar da escultura Twins, feita em alumínio e esmalte sintético, com luz fluorescente vermelha, Caeiro não é um escultor; ele é um pintor que complementa suas obras com esculturas.

A mostra terá ainda uma série de desenhos em preto e branco, que são uma espécie de estudo para as pinturas. Manuel Caeiro segue um princípio construtivista que investiga as relações entre o desenho, a pintura e a arquitetura.

Exposicão: Manuel Caeiro - Upside Down

Local: Lurixs Arte Contemporânea - Rio de Janeiro/RJ

Endereço: Rua Paulo Barreto, 77 - Botafogo - Zona Sul - Rio de Janeiro/RJ

Datas: Até 17 de setembro de 2010.

Horário(s): Segunda a sexta, das 14h às 19h.

Telefone(s): (0**21) 2541-4935

Ingresso(s): GRATUITO

ESCREVER É TÃO SIMPLES...

2010-08-30T00:00:00.011-03:00

Ah... Escrever... Escrever é tão simples como fechar os olhos para dormir. É só se colocar em frente à tela branca do computador, que... puft!... a história aparece por completo. Tudo assim, como num passe de mágica! É o que acham certas pessoas. A visão que alguns têm sobre o texto e quem o escreve, principalmente que o faz para o teatro, é no mínimo turva, para não dizer cega mesmo.

É um desdém impressionante! Chega a dar raiva, raiva não, vontade de bater mesmo. Tratam o texto, como... Aliás, muitos nem consideram o texto. Para falar, sinceramente, muitos nem sabem o que estão fazendo no teatro, quanto mais o peso de um texto dentro de um espetáculo. Mas, escrever é tão simples, não é mesmo?

Sei que é uma minoria e que estão só de passagem pelo mundo do teatro, pois tem planos televisivos mais urgentes, mas confesso que muitas vezes dá vontade de falar um palavrão. Quando alguém trata o que você demorou dias para escrever, como se fosse nada, o reduzido a uma insignificância de fazer doer, dá vontade de perguntar o que essa pessoa está fazendo no teatro.

Tudo isso sem contar a dificuldade de receber os direitos autorais. Mas, se não sabem da importância do texto, como vão saber dos direitos autorais? Quem escreve, vive de brisa, se alimenta das palavras que coloca no papel, não precisa receber pelo seu trabalho. O dinheiro da bilheteria pode ser dividido pelo grupo, mas o dramaturgo não faz parte desse bolo. Dramaturgo não tem fome, não é?

Até quem escreve por amor, hobby, ou sei lá o que, precisa de um mínimo de reconhecimento, nem que seja um: “-Que bom o seu texto!”. Só que o que recebem é desdém, desrespeito e desvalorização. Tem gente que não tem noção, brincam de fazer teatro e pensam em fazer do texto o seu brinquedo mais original. Isso tudo, mediante a um: “-Empresta o texto aí pra mim!”

Há de se rever os conceitos de como valorizar um texto. É preciso acabar com essa mania de copilar textos para transformá-los em cenas curtas. Se querem apresentar cenas curtas, usem textos curtos. Um texto só tem sentido quando lido e apresentado por completo. Remendar um texto que foi pensado de uma forma é um desserviço para o teatro e não acrescenta nada.

Que ao texto, seja dado o seu devido valor, pois, do mesmo modo que não é nada fácil interpretar, deve-se ter a consciência de que escrever um texto é algo muito mais complexo e que demanda bem mais transpiração do que inspiração. Escrever, apenas parece simples, mas não é!

Por isso, repensar essa coisa de achar que um texto é uma coisa simplista e quem o escreve não precisa receber por ele, já é um bom começo. Afinal de contas, dramaturgo, também, come, bebe, dorme e precisa ter dinheiro para ir ao teatro.

Escrito por Paulo Sacaldassy

Colaborou: Oficina de Teatro; Foto: Espetáculo "O Pupilo Quer Ser Tutor" Montagem da Cia. Teatro Sim… Por Que Não?!!! Fotografado no FIT Rio Preto, 2008.

PROGRAMA ATEMPORAL

2010-08-27T09:11:00.003-03:00

O espetáculo Não Existe Mulher Difícil traz em cena o ator Marcelo Serrado em seu primeiro monólogo. A peça é inspirada no livro homônimo de André Aguiar Marques e tem adaptação de texto de Lucio Mauro Filho. A peça conta com direção de Otávio Müller.

Não Existe Mulher Difícil é um divertido e dinâmico monólogo que retrata, de forma engraçada e às vezes até estereotipada, o que um homem faz depois da separação. Após ser deixado pela mulher, o personagem volta ao universo dos solteiros e se vê em uma nova realidade; as mulheres estão mais independentes.

A peça serve como um manual de paqueras, em que o protagonista tenta se transformar em um mestre na arte de identificar cada perfil de mulher.Além disso, leva ao palco algumas experiências pessoais do ator e do adaptador.

Ficha Técnica

Espetáculo: Não Existe Mulher Difícil

Elenco: Marcelo Serrado

Texto: André Aguiar Marques

Adaptação: Lucio Mauro Filho

Direção: Otávio Muller

Direção de arte: Maria Borba

Direção musical: Marcio Tinoco

Trilha sonora: Dany Rolland

Iluminação: Paulo Denizot

Foto: Guga Melgar

Serviço

Temporada: Até 25 de setembro de 2010.

Horário(s): Sexta e sábado, ás 23h30; Domingo, ás 22h.

Local: Teatro do Leblon - Sala Tônia Carrero

Endereço: Rua Conde de Bernadotte, 26, Leblon - Zona Sul - Rio de Janeiro/RJ

Telefone(s): (0**21) 2529-7700

Ingresso(s): R$ 50,00 (sexta e sábado); R$ 30,00 (domingo).

A comédia Escola de Molières conta a história de algumas das obras do francês Jean-Baptiste Poquelin, o próprio Molière. A ideia principal é mostrar ao público o teatro feito pelo dramaturgo francês em palcos improvisados nas cidades do interior da França, nas praças e nos palácios de Paris, durante o século 17.

Amir Haddad dirige e atua no espetáculo, que tem tradução e adaptação de Lorena da Silva, Luís Octávio Moraes e Solange Padilha. Integram o espetáculo textos como O Avarento, O Improviso de Versalhes, Don Juan e O Doente Imaginário, entre outros. No total são 28 atores no elenco da peça, que tem nomes como Leo Rosa, Tereza Seiblitz, Clara Soria e Eduardo Duwal.

Ficha Técnica

Espetáculo: Escola de Molières
Elenco: Adressa Koetz, Ana Bugarim, André Dale, Catarina Abdalla, Clara Soria, Eduardo Duwal, Léo Rosa, Marcio Louzada, Marcos Vasconcelos, Tereza Seiblitz, entre outros.

Texto e direção: Amir Haddad

Foto: Divulgação

Serviço

Temporada: Até 19 de setembro de 2010.

Horário(s): Sexta às 21h; sábado e domingo, às 20h30.

Local: Teatro Espaço Tom Jobim

Endereço: Rua Jardim Botânico, 1.008, Jardim Botânico - Zona Sul - Rio de Janeiro/RJ

Telefone(s): (0**21) 2274-7012

Ingresso(s): R$ 50,00.

O Teatro Maria Clara Machado recebe sábado (28/08/10) e domingo (29/08/10) a temporada de Na Catraca, um monólogo estrelado por André Silveira sobre a vida de um cobrador de ônibus, Cleosvaldo.

O protagonista é um homem simples que morava em Florianópolis, mas mudou-se para o Rio de Janeiro por causa da sua namorada Jennifer. Assim que volta para a Ilha para curtir suas férias, ele divide suas histórias hilariantes com o público. O espetáculo, cujo texto foi escrito pelo próprio André Silveira, é encenado dentro de um ônibus cenográfico, localizado no estacionamento do teatro.

Serviço

Temporada: Até domingo, dia 29 de agosto de 2010.

Horário(s): Sábado (28/08/10), ás 20h30 e Domingo (29/08/10), ás 19h30.

Local: Teatro Maria Clara Machado (Teatro do Planetário da Gávea)

Endereço: Rua Padre Leonel Franca, 240 (Planetário da Gávea), Gávea - Zona Sul - Rio de Janeiro/RJ

Telefone(s): (0**21) 2274-7722

Ingresso(s): R$ R$ 30,00.

EXPOSICÃO

Som-ma, de Juliana Cerqueira & Para Espectadores Remotos, de Celina Portella

Celina Portella e Juliana Cerqueira foram selecionadas pelo laboratório do Núcleo de Arte e Tecnologia da Escola de Artes Visuais - Rio de Janeiro - , no final de 2009, para desenvolver seus trabalhos ao longo de seis meses. As jovens artistas receberam uma bolsa mensal como ajuda de custo, além da orientação das professoras e de toda a equipe do Núcleo.

Esse projeto visa incentivar a produção e a reflexão crítica sobre a união da arte com a tecnologia; o resultado desse estudo será apresentado em duas exposições nas galerias da escola.

Celina Portella apresenta Para Espectadores Remotos, uma sequência de ações realizadas ao vivo para uma webcam durante chamadas via skype. A artista criou composições de imagens utilizando diferentes meios, como projeção, reprodução em LCD e colagem. Apresentada para uma pessoa de cada vez, a "performance digital" da jovem explora a reciprocidade da comunicação virtual questionando a ideia de realidade consensual através do conteúdo ou da forma de apresentação das imagens.

Som-ma, de Juliana Cerqueira, é uma instalação sonora onde a artista simula uma rede de neurônios utilizando celulares. Cada telefone representa um neurônio recebendo estímulos - quando seus toques ou alertas de mensagens são ativados, como acontece nas redes neurais. É um trabalho colaborativo, onde pessoas enviam sons que são editados pela artista e instalados nos aparelhos como notas musicais a serem tocadas na instalação, utilizando bluetooth e MP3.

Sobre as artistas

Celina Portella – nascida em 1977, vive e trabalha no Rio de Janeiro. Estudou design na Puc-Rio e se formou em artes plásticas na Universidade Paris VIII. Desde 2000, desenvolve projetos com dança e artes plásticas. Nos últimos 4 anos participou de exposições e residências, realizando diferentes vídeos, instalações, performances e intervenções urbanas.

Juliana Cerqueira – nascida em Belo Horizonte, em 1980, reside atualmente na cidade de Niterói. É artista visual e performer. Concluiu graduação em Pintura na Escola de Belas Artes da Universidade Federal do Rio de Janeiro. Na Escola de Artes Visuais do Parque Lage fez o curso de Arte e Tecnologia e, na Universidade Federal Fluminense, fotografia pela Kodak.

Exposicão: Som-ma, de Juliana Cerqueira & Para Espectadores Remotos, de Celina Portella

Local: Escola de Artes Visuais (EAV) - Rio de Janeiro/RJ

Endereço: Rua Jardim Botânico, 414 - Jardim Botânico - Zona Sul - Rio de Janeiro/RJ

Datas: Até 3 de outubro de 2010.

Horário(s): De segunda á quinta, 9h às 21h; De sexta á domingo, 9h às 17h.

Telefone(s): (0**21) 3257-1800

Ingresso(s): GRATUITO

DISCIPLINA E HUMILDADE

2010-08-23T00:00:00.003-03:00

O ser humano se acha o máximo e por se achar assim, tem a certeza que já sabe o suficiente, pelo menos para começar a criticar. Basta ter um pouco de noção de como se faz a coisa, para se achar a maior sumidade. E é no campo das artes onde encontramos mais sumidades. Os chamados: sabe-tudo!

Tem gente que escreve um livro de poesia e já se diz escritor, tem gente que encena uma peça e já se sente um ator consagrado, tem outros que escrevem peças e se acham grandes dramaturgos, tem outros que fazem curtas e já desfilam como diretores consagrados, e todos se vangloriam de seus feitos, não aceitam críticas e ainda se enchem de glamour.

Pode parecer que não, mas tem muita gente assim. E ai de quem discorda de seus pontos de vistas! São auto-suficientes e não precisam mais aprender, pois já mostraram que sabem, pois já fizeram uma vez. Pelo menos é o que eles acham. Mal sabem eles, que o campo das artes pede aperfeiçoamento continuo e muita disciplina.

Só através da disciplina se chega à perfeição, muito embora saibamos que em arte, a perfeição é muito relativa, por isso, disciplina é fundamental. Quem acha que só por que já sabe fazer alguma coisa, já tem capacidade de fazer outra, morre no meio do caminho. Quem escreveu um livro de poesia, só vai poder escrever um romance se tiver disciplina. Um ator precisa de horas e horas de disciplina para enfrentar tantos outros papéis. Aquele que teve a felicidade de escrever um texto para teatro, precisará de muita disciplina para refazer várias e várias vezes a mesma história. E um diretor precisará fazer muitos “curtas” até atingir o ponto ideal de filmar o seu longa-metragem.

É assim, a vida na arte não tem espaço para seres humanos que se acham o máximo. Nas artes o trabalho é duro e ninguém vai se transformar em escritor de novelas da noite pro dia. Há muita estrada para se caminhar e muitas experiências para serem acumuladas. Nas artes não tem espaço para pressa. Não há espaço para pular etapas. Há muita dedicação e disciplina.

E a maior lição de todas: a humildade. Para reconhecer que ainda não está pronto. Para aceitar que não atingiu o que se queria passar. Que não se deu o suficiente para um certo papel. Que podia escrever bem melhor do que fez. E, acima de tudo, reconhecer como é necessário aprender, aprender e aprender.

É triste quando recebemos críticas sobre aquilo em que dedicamos toda a nossa verdade, corta o coração. Mas é preciso perceber que o ser humano só será o máximo, quando entender a sua pequenez diante da magnitude daquilo que ele tanto quer fazer. O artista jamais será maior que sua arte.

Escrito por Paulo Sacaldassy

Colaborou: Oficina de Teatro; Foto: Bastidores do espetáculo "Réquiem" fotografado em Maio de 2009 em São Paulo.

PROGRAMA ATEMPORAL

2010-08-20T02:44:00.000-03:00

O objetivo da Festa do Teatro, inédita no Rio de Janeiro, é democratizar o acesso à rica diversidade da produção cênica contemporânea brasileira e levar cultura para pessoas com menos acesso às produções nacionais de qualidade. As peças incluem montagens realizadas por grupos teatrais autônomos e também grandes produções. A retirada dos ingressos é completamente gratuita, cada pessoa pode retirar um par de ingressos para uma peça a escolher de acordo com a disponibilidade do posto de distribuição.

Data das apresentações dos espetáculos: de 23 a 29 de agosto de 2010

Data, locais e horários de distribuição dos ingressos:

- dia 20/08 na Cinelândia - Centro do Rio de Janeiro | das 13h às 17h

- dia 21/08 na Cinelândia - Centro do Rio de Janeiro | das 12h às 16h

- dia 21/08 na Praça do Rink - Centro de Niterói | das 12h às 16h

Veja a lista completa das peças participantes, horários e demais informações no www.festadoteatro.com.br

Twitter: www.twitter.com/festa_do_teatro

Realização: Grupo Parlapatões, Chaim Produções, CoARTE e J.Leiva Cultura & Esporte

Patrocínio: Grupo CCR

Apoio: Cielo

Apoio institucional: Prefeitura do Rio de Janeiro, Prefeitura de Niterói, Fundação Arte de Niterói, Associação dos Produtores de Teatro do Rio de Janeiro

Há 12 anos exercendo nos palcos a arte do teatro sem palavras, a companhia Cia Dos à Deux faz a estreia nacional do sexto espetáculo de seu repertório: Fragmentos do Desejo.

Radicados na França desde o início dos anos 90, o brasileiro André Curti e o angolano naturalizado brasileiro Artur Ribeiro, fundadores do grupo, fizeram do espetáculo o início de uma nova etapa da trupe. Além da dupla, a peça apresenta em cena os atores Maya Borker e Matias Chebel.

No palco, eles dão vida a quatro personagens: o pai Angelo, seu filho Angel, a governanta Olga e o cego Orlando. As histórias deles são contadas de forma não linear, focando nas relações humanas, de desejo, de culpa e de segredos, em busca de uma identidade.

Serviço

Temporada: Até 24 de outubro de 2010.

Horário(s): Quarta a domingo, ás 19hs.

Local: Centro Cultural Banco do Brasil

Endereço: Rua Primeiro de Março, 66, Centro - Rio de Janeiro/RJ

Telefone(s): (0**21) 3808-2007

Ingresso(s): R$ 10,00.

O espetáculo Uma Linda Kuaze Mulher é uma comédia caricata que aborda temas atuais com muito bom humor. A relação da empregada doméstica com seus patrões, o preconceito racial, a questão das doenças sexualmente transmissíveis e a atual política brasileira, são apenas alguns dos assuntos da peça.

O texto de Denilton Neves, adaptado por Mario Cardona, é uma paródia ao filme quase homônimo e conta a história de Julia Roberta, uma empregada doméstica que quer vencer na vida e tem o sonho de ser uma grande estrela dos palcos. Personagens como Cintia, a vilã da história, da amiga Lia Lábios de Mel e do seu pretendente Ricardo Gerardo são apenas alguns dos personagens da peça.

Mario Cardona assina a direção do espetáculo, numa concepção que usa o teatro de besteirol, inspirado nas revistas em quadrinhos e nos desenhos animados, onde o gestual seguido da expressão facial está sempre presente. Uma Linda Kuaze Mulher é o verdadeiro teatro do besteirol, um teatro que satiriza temas polêmicos da atualidade.

Ficha Técnica

Espetáculo: Uma Linda Kuaze Mulher

Elenco: Adriano Balluz, Aziz Àlkimim, Diego Sant´ana, Eduardo Boone, Erlande D´Lutz, Raphael Monteiro, Thiago Gaudêncio e Wagner Freitas.

Participação Especial: Marcela Tabet

Direção e Adaptação: Mario Cardona

Texto: Denilton Neves

Coreografia: Mario Cardona

Iluminação e Sonoplastia: Iamonã Vilhena

Fotografia: Kadu Freitas

Cenários e Adereços: Amilcar Barros

Maquiagem e Perucas: Wagner Freitas

Trilha Sonora e Arte: Caio Vianna

Contra Regra e Camarim: Zezé Ferilles e Mirian Gonçalves

Serviço

Temporada: Até o dia 29 de agosto de 2010.

Horário(s): Sábado, as 20h; domingo ás 18h.

Local: Agildo Ribeiro

Endereço: Rua Arquias Cordeiro, 446, Méier - Zona Norte - Rio de Janeiro/RJ

Telefone(s): (0**21) 2241-9781

Ingresso(s): R$ 25,00.

EXPOSICÃO

Capoeira - Luta, Dança e Jogo da Liberdade

A exposição Capoeira - luta, dança e jogo da liberdade é uma mostra fotográfica itinerante, que poderá ser vista na Caixa Cultural do Rio de Janeiro até o dia 10 de outubro. O evento apresenta fotografias de André Cypriano e é fruto de pesquisa para o livro homônimo lançado em 2009.

O trabalho do fotógrafo resgata a história da capoeira, desde seu surgimento no Brasil Colonial até os dias de hoje, ressaltando aspectos de promoção e valorização da cultura nacional, além de sua função de agregação social. A exposição, com curadoria de Denise Carvalho, é composta de 11 fotografias em preto e branco, 29 fotos coloridas e 10 ilustrações, de Debret e Auguste Earle.

As fotos reunidas revelam uma rica manifestação cultural brasileira, reconhecida e praticada em várias camadas sociais, aqui e em diversos outros países. A expografia recria um ambiente de sala de capoeira e utiliza elementos como um assentamento para Exu - entidade que deve ser cumprimentada antes do início de qualquer roda - , uma fotografia em louvor ao grande Mestre Pastinha, instrumentos musicais utilizados na prática, tecidos e pinturas em cores fortes, sempre presentes na capoeira de Angola, além de ambientação sonora típica das rodas.

Foto: Divulgação

Exposicão: Luta, Dança e Jogo da Liberdade

Local: Caixa Cultural - Grande Galeria - Rio de Janeiro/RJ

Endereço: Avenida República do Chile, 230 - Centro - Rio de Janeiro/RJ

Datas: Até 10 de outubro de 2010.

Horário(s): De Terça á sexta, das 10hs às 18hs; sábado, domingo e feriado, das 14hs às 18hs.

Telefone(s): (0**21) 2262-5483 / 2262-8152

Ingresso(s): GRATUITO

LUGAR DE PIPOCA É NO CINEMA

2010-08-16T00:00:00.003-03:00

Está certo que o público não foi educado para freqüentar as salas de teatro, a gente até entende, mas alguém precisa avisá-lo que Teatro não é Cinema. Não dá para entrar na platéia levando latas de refrigerantes, salgadinhos, chocolates, pipocas e mais pipocas, fazendo aquela algazarra. Teatro não é lugar de fazer piquenique.

Quando você vai ao teatro, você vai para ver a apresentação e isto pressupõe que você tenha algum interesse e, portanto, precisa estar com a sua atenção voltada para o que se passa em cena. Como que alguém que está mais interessada em comer pipocas pode entender o que se passa em cena? Além do mais, com a sua mastigação, com certeza atrapalhará o ator em cena. Aí você diz: - Ah, mas comer pipoca no cinema pode!

Concordo com você. No cinema, a pipoca é até uma boa companhia, principalmente quando o filme que passa na tela é de nos dar sono, ou não nos traz nenhum interesse. E o principal: O filme já foi gravado e o ator pouco vai se importar se você come ou não pipocas.

O teatro é uma arte feita ao vivo e qualquer movimentação estranha, que possibilite desviar a atenção do ator, ou desconcentrá-lo, pode colocar todo o espetáculo a perder. Teatro é lugar de atenção, de silêncio, de contemplar todo o esforço que o ator fez e faz para apresentar o seu espetáculo. Teatro não é lugar para bate-papos, telefones celulares e comilanças de pipocas com refrigerantes.

Outro dia, estava na fila aguardando a abertura do teatro para assistir um espetáculo infantil, quando na minha frente, chega uma mãe e dois filhos, trazendo garrafinhas de guaraná, sacos de salgadinhos, e algumas tantas guloseimas. Então, viraram para ela e disseram: - Não pode entrar com comida no teatro. De pronto ela perguntou: - Mas as crianças vão ficar com fome? E voltaram a afirmar que comida no teatro, não podia. Ela ficou indignada com negativa, mas permaneceu na fila. E o pior que espetáculo tinha duração de cinqüenta minutos. Será que em cinqüenta minutos as crianças dela morreriam de fome?

Por isso, acho que dentro da campanha de popularização do teatro, devia-se incluir a campanha de como se comportar dentro de uma sala de teatro. Se é mais importante comer pipoca do que assistir ao espetáculo de teatro, então que se vá ao cinema e se fartem.

Escrito por Paulo Sacaldassy

Colaborou: Oficina de Teatro; Foto: Cinemark Barigui

PROGRAMA ATEMPORAL

2010-08-13T02:05:00.000-03:00

Um espetáculo é interrompido pela atriz principal repentinamente, que decide assumir sua crise existencial diante do público. Ela participa de um triângulo amoroso com dois atores de sua companhia teatral, o ex-marido e sua atual amante. Em A Loba De Ray-Ban, Christiane Torloni, Leonardo Franco e Maria Maya são os três atores que discutem sobre moral e sobre os relacionamentos amorosos.

Nessa nova versão, dirigida por José Possi Neto, passados 22 anos, os papéis se invertem. Christiane Torloni passa a fazer o papel que era de Raul Cortez. Leonardo Franco o que era de Christiane e o papel do jovem ator, antes representado por Leonardo, agora será feito pela jovem atriz Maria Maya. O triângulo garante voyerismo, bissexualidade e expõe o cotidiano nos camarins e coxias de um teatro.

Ficha Técnica

Espetáculo: A Loba De Ray-Ban

Elenco: Christiane Torloni, Leonardo Franco e Maria Maya

Texto: Renato Borghi

Direção: José Possi Neto

Cenário: Jean-Pierre Tortil

Figurino e Visagismo: Fabio Namatame

Iluminação: José Possi Neto

Trilha Sonora: Túnica e Aline Meyer

Preparação Corporal: Suzana Mafra

Programação Visual: Denise Mattar

Direção de Produção: José Luiz Coutinho e Elza Costa

Produção Executiva: Wagner Pacheco

Foto: Divulgação / Luiz Tripolli

Serviço

Temporada: De 24 de julho a 12 de setembro de 2010.

Horário(s): Sexta e sábado, as 20h; Domingo, às 18h.

Local: Teatro Carlos Gomes

Endereço: Praça Tiradentes, s/nº, Centro - Rio de Janeiro/RJ

Telefone(s): (0**21) 2232-8701 / 2224-3602

Ingresso(s): R$ 30,00.

Após longa e bem sucedida temporada em São Paulo, o espetáculo O Crápula Redimido, escrito e dirigido por Leonardo Cortez, está em cartaz no Sesc Tijuca. O texto é parte do livro Trilogia Canalha, lançado em 2008 pelo dramaturgo.

No palco, a peça mostra a história de um empresário inescrupuloso, que tem nos sete pecados capitais a sua filosofia de prosperidade. Ao longo da trama, o empresário descobre sofrer de uma doença incurável e diante da perspectiva da morte inicia uma epopéia rumo à redenção, descobrindo que todas as pessoas que ele julgava prejudicar, na realidade são tão calhordas quanto ele.

O espetáculo tem no elenco Gil Hernandez, Cláudia Paiva, Claudio Amado, Patrícia Batitucci, Julia Sabugosa e Charles Myara. A sonoplastia fica por conta de Ricardo Corte Real e é executada ao vivo pela cantora Lia Sabugosa. Em O Crápula Redimido, o caráter do brasileiro é colocado em xeque, numa tragicomédia que aponta as incoerências sociais, a selvageria do mundo corporativo e os sacrifícios éticos do homem moderno na busca pela estabilidade.

O texto de Leonardo Cortez tem como características a agilidade dos diálogos e a construção de cenas a partir de grande intensidade dramática.

Ficha Técnica

Espetáculo: O Crápula Redimido

Elenco: Cláudia Paiva, Gil Hernandez, Claudio Amado, Patrícia Batitucci, Julia Sabugosa e Charles Myara

Texto e Direção: Leonardo Cortez

Iluminação: César Germano

Figurinos: Pedro Lacerda e Fernanda Garcia

Música Original: Leonardo Cortez e Conrado

Trilha Sonora: Ricardo Corte Real

Música ao vivo: Lia Sabusoga

Foto: Divulgação

Serviço

Temporada: De 6 á 29 de agosto de 2010..

Horário(s): Sexta, sábado e domingo, às 20h.

Local: Teatro Sesc Tijuca

Endereço: Rua Barão de Mesquita, 539, Tijuca - Zona Norte - Rio de Janeiro/RJ

Telefone(s): (0**21) 3238-2100

Ingresso(s): R$ 16,00.

O espetáculo Lisístrata, A Greve do Sexo relata a história de mulheres que resolvem protestar, enquanto os homens não votarem leis favoráveis à paz. Lideradas por Lisístrata e cansadas da guerra, as mulheres do país conspiraram uma revolta e instauraram uma greve geral. O resultado do protesto fez com que, após 3 meses, todos no país se sintam absolutamente necessitados do prazer carnal.

Nesta inteligente comédia recheada de humor ácido e apimentado, o escritor grego Aristófanes usa a libido sexual como tema, para trazer à tona uma reflexão profunda a respeito da guerra e da paz, da reconciliação, da disputa entre os gêneros e sobre o amor. O escritor é considerado um dos mais importantes autores universais e um dos pais da comédia ocidental.

Apesar de ser escrito aproximadamente 411 a.C., o texto acaba narrando um assunto muito atual nos dias de hoje: a busca pela sensibilização e uma visão sobre o futuro desastroso que o homem está construindo, na barbárie e no caos em que vivemos.

Ficha Técnica

Espetáculo: Lisístrata, A Greve do Sexo

Texto: Aristófanes

Direção e adaptação: Daniel Terra

Elenco: Clara Porto, Daniela Porfirio, Fabiana Oliveira, Flávia Porto, Gisa Gomes, Gustavo Muricy, Jaqueline Braga, Jean Éder, Romulo Bolivar, Ronald Sohma, Thaís Chen, Vitor Andrade, Victor Sousa, Vinícios Soares e Wellington Cássio

Trilha Sonora: Cristian Porto

Produção: Daniel Terra e Jorge Wilson Braga

Figurinos e cenografia: Grupo Barcarola Teatro

Foto: Divulgação

Serviço

Temporada: De 7 á 29 de agosto de 2010.

Horário(s): Sábado e domingo, às 21h.

Local: Teatro Henriqueta Brieba (Tijuca Tênis Clube)

Endereço: Rua Conde de Bonfim, 451, Tijuca - Zona Norte - Rio de Janeiro/RJ

Telefone(s): (0**21) 3294-9326

Ingresso(s): R$ 20,00.

EXPOSICÃO

As Palavras Que Nos Faltaram

O Ateliê da Imagem Espaço Cultural, em parceria com o Escritório de Fotografias, de Luiz Porchat, fazem a exposição coletiva As Palavras Que Nos Faltaram, com obras de 12 artistas visuais brasileiros. A galeria é virtual e tem o objetivo de representar fotógrafos já consagrados e novos talentos, e promover a arte da captação da imagem, estimulando discussões e o colecionismo.

O Ateliê é localizado na Urca e recebe fotos dos seguintes artistas brasileiros: Ana Lucia Mariz, Christiana Carvalho, Fausto Chermont, Ilana Bessler, Jaques Faing, Jordi Burch, Luciano Bonomo, Luigi Stavale, Patricia Gouvêa, Paula Brandão, Penna Prearo, Renan Cepeda.

Outro intuito da mostra é o de acompanhar e apresentar novas tendências, além de apoiar a criação e a relação das novas tecnologias com as mais tradicionais, para a promoção, a produção e a divulgação da fotografia no mundo.

Foto: Patrícia Gouvêa

Exposicão: As Palavras Que Nos Faltaram

Local: Ateliê da Imagem - Rio de Janeiro/RJ

Endereço: Avenida Pasteur, 453 - Urca - Zona Sul - Rio de Janeiro/RJ

Datas: De hoje, 13 de agosto de 2010 á amanhã, 14 de agosto de 2010.

Horário(s): Sexta, das 10h às 21h; Sábado, das 10h às 17h.

Telefone(s): (0**21) 2541-6930 / 2541-3314

Ingresso(s): GRATUITO

O CARINHO DA DAGUI

2010-08-12T00:18:00.002-03:00

A Cia. De Teatro Atemporal recebeu com muita honra de Dagmar, do Blog Mania Colorida o selo "BLOGTIGRÃO". Isso deixa a companhia muito feliz, pois receber selos como este não tem preço.

Agradecemos de coração a Dagui, pelo selo e pelo lindo carinho que tem por nós; e a você, que sempre prestigia o melhor conteúdo do teatro em nosso Blog, pois todos vocês fazem deste humilde Blog ATEMPORAL!